viernes, 14 de junio de 2019

Bon Jovi – Bon Jovi (Mercury-1984)


Así es, vinileros, hoy os traigo el disco de debut de Bon Jovi, el álbum con el que empezó todo y del que este año se ha cumplido el trigesimoquinto aniversario. Lo cierto es que he dudado entre hablaros de este o de su infravalorada continuación, otro estupendo disco, ya que ambos fueron la base sobre la que asentaron el pelotazo que llevó al grupo a la fama, ese aplastante y megaexitoso Slippery when wet que no poseo en vinilo y del que aquí encontraréis la correspondiente reseña. Pero finalmente me he decidido por el debut de la banda. Y tal como a estas alturas ya debe saber todo el mundo, resulta que un jovencito amante de la música con hambre de estrellato llamado John Bongiovi –gracias a las relaciones de su tío Tony, dueño de los míticos neoyorquinos estudios de grabación The Power Station– consigue grabar en 1982 el single Runaway con el que pretende sonar en las emisoras de radio de rock y conseguir así un contrato discográfico. 


Para ello se rodea de los músicos de sesión Hugh McDonald –bajista que también grabaría con Alice Cooper–, el guitarrista Tim Pierce –con una lista de colaboraciones larga como un día sin pan–, el batería Frankie LaRocka y el teclista y pianista Roy Bittan, otro experimentado músico de sesión que no necesita presentación y a quien se conoce principalmente por ser miembro de la E Street Band y sus colaboraciones con Jim Steinman. Total, que el single fue un éxito y Jon Bon Jovi –que a esas alturas ya había desitalianizado su apellido, al menos profesionalmente consiguió el contrato que ansiaba. Para ello tuvo que formar su propia banda –a la que por supuesto llamó Bon Jovi–, para la que reclutó a su amigo teclista David Rashbaum, al guitarrista Richie Sambora, al batería Tico Torres y al bajista Alec John Such con los que dio forma al que estaba llamado a convertirse en el disco de debut de una de las bandas más importantes de la escena del rock de finales del siglo XX. 


Grabado en los Avatar studios con Lance Quinn a la producción –y la colaboración de músicos como Aldo Nova, Chuck Burgi o Doug Katsaros–, en enero de 1984 llega a las tiendas Bon Jovi, con portada de Geoffrey Thomas y el siguiente track list

A 
Runaway 
Roulette 
She don’t know me 
Shot through the heart 
Love lies 

B 
Breakout 
Burning for love 
Come back 
Get ready 

El álbum se inicia con las notas de teclado de Runaway, un temazo enorme muy ochentero y con un buen solo de guitarra. La verdad es que no me extraña que la canción supusiera para Bon Jovi la oportunidad de grabar su primer elepé porque es genial. Lo que me sigue pareciendo raro es que, una vez formada la banda definitiva, esta no regrabase el tema y dejase en el disco la original de 1982. En fin, un hit single de manual. Le sigue Roulette, algo más hard rockera aunque con unos coros matadores en su estribillo –uh uuuuh– que siguen indicando la vocación de Jon de convertirse en una radio star. Otro tema imprescindible con estupendo solo de Sambora. Otro temazo es She don’t know me, escrita por el compositor Mark Avsec de la banda de Donnie Iris. Llega entonces Shot through the heart, un temita agradable de escuchar pero que en mi opinión, tras los tres pelotazos anteriores, desmerece un poco. Y luego le toca a Love lies un medio tiempo que entra con los teclados de Rashbaum y la voz desnuda de Jon antes de golpearnos con un estribillo que me recuerda a los coros de Torture, de The Jacksons. Es otro temazo ochentero, simple quizás, pero inolvidable. 


Ya en la cara B, unas breves notas a lo synthwave dan inicio a Breakout, un tipico hard rock de la época, con la guitarra marcando el camino junto a la base ritmica, aunque con los imprescindibles teclados arropando un tema salpicado de coros. En esta, a Jon se le nota un poco forzado en las notas más altas –y es que vocalmente Jon Bon Jovi tiene algunas limitaciones que suplía con carisma, energía y determinación, al menos en aquellos años– y Sambora nos ofrece un solo enérgico y rockero. Es de los más cañeros del disco. Burning for love es otro de los singles que se editaron del álbum y es un tema alegre, rockero que podría estar perfectamente cantado por Pat Benatar. Aquí Sambora nos regala uno de los solos más cañeros del disco. Come back también es animada y pegadiza aunque no me parece nada especial y el disco finaliza con Get ready, quizás el tema más cañero y guitarrero del disco. 


En fin, lo dicho, que evidentemente Bon Jovi no salió tan redondo como Slippery when wet –la rampa al olimpo de la banda–, pero es el disco con el que iniciaron su andadura, lo que le hace especial además de su valía por si mismo. Lástima que –por mucho que sus acérrimos defensores me contradigan–, después de tocar el cielo, Bon Jovi se dedicasen a vivir de las rentas de la fama haciendo discos cada vez más mediocres y aburridos. 







Bonus: A mediados de los 70, Craig DeBock y Gino Milchalk –amigos desde la escuela– tenían una dance band con la que participaban en bailes de adolescentes bajo el nombre de Ragweed tocando soul y temas de la Motown. Lo cierto es que llegaron a tener cierto éxito en el noroeste de Ohio por lo que, gracias al dueño de un club de Akron, lograron contactar con un agente de Buffalo que les consiguió una gira tras cambiarles el nombre por Flavour

En 1980 grabaron bajo el nombre de LaFlavour su primer álbum, Mandolay, que había sido escrito y producido por Mark Avsec. El disco tuvo dos singles y llegó al #7 en las listas de disco y club dance. Entonces MCA decidió cambiar su nombre a Fair Warning para lanzar un nuevo trabajo en el que iba a constar un single compuesto de nuevo por Avsec. Su nombre, She don’t know me. Sin embargo, el sello –que por aquel entonces tenía acuerdos de distribución con PolyGram, que controlaba Mercury records– inexplicablemente decide dar el single a Bon Jovi y guardar en el cajón el elepé de Fair Warning

Y así es como llegó el tema al público. Sin embargo, os adjunto la versión inicial –bendita internet– para que podáis ver como hubiese sonado de mano de sus intérpretes originales. 


¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla


viernes, 7 de junio de 2019

Radio Futura - Escueladecalor (BMG Ariola - 1989)


Todo aquello que a principios de los ochenta se llamó de manera heterogénea La Movida nos regaló un montón de mierda y algunos grandes discos. De las bandas metidas en aquel saco Radio Futura emergió creando una discografía muy particular, pasando de las influencias más poprock anglosajonas a una especie de mestizaje latino que acabó creando uno de los mejores discos del género (La canción de Juan Perro) seguido de este directo poco después. 

Escueladecalor se grabó en Valencia, a finales de octubre de 1988, y se editó, tras un severo retoque en estudio y un corte en su duración por parte de los responsables de la compañía. Maquillaje por el estudio necesario, en parte, por que en aquellas fechas Santiago Auserón (cantante) no estaba muy a tono. Recorte porque los jefes del cotarro no quisieron pagar un disco doble "de verdad": la banda grabó dieciseis canciones y al final solo se editaron once y, además, según ellos, no las mejores.

En definitiva, Escueladecalor resulta un buen recopilatorio en directo con algunas de sus mejores canciones en buenas versiones (algunas excelentes). Además de Santiago Auserón a la voz escuchamos a Luis Auserón al bajo, Oscar Quesada a la batería, Pedro Navarrete a los teclados y Enrique Sierra y Javier Monforte a las guitarras.


Me quedo con los más de siete minutos de Paseo con la negra flor, El canto del gallo y A cara o cruz. Una pena que no metieran Anabel Lee, por ejemplo. 

La edición es la original, impresa en Madrid, con encarte sencillo y dos discos. El diseño la verdad que está currado.

Disfrutad el fin de semana, pandilla.








Donovan - Cosmic Wheels (1973 - Epic) 🇬🇧

Hoy traigo la edición española de este mítico y sideral Rodajes cósmicos de Donovan Leitch, en su edición española de 1982 de historia de la música rock, cuya portada he cambiado por una club edition personal que me he imprimido en a3. El vinilo en sí es el mismo que la edición española de Epic - 1973 censurada por el franquismo en "El laxante intergalactico" (dice pene y polla) y suena un pitido cuando salta la canción..  Al margen de eso hablar del album es hablar de la demostración de que Donovan a principios de los 70s sacó un elepé a la altura de sus primeras obras y años de oro a finales de los 60s; Cosmic Wheels es recordado como una pieza importante del folk rock psicodelico británico junto con los inicios de Marc Bolan con T. Rex por ejemplo, por poner un artista similar. Este album tiene también ciertos tintes de un rock n roll que se nota que es propio de principios de los 70s en la era pre-glam. Donovan se estaba recuperando de ese album de canciones infantiles del 71 que si bien podemos entenderlo conceptualmente como psicodelia por la cosa de lo que la infancia representa jaja fue una etapa muy baja de su carrera por motivos obvios. Tras Cosmic Wheels en 1974 seguiría el camino espiritual, hippie. psicodelico con sonidos nuevos que ya no llegaron a triunfar tanto no por su sonido como por que en 1974 la edad de la psicodelia se estaba acabando. Este disco me impacto mucho oirlo y me gusto cuando lo escuché en el stoned friday de hace un mes. Muy.. Cósmico.



Le pondría al album la etiqueta conjunta de soft rock pero no, la mayoría de los temas no voy a decir que sean heavy psych pero estan hechos de forma que los notas pesados, es como estos temas de Neil Young tan intensos y bien grabados que los notas muy intentos con fuertes riffs o movimientos de cuerdas sin ser un genero necesariamente pesado. Ostia! acaba de entrar un pedazo de pajaro a la habitación mientras escribía, se ve que la paz de Donovan es tal que ha entrado sin más jajaja


Respecto al franquismo es una putada y los curas unos cerdos, la censura una mierda pero creo que vivimos a día de hoy tiempos peores, la censura progre, el marxismo cultural, la hipergamia, los millenials, la censura de lo políticamente correcto, la globalización, los lobbys, las rrss.. ingeniería social. Este disco a las muy malas podías conseguirlo de importación en tiendas si lo pedías. A día de hoy hasta un hippie de la época sería visto como un fascista por alguna gilipollez de la gente de hoy.


Side one

"Cosmic Wheels" – 4:02
"Earth Sign Man" – 3:56
"Sleep" – 3:48
"Maria Magenta" – 2:12
"Wild Witch Lady" – 4:27


Side two

"The Music Makers" – 4:28
"The Intergalactic Laxative" – 2:49
"I Like You" – 5:18
"Only the Blues" – 3:13
"Appearances" – 3:44



Respecto al elepé si es cualquier otra edición que no sea la española perfecto y no se cuanto puede valer pero no creo que más de 15€.. si es la española no lo compréis no vale ni para cagar yo porque compre sin saber y me costo 2€ en ofertas de rastrillos que es donde vienen los de historia de la música rock. Es muy feo que te venga un tea censurado, además es que es un pitido muy fuerte que jode, podrían al menos haber sustituido el tema por otro como hicieron con el Aqualung español de 1971. 




Sabéis lo que me acaba de pasar, me lo he dejad sin querer al sol y se ha doblado jajaja joder vaya cagada, bueno lo pondré de adorno en mi cuarto como ya digo es un disco que no tiene valor quizás por eso e lo deje sin querer al sol en la mesa.



El LP original obviamente viene con portada plegable y mucho arte dentro.



Salurocks!!

Rod Stewart – Camouflage (1984, Warner Bros)





Para un vinilo que me compré del escocés del pelo oxigenado, resulta que es el peor de toda su extensa discografía. En realidad, su discografía de los años 80 es bastante mediocre. Un tío que venía de hacer maravillas con Jeff Beck en The Faces e, incluso, en sus primeros trabajos en solitario, fue descendiendo a los infiernos de la música ochentera y este LP es la más clara representación. Lo curioso es que no lo recordaba así de malo, pero cuando me he puesto a escucharlo para realizar esta entrada me he horripilado. Sí, es un disco flojísimo.

Me imagino que lo vi de oferta y me lo pillé porque recordaba sus dos grandes hits, “Infatuation” y “Some guys have all the luck” de haberlos visto en las cintas de VHS en las que grabábamos en mi casa los videoclips que ponían en los programas musicales de TVE. Y porque en los créditos aparece el gran Jeff Beck. Es posible que también influyese el que me había comprado el CD The Best of Rod Stewart y no venían esas dos canciones que conocía y recordaba y me dije a mi mismo que comprando este LP completaría esa colección de grandes éxitos. Es más, me compré al mismo también en cassette otro disco suyo, el “Out of Order”, también de oferta, porque me sonaban las canciones “Lost in you” y “Forever Young” que tampoco venían incluidas en el The Best.  Y ahora comprendo la razón: el bajón de calidad de estas canciones en relación a las que sí se editaron en el The Best es tan evidente que no podían entrar. Me imagino que para el amigo Rod la música en estos años pasó a ser relegada en importancia por sus otras pasiones: las mujeres, el fútbol y el alcohol.


Bueno, vamos al lío. Empieza el disco con “Infatuation”. A mí me gustaba mucho en su momento y aún me sigue gustando. Es difícil que un tema o un disco que en un momento de mi vida me molase, deje de hacerlo. Aunque ya no me interese por ese tipo de música. Por ejemplo: me encantaban los discos de Modern Talking a los 14 años. Y si los escucho hoy en día, me siguen gustando. Quizás porque me recuerden a otra época. Pero sólo esos discos. Ni los que sacaron luego ni siquiera ese tipo de música. La música no es sólo música, también recuerdos y sentimientos. Me desvío del tema. “Infatuation” tiene la colaboración de Jeff Beck, en riff y el solo de guitarra es suyo. Meten muchos metales (típico de estos años) y esa batería o caja de ritmos también exagerada. Pero lo dicho: me gusta. Y también el video, con la actriz Kay Lenz, de Hombre rico, hombre pobre, me parece gracioso. Como segundo corte Rod hace una versión del “All Right Now” de los Free merecedora de la excomulgación de la Iglesia del Rock. Un cover electro-sintetizado que tuvo que tener su gracia en aquel momento pero que ahora lo escucho y me da vueltas la cabeza, como me imagino que le sucedió a Paul Rodgers la primera vez que la escuchó. Afortunadamente sigue el “Some guys have all the luck”. También me gusta. Tanto o más que el “Infatuation”, aunque no así su video. Me mola la melodía, me mola el estribillo y me da muy buen rollo. Y hasta me mola el “woo woo woo”. Y ya está, esto es todo lo bueno que se le puede sacar al disco. Porque a continuación pasa a destrozar una preciosa canción de Todd Rundgreen, “Can We Still Be Friends”, que deja de ser un medio tiempo abusando de los sintetizadores y que ni siquiera la guitarra de Jeff Beck logra salvar. Nada que ver con el gran cover de Robert Palmer.


Y ya estamos en la cara B. “Bad for you” cuenta de nuevo con la guitarra de Beck, pero queda difuminada por los teclados y la excesiva producción. Aún así, es lo único salvable de esta cara gracias a Jeff y a la armónica que suena en medio del tema (muy estilo INXS, por cierto). Porque “Heart Is On The Line” parece la típica producción sacada de la banda sonora de Flashdance o Fama o algo de ese estilo. La siguiente es la canción que da título al LP, “Camouflage”. Y resulta que es la peor canción de todo el disco. Incomprensible que la usaran para titular todo el trabajo. No sé ni como catalogarla. Quizás como un tema de breakdance que usaban en los concursos de ese estilo de baile en Tocata. Y terminamos la tortura con “Trouble”, la “balada” del disco por decir algo amable. Lo mejor de la canción es que termina.


A veces los ochenta no son tan buenos como los recordamos o nos los venden.
En fin, tampoco os toméis demasiado en serio esta entrada. El caso es que el pasado mes había estado repasando varios discos de The Faces y las comparaciones son odiosas. Quizás en otro momento no hubiese sido tan crítico. Algo parecido me ha pasado con otro vinilo que tengo. Tras escuchar sus grandes trabajos de finales de los 70 y principios de los 80, el susodicho vinilo ya no me parece tan bueno y creo que el Heavy Nova, a pesar de su icónico video, es un tropiezo en la carrera de Robert Palmer.

Vs


Vs



viernes, 31 de mayo de 2019

Anvil "Metal On Metal" Attic Records (1982)




El "yunque" pudo haber tenido un buen comienzo con su álbum "Hard 'n' Heavy", pero fue el segundo disco titulado "Metal en el Metal", el que marcaría el comienzo de una nueva ola de atención hacia los canadienses y casi les daría un pase de sala al nivel de notoriedad que estallaba como fuegos artificiales alrededor de un puñado selecto de otras luminarias de metal norteamericanas en la misma época. Sí, todos sabemos cómo terminó al final, pero nadie puede negar que esta vez, la banda llegó con algo más que las buenas intenciones y la testosterona en bruto de su debut con gran influencia del rock duro. Esta vez trajeron un himno 100% genuino que seguiría siendo su canción más conocida durante las próximas décadas. De hecho, hay gente que probablemente conoce a Anvil SOLAMENTE para la canción "Metal on Metal", como si el resto de su saga legendaria pudiera barrerse debajo de la alfombra.


Vaya disco de los canadienses integrados por:
Steve "Lips" Kudlow - voz , guitarra
Dave Allison - guitarra , voz principal en "Stop Me"
Ian Dickson - bajo
Robb Reiner - tambores




Y no sería difícil defender su caso, porque este es uno de esos monstruos atemporales que simplemente no escaparán de tu memoria una vez que se hayan golpeado allí bajo su música. Personalmente, me encantó el uso inteligente de los integrantes en esta y otras selecciones de pistas de álbum / título, pero más allá de eso, tienes este bruto único, oscuro y arrogante que presenta el truco de sonido metálico apropiado que esperas del título. Inmediatamente nos presentamos a un Anvil más oscuro y pesado con un tono de guitarra mucho más musculoso, y Steve 'Lips' Kudlow, aunque sigue utilizando el mismo rango que el primer álbum, parece como si sus notas se hubieran caído o hubiera fumado algunos paquetes de cigarros antes de entrar a grabar o antes de batir esto en el estudio. Huskier, más maduro y más audaz, los gruñidos cercanos en el puente se destacan como una advertencia de que está a punto de hundir el cráneo por el peso de todo. No duele que el plomo se queme como el acero fundido, los gritos de apoyo están bien desarrollados y el maldito riff central de la guitarra es uno de esos tan simples y efectivos que muchas otras bandas probablemente se abofetearon en la frente que no aparecieron. Todo esto en su conjunto nos presentaba una banda bien armada para presentarnos una estupenda grabación. 




Pero esa no es la única gran pista aquí, y algunos de sus vecinos poseen una profundidad bastante sorprendente que no recuerdo haber experimentado en gran parte del debut. El año anterior a ésta grabación los canadienses habían escrito el primer buen tributo metálico a una melodía de los Stones que había escuchado, y aquí lanzaron una pista tributo a los filmes japoneses de monstruos en la canción llamada "Mothra". El riffing sólido de Judas Priest de ritmo medio ayuda a hacer girar la saga de la bestia japonesa ficticia, mientras que los cables espurios ayudan a deslizarla en un coro finamente estructurado y un riff de desintegración asesino que, una vez más, parece ser un precursor del thrash. Lips está jodidamente sobre esta canción, y las voces robotizadas en el final son otro buen toque. Otro corte legendario de Anvil es el instrumental "Marcha de los cangrejos", también bastante efectivo ya que permite a Reiner explotar todas sus habilidades en la batería. 



Por desgracia, no todos los escritos aquí están a la altura de este mismo estándar impresionante. Tenemos otra pista de Dave Allison llamada "Stop Me" que a estas alturas se siente como otra banda por completo, y un himno femenino llamado "Scenery" en el que uno de los riffs está un poco cerca de "Crazy Train" para mi comodidad. (aunque la canción no está del todo sin mérito). Otros, como el "Tag Team" en el que Lips canaliza un poco del atractivo vocal robusto de Gene Simmons, no es tan especial, o la conducción si es suave "Tease Me, Please Me" y "Jackhammer" simplemente no se pueden comparar a una canción como "Metal on Metal", y tal vez esa es la razón por la que el álbum no tendría el poder de permanencia que la banda necesitaba para llevar su impulso a la cima. No me malinterpreten, no hay una fisura en el disco por ningún lado, es un trabajo perfecto al 100%. 




Sin embargo, "Metal On Metal" merece mucho crédito por el claro camino evolutivo que representó para sus progenitores. Más ruidosos, más fuertes y mucho más felices, los tonos de estudio de madera del debut se dejaron caer aquí en favor de un espacio de trabajo más industrial, y esto se siente en el trueno de las guitarras y el peso bruto del tono de la guitarra. Incluso el bajo de Ian Dickson suena más metal en este esfuerzo, y se retira con abandono incluso cuando no tiene una línea interesante para participar. Esto transformó a Anvil de una entidad de rock duro y metal pesado con un sonido bastante normal en algo que debe respetarse y quizás incluso temerse, como lo confirmará el resumen de celebridades en su película documental.

Una portada clásica que representa lo mejor del metal en uno de los años más gloriosos para ésta música (basta ver los discos que se lanzaron durante ese año), banda clásica con un sonido clásico para todos los fans de ésta música. Recomendado. 



Feliz fin de semana. 


Girlschool – Play dirty (1983-Bronze records)


En efecto amigos, una vez más os hablaré de un grupo al que hasta ahora nadie había dedicado una entrada, las Girlschool y su notable aunque denostado Play dirty, el cuarto álbum de su carrera. Nacidas a finales de los 70, entran en la música profesionalmente de la mano de Vic Maile, con quien graban Demolition (1980) y Hit and run (1981). Como resultado, las chicas consiguen un enorme éxito y giran con Motörhead, Black Sabbath o Rainbow, lo que propicia que su tercer álbum Screaming blue murder (1982) sea producido por Nigel Gray, responsable de los discos de The Police hasta la fecha. 

En 1983 consiguen actuar en los Estados Unidos como teloneras de Iron Maiden o Scorpions y las chicas descubren un ejército de fans que se rinde ante bandas británicas como Judas Priest o Def Leppard. Así que, cuando de regreso en Gran Bretaña la guitarrista Kelly Johnson anuncia su intención de dejar la banda, el resto intenta convencerla para que se quede con miras a atacar el mercado norteamericano de la mano de Jim Lea y Noddy Holder, verdaderas estrellas en el Reino Unido por ser miembros fundadores de Slade y también en los Estados Unidos, gracias a la Slademania provocada por Quiet Riot y sus versiones de la banda. Kelly accede y así es como Kim McAuliffe a las voces y guitarra rítmica, la mencionada Kelly Johnson a la guitarra solista y voces, Gil Weston al bajo y coros y Denise Dufort a la batería –con colaboraciones como las de Dan Garbutt a los teclados y Vicki Blue o Lemmy a los coros– graban este Play dirty que llega a las tiendas con portada de Alan Ballard y el siguiente track list

A 
Going under 
High & Dry 
Play dirty 
20th Century boy 
Breaking all the rules 

B 
Burning in the heat 
Surrender 
Rock me shock me 
Running for cover 
Breakout (Knob in the media) 


Sintetizadores, teclados... un riff que parece sacado de un disco de Dokken, Kelly Johnson con una voz limpia, coros, un estribillo a lo Def Leppard ¿pero qué coño es esto?, pues ni más ni menos que Going under, el primer tema de la aventura semimelódica de las rockeras británicas por excelencia, esas hijas del punk que emergieron paralelamente a grupos como Motörhead y fueron metidas en el saco de la NWOBHM. Y es que estábamos acercándonos a mediados de los 80 y el mercado americano tenía unos gustos... diferentes a los europeos. Hasta Priest o Maiden fueron tentados por el demonio de la comercialidad y los cantos de sirena que venían de grandes estadios al otro lado del Atlántico. Y estas chicas no iban a ser menos. ¿Significa eso que el disco es malo?, en mi opinión, en absoluto. De hecho, este primer tema me encanta. Sin embargo, para no faltar a la verdad –aunque parece ser que Denise Dufort lo considera uno de sus álbumes más conseguidos–, sus seguidores dieron la espalda al grupo y Play dirty fue un fracaso de ventas. El problema es que no parece un disco de las Girlschool. High & Dry es un tema escrito por Lea y Holder, resultón pero muy poppy, que resulta agradable de escuchar pero para nada parece encajar en la carrera de las autoras de Demolition o C’mon let’s go. Le sigue la pegadiza Play dirty, con un sonido a Def Leppard que asusta por lo inhabitual. Pero ¿qué problema hay si me encantan los Leppard?, pues palante. Ahora las chicas nos meten una versión. ¿de algún grupo punk o sus amigos Motörhead?, nada de eso, 20th Century boy del rey del glam, aunque debo decir que el resultado es más rockero y crudo que los temas escuchados hasta el momento. La cara finaliza con una Breaking all the rules firmada por las cuatro componentes que tiene un sonido a Slade que tira de espaldas. Alegre, machacona, repetitiva e incluso bailonga (al menos, a mi se me van los pies escuchándola). 

La cara B se abre con unos teclados imitando el sonido de un órgano que dan inicio a otro tema –un temazo en realidad, si no fuese porque no me imagino a Kim y Kelly sintiéndolo fuerte–, un Burning in the heat escrito de nuevo por la pareja de productores. La base rítmica marca el tempo con fuerza y la rubia guitarrista nos ofrece un estupendo trabajo, tanto de voces como con las seis cuerdas. Pero esos coros no son de mis Girlschool, que me las han cambiado. Surrender es un hard rock que, sin ser azucarado, está arropado por unos teclados omnipresentes, que junto a los coros del estribillo le despojan de toda dureza. Rock me shock me es un hard rock pegadizo bien ejecutado pero que resulta algo repetitivo. Le sigue Running for cover, que también tiene un aire a los Leppard pero es más High’n’dry que Pyromania, para que nos hagamos una idea. Aún así, pese a su estribillo con voces dobladas, los arreglos de guitarra le aportan una pátina muy rockera. Y el álbum finaliza con una Breakout (Knob in the media) que también firman las cuatro chicas y que es de lo más enérgico del elepé, con mucha caña y un gran solo de Johnson


En definitiva, un pedazo de disco, con una buena producción para la época que es y unas canciones estupendas, que tiene el único problema de no pegar ni con cola –salvo algunos momentos excepcionales– con el estilo al que McAuliffe, Johnson y compañía nos habían acostumbrado en sus anteriores discos de estudio. Incluso el anterior Screaming blue murder, que no era tan crudo como los anteriores, resultaba más rockero. 
Pero no lo puedo evitar, me encanta. Así pues, dadle una oportunidad a estas chicas que encandilaron al mismísimo Lemmy

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla



Bruce Springsteen - The River (CBS, 1980)

 
Año 1980. El inicio de los repudiados años 80, musicalmente hablando, (nunca entenderé por qué) fue realmente bueno para el Boss, arrancando con la fuerza doble de este discarral llamado The River, uno de mis favoritos de su discografía.
Bruce Springsteen ha sonado desde siempre en mi casa, gracias a que mis padres no conciben la vida sin música (cuánto tenemos que agradecerles a esos padres que nos han puesto música con mayúsculas) y el Jefe siempre ha sido una de sus debilidades personales. Como no solo lo malo se pega, mi adicción a los discos del Boss data de tiempos inmemoriales, y con la excepción del High Hopes lo cierto es que el resto de su discografía tiene su sitio en mi patata. Ahora bien, The River siempre tendrá un sitio especial.
Si tuviera que elegir el comienzo de un disco como banda sonora para momentos importantes, sin duda me quedaría con la primera cara de este disco. Nunca un acelerador se pisó con la intensidad que rodea a The Ties That Bind, un tema feroz de los que arranca sonrisas en los días más jodidos. Como si no hubiese sido suficiente, Sherry Darling llega para reclamar un protagonismo que acapara con un estribillo tan luminoso como humano, de esos que recuerdan aquello de que, muchas veces, menos es más: "Well I got some beer and the highway's free, and I got you and baby you got me". Para qué más.


El caso es que esas dos canciones son una excelente carta de presentación para lo que nos vamos a encontrar en el resto del disco. Los temas acelerados tienen un protagonismo destacado en este doble LP, y combinan a la perfección con los medios tiempos y baladas, que también los hay y de un nivel acorde a lo que cabe esperar del Boss. Un ejemplo de ello lo encontramos en la maravillosa Independance Day, con una letra de esas suyas tan desgarradoras: "There's a lot of people leaving town now, leaving their friends, their homes". Pero como digo, son las canciones aceleradas las que más abundan en este inmenso disco. Out In The Street se encarga de romper una lanza a favor de la idea de que las canciones de amor no tienen por qué ser baladas, mientras que la legendaria historia de la canción homónima sigue erizando la piel cada vez que suena. Qué decir de esa canción que no se haya dicho ya.


Momento de presentar a la bandaza que grabó junto a Springsteen este tremendo disco: 
Al piano en todos los temas, coros y órgano en I'm A Rocker, el gran Roy Bittan.
Al saxo inmortal de la E Street Band, además de percusión y coros, Big Man Clarence Clemons.
Al órgano, Danny Federici.
Al bajo, imposible pensar en otro, Garry Tallent.
A las guitarras acústicas y eléctricas, voces y coros, Steve Van Zandt.
A la batería, Max Weinberg.


Hay dos momentos donde Big Man Clarence Clemons hace de las suyas con el saxo que me recueran al momento de Sultans Of Swing cuando Mark Knopfler canta "They don't give a damn about any trumpet playing band, it ain't what they call rock and roll". Salvando las distancias entre una trompeta y un saxo, los dos momentos a los que me refiero son sus solos en Cadillac Ranch y The Price You Pay. Será un saxo y no una guitarra, pero si lo de esas canciones no es rock and roll entonces Bruce Springsteen nació en Madagascar.
Una de las cimas absolutas de la carrera del Boss, un disco doble que no siempre está en las listas de LPs dobles, pero que es historia de la música y, lo más importante: de la vida de millones de personas. Long live Bruce Springsteen.

viernes, 24 de mayo de 2019

Rush - A show of hands (PolyGram, 1989)


Doble directo. Una gozada siempre. Con su portada abierta, bien cuidada, y cuatro caras de ruido para entretenerse. En 1981 Rush editó el directo Exit... stage left y se lanzó de lleno a las cajas de ritmo, los sintetizadores, los filtros, los efectos y ¡vaya! eran los ochenta y había que estar a la moda electrónica. Por cierto, os lo expliqué en mi blog en este enlace. Sin embargo, Rush se lo tomó no como una cosa de mercado, si no como un modo de extender su formación musical y su genialidad, dedicados a componer, arreglar y grabar las mejores canciones posibles, muy por encima de grupos que, sin más conocimiento que el del productor de turno, se dejaban arreglar y producir las canciones. Ellos se lo guisaban, se lo comían, se lo recogían. Tras cuatro discos en estudio (a saber: Signals, Grace under pressure, Power windows y Hold your fire) deciden entregar otro directo. En este caso, casi un recopilatorio "en vivo" más que un directo al uso, pues recogen canciones (casi todas) de estos cuatro álbumes y de las giras de los dos últimos, aunque bien es cierto que la mayoría de los cortes provienen del concierto de Birmingham en 1988.


Sin ser un disco que me vuele la cabeza, lo pincho de vez en cuando. Primero porque la banda está, como es habitual en ellos, perfecta. Quizá retocaran en estudio mucho o poco, lo desconozco, aunque ellos siempre defendieron que sus directos eran tomas perfectas de sus actuaciones en distintos recintos. Geddy Lee canta mejor que nunca, además de encargarse del bajo y compartir los sintetizadores con Alex Lifeson, guitarrista (el que peor salió parado de estos años tan techno). Y escuchar a Neil Peart aporrear su batería simplemente es impresionante; de hecho, él se marca el solo del álbum con su propio corte y todo.

Como curiosidad, este disco significó la ruptura definitiva de la banda con su compañía tras quince años de relación. Por los formatos de edición, por los contenidos, por la producción. Rush se cansó de PolyGram y se marchó.

En resumen. Un álbum perfecto para tener lo mejor de aquellos años ochenta de Rush y un directo que refleja cómo se desarrolló el rock comercial antes de la aparición del hair metal y las bandas que llenaron los estadios a partir de 1987.

Saludos y saludas. Pasad un buen fin de semana.














MERGUS – Veni, Vidi… Vinci!!! (1988-Perfil)


Hace tres años os recomendé un split aquí, con carpeta de dos portadas, en el que cada cara del vinilo aportaban cinco cortes sendas bandas navarras: MEPHISTO y MERGUS. Ambas también comparten el haber editado un solo trabajo y desaparecer del mapa.

The Shadows - Out of The Shadows (1962 - Columbia) 🇬🇧

Hoy traigo un album muy especial, el más antiguo que ha entrado en mi casa tanto de edición (primera edición británica de 1962) como por grabación (aunque tengo discos de música clásica son grabaciones más recientes), es el segundo album de estudio de la mítica banda británica de Beat, Surf Rock y Country "The Shadows" procedentes de Londres en 1959.  El album esta completamente grabado en mono aunque existen ediciones más modernas en estéreo, realmente aunque suena muy compastado si escuchas mono en un buen tocadiscos si auriculares no es un problema, lo malo es oír mono con cascos. La música es brillante, inspiro a generaciones de músicos que por aquel entonce so no eran famosos o eran unos críos, es la belleza de las guitarras en clean de la edad de oro de estados unidos, el sueño americano, las playas de california, el surf, bellas mujeres, grandes coches.. todo muy american graffitty. La cosa es que esta música se puede decir que paso de moda hacerla en torno a 1965 pero durante la época de la psicodelia se siguió oyendo mucho, es una mezcla entre la generación del baby boom de los 40s y sus padres. Es curioso que sean britanicos, su musica y su éxito es completamente yanquee.



Es una música realmente preciosa, fué un viaje increíble a las playas de hawaii.

Side one

No. Title Writer(s) Length
1. "The Rumble" Ike Isaacs 01:59
2. "The Bandit" (Lead vocal by Hank Marvin) Michael Carr, Alfredo Ricardo Do Nascimento, John Turner 02:44
3. "Cosy" Mort Garson, Earl Schuman 03:15
4. "1861" Brian Bennett, Bruce Welch, Hank Marvin 02:26
5. "Perfidia" Alberto Dominguez 02:15
6. "Little "B"" Brian Bennett 05:06
Total length: 17:45

Side two

1. "Bo Diddley" (Lead vocals by Bruce Welch & Hank Marvin) Ellas McDaniel 02:08
2. "South of the Border" Michael Carr, Jimmy Kennedy 03:19
3. "Spring Is Nearly Here" Brian Bennett, Bruce Welch 03:06
4. "Are They All Like You?" (Lead vocal by Hank Marvin) Tim Gale 02:16
5. "Tales of a Raggy Tramline" Brian Bennett, Jet Harris 02:22
6. "Some Are Lonely" Cliff Richard 02:25
7. "Kinda Cool" Hank Marvin, Bruce Welch 02:22

Si lo escucháis con cascos en estéreo igual os hacéis un poco mierda porque esta paneado a lo bestia no tiene termino medio o esta algo a la izquierda o a la derecha no hay ni centro. La formación de la banda son 6 miembros y su música es semi-conceptual sobre el salvaje oeste siguiendo la línea de su debut. Hay un punteo en rumble que por unos momentos me resultó medieval y con eso de haberlo escuchado justo después del homónimo de DP no se si es que lo estaba ya flipando demasiado pero no, suena así. La verdad es que la insinuación de la caratula aunque no estamos aún en la época de la psicodelia nos sugiere mucho.

Entre sus miembros más destacados encontramos por ejemplo al cantante Cliff Richard  o al bajista Jet Harris que luego pasaría en el futuro a formar parte del Jeff Beck Group en 1967 sin duda es la "oveja negra" de la formación jajaja. Aunque no os lo creáis músicos como Ronnie James Dio son de esta generación, empezaron en los 50s, y muchos grandes del metal dieron sus primeros pasos en bandas así. 








FULL ALBUM
música de viejos para el ciudadano medio de FFvinilo,
baby boom para mi, y AOR para mi abuelo. 


Casi todos los temas son de la movida del rock n roll, easy listening pero a la vez inteligentemente elaborados con más complejidad que otras bandas de su rebaño. Combina estos temas con temas más suaves, de casita de la pradera country western suave muy emotivo para todos los públicos y para la radio, pero siempre queda una estela de una música que se nos resulta ciertamente sinfónica para 1962, y grandes homenajes al blues americano de los 50s que me hacen llorar en serio. CLARO que yo la primera vez que lo oí estaba fumado porque este disco pertenece a la triada que mencioné el viernes pasado "stoned friday índico - deep purple - donovan y shadows" pero aún así lloro igual ahora que lo escucha una semana o dos después, quizás en mi otra vida viví esos años no se, habrá que preguntarle a los sabios iluminados de las estrellas a ver. 💥
Muchas veces he dicho que quizás uno de los sonidos más bonitos que pueda percibir un oído humano es una guitarra grabada en clean con un buen punteo, puede que los medios en 1962 no fuesen los mejores pero los cacharros eran analógicos y el grano que llevan pone en evidencia a la mitad de los mejores estudios actuales del planeta.


↯↯↯↯↯  (stereo)


El album lo pillé en discos Bora Bora por 7€.. y sta en perfectas condiciones (aunque con mucho polvo como es lógico) solo tuve que limpiarlo un poco, lo más deteriorado era la portada. No se si estará en re-edición pero seguro que los 20€ no os los quita nadie. Pillé un chollo la verdad.

Puro Fallout, radiación y placas de aluminio para todos vosotros. Y nostalgia del battlefield 1943 que si bien nos puede resultar algo anacrónico, como ya dije esto es "AOR" para gente de los 40s.
Bueno y que cojones del bad company
cuando los juegos eran algo realmente artístico.



#pulpfictionmagazine

viernes, 17 de mayo de 2019

𝕯𝖊𝖊𝖕 𝖕𝖚𝖗𝖕𝖑𝖊 - 𝕯𝖊𝖊𝖕 𝖕𝖚𝖗𝖕𝖑𝖊 (𝟏𝟗𝟔𝟗 - 𝕳𝖆𝖗𝖛𝖊𝖘𝖙) 𝖀𝕶

Bueno señores, siempre pensé que haría la crítica normal de este disco y de los otros dos que escuche el viernes pasado pero durante las próximas semanas traeré las criticas fumadas de los tres discos que me fume el viernes pasado, no es que escriba fumado me refiero a mi percepción de estos discos la ultima vez que los escuché. La hierba en general de entrada corta agudos, no he podido volver a escuchar música en vinilo he estado muy liado pero percibí muchos agudos en ese estado así que de entrada decir que mi 1º edición alemana del 3º album de estudio de Deep Purple esta bien cargado de agudos, bien grabado con suficiente dinámica tanto para 1969 como para ser la pieza de rock progresivo/sinfónico que es, con partes de pura música clásica y otras de puro hard rock/heavy psych con esa voz tan fraternal de Rod Evans ciertamente semejante a la de Elvis. La melancolía de su voz esta siempre presente y su romanticismo no pasteloso esta por encima del nivel de David Coverdale (mark III).



WHY DIDN'T ROSEMARY
Canciones de Waifus del '69, nam era waifus, otra
de las varias que rechazaron a Rod Evans entre 1968 y 1969.
El tema es algo rock n rollero pero enseguida nos damos cuenta de que es purple
con un hard rock compastado (literalmente) entre prog y psych, guitarra ácida de Blackmore. Esta gente eran músicos de conservatorio algo conservadores, blackmore ni siquiera tomaba alucinógenos en los 60s, no es estrictamente necesario para hacer música sicodelica, aunque cuando unos músicos lo hacen se nota. DP tienen una comprensión más sinfónica y progresiva de la psicodelia, o al menos de los años más psicodelicos de la banda, los 60s. 



Ya traje los dos anteriores discos de DP al blog, y para no repetirme no voy a volver a contar la historia de los origenes de esta mítica banda, mi favorita peeero diré las cosas más importantes a la hora de entender este album y este momento de la hisotria. El homónimo de Deep Purple es probablemente su disco menos conocido y curiosamente el que le da nombre a la banda con bastante propiedad, es el album más serio de todos donde todavía estaba la primera formación Mark 1 de DP. Este disco es un paso más y un paso menos, un paso más adentro de lo sinfónico, de lo progresivo, de lo psicodelico y del hard rock que los anteriores, en los cuales de forma progresiva trepaban entre el pop rock y el blues; Un paso menos porque en 1970 DP se adentró a petición de Blackmore en el Hard Rock y Heavy Metal que todos conocemos, en el rock n roll blusero con todos los matices que  quieras pero ya a partir de 1970 son los purple famosos incluso en UK su tierra natal donde al principio les ignoraban, USA es el país que dió el salto a DP.

LALENA
De los mejores temas románticos de la época a mi parecer, 
también nos puede recordar mucho al "When a blind man cries" de 1972

FAULT LINE
Preludio a The Painter, completamente experimental con un reverse que flipas

THE BIRD HAS FLOWN
Mi tema preferido del elepé ¿podeis sentir el "metal"?
el espíritu que posteriormente evolucionaría a los castillos ardiendo
y las marcianas de tres tetas, revistas de motoristas, comics
y bombos acartonados a finales de los 70s en salas rebosantes de humo amigos. 




En el album destacamos de covers solo a "Bach" en April y parte del "Paint It Black" de Chris Farlowe (más que de los Rolling en este cover), los covers no aparecen como tal pero son framentos ocultos dentro d elos nombres de los temas del album que si bien no son conceptuales tiene una duración la mayoría propia del rock progresivo. El album es un constante altibajo entre esa sensación feudal del metal aunque todavía no existiese, música clasica barroca atope y temas melancólicos muy sinfónicos casi dirigidos a la mediana edad de la sociedad de la época "AOR"  de 1969.



El disco es de todo menos "easy lisening" siendo este el disco más complicado de oir de la banda. La portada inspirandose un poco en la línea del anterior album es completamente feudal pero esta vez cogieron un cuadro real de El Bosco escondiendo a la banda entre los personajes del mismo. 


La mayoría del album fué grabado a finales de 1968 y principios de 1969 siendo publicado en Abril del mismo año. Los temas apenas se tocaron en directo hasta mediados finales de 1969 ya con la formación famosa de la banda MKII (en la que solo cambia la voz y el bajo) pero con un tono mucho más orientado al nuevo estilo hard rock que hizo famosa a la formación en 1970. El disco fué la antesala al famoso live "Concept for group and orchestra" siendo este más famoso que el homonimo donde también participo la filarmonica de Londres debido a los contactos de John Lord en el mundillo. 



Yo metería este album entre uno de los imprescindibles de 1969 junto con In The Court of the crimson king, Abbey Road, Led Zeppelin I, Grand Funk, o Led It Bleed. 


↯↯↯↯↯ (DP + Donovan + Shadows) Stoned friday

poco he hablado del album para tratarse de DP pero nuestras críticas no pueden ser jodidos libros xDD

Respecto al elepé no se si esta re-editado supongo que si pero es dificil de pillar, es de los discos más raros de DP, y eso que debería de ser el principal jajaja me costó 20€ en un rastrillo de Granada bastante bien conservado.
Da para bootleg ehh como encuentre un bootleg raro del 69 asi medio inedito
lo subire al canal


"Para aquellos que aman y desean ser amados, acero candente, igualmente, sobre su mente" se me acaba de ocurrir al escuchar la esencia barroca del album, un album oscuro en época de flores y rosas. Sin duda alguna este disco es otro de los antecedentes al metal del año '70, al origen.