¿Hay algo más ochentero que una banda sonora de los ochenta? Adoro escuchar aquellos engendros que formaron adorables discos: Rocky IV con Burning heart de Survivor o No easy way out de Robert Tepper (¿quién?); Karate Kid con The moment of truth (otra vez Survivor), Tough love de Shandi o la final You're the best con Joe Exposito (todos muy famosos); Regreso al futuro con The power of love de Huey Lewis & the News o la versión (casi mítica) de Johnny B. Good a cargo del mismísimo Marty McFly; Footloose con Sammy Hagar cantando The girl gets around o Bonnie Tyler metiendo Holding out for a hero, amén del tema título; Águilas de acero con King Kobra haciendo Iron eagle (never say die), Helix con It's too late o Eric Martin cantando These are the good time. ¿Alguna más?
Y de todas ellas hoy traigo en vinilo la banda sonora de Top Gun, película y música con todo lo bueno del mainstream ochentero. En comparación con otras películas aguanta bien el tipo. Si hablamos de música, igual se ha quedado algo de magia en el camino. De todos modos, aquí escuchamos el archifamoso tema de amor Take my breath away a cargo de Berlin, Loverboy metiendo Heaven in your eyes, Cheap Trick ponen su granito con Mighty wings y los reyes de la pista Miami Sound Machine un mueve culos Hot summer nights.
Un poco de revival para que recordéis la época en que ibais al cine a meter mano y no a comer palomitas. Pasad buen fin de semana.
Hay que ponerle humor a la vida y si es a ritmo de rock, mucho mejor.
Vía Crucis eran, son (se acaban de juntar de nuevo hace un par de años y grabar un cd), un grupo de heavy rock formado, allá por el año 88 del siglo pasado, en Badalona.
Hay 100000 de críticas de este disco en internet así que haré una lo más subjetiva posible y hablando sobre lo sentimental del album aunque eso no quita que aporte también diversa documentación más técnica así como curiosidades. Edición española año 1980, comprado en la extinta discos callejas Granada en 1981. La verdad si yo fuera un crítico musical de 1969 no lo catalogaría como rock progresivo porque aún no existía como tal pero si de un rock psicodélico muy sinfónico y en ocasiones pesado como el mítico tema que abre el disco o la oscuridad presente en otros; lo que por supuesto no me imaginaria es que sería un album que poéticamente adivinaría el futuro presente, es un album cuya conceptualidad es muy distópica nunca pasa de moda porque vale para 1969 pero para hoy también porque es la esquizofrenia del siglo XXI es lo que a mi siempre me ha transmitido este album, una melancólica tristeza tan bonita que no hay palabras para describirla en general toda la música del grupo es así de hecho incluso el arte de sus caratulas muchas ilustradas por PJ Crook son puro "1984" es una música que tiene ese rollo como otros muchos grupos de la época pero ninguno suele calar tan políticamente profundo. Respecto a experiencias personales, a parte de haberlos visto en directo en Barcelona 2016 (concierto del cual ya os traje elepé el año pasado) también tuve hace poco una experiencia psicodelica escuchándolos en mi casa que me dejo flipado, no porque se apreciara mejor la música ya he dicho muchas veces que simplemente es distinto de hecho a veces me gusta quitar la música cerrar los ojos y no oír una mierda porque voy tan acelerado que mi mente vuela pero si que casualmente era un día nublado y lluvioso al igual que cuando estuve en Barcelona, la conceptualidad de esta música llego a mi de una forma en la que me vi casi metido en una de las pinturas de PJ Crook viviendo en una mega ciudad contaminada y militarizada por la autoridad de futuro jajaja pd: no voy a especificar la sustancia porque esto es FFvinilo no club yonki de caballeros pero decir que fue algo leve tampoco una cosa gorda pero también es como uno lo viva.
Se hace raro ver la carátula con un matiz de color tan cálido y rojizo cuando el album original es todo lo contrario, la foto de la derecha con el trippy ese de la caballería es una edición personal que me he permitido puesto que bueno es una referencia tanto a la época como a la letra de schizoid man cuando habla del napalm y tal.
Datos técnicos e históricos por cortesía de Progstureo:
Existe una cerveza American IPA elaborada por Toccalmato, procedente de Fidenza, Italia, llamada Skizoid.
Steven Wilson pidió prestado a Robert Fripp el Mellotrón MK II con el que se grabó In The Court of the Crimsom King para grabar su álbum The Raven that Refused to Sing (and other stories), publicado en 2013.
Peter Sinfield fue quien bautizó a King Crimson. Durante años ha habido dudas sobre el significado. Se habló sobre su relación con Belcebú, rey de los demonios, aunque también se denomina Rey Carmesí a aquellos que durante su reinado se habían producido derramamientos de sangre.
Al contrario de lo que muchos creen, la portada no representa al Rey Carmesí, si no al Hombre Esquizoide del Siglo XXI. Robert Fripp veía reflejada su música en la expresión del rostro.
La portada del disco es obra de Barry Godber, un joven programador informático. Godber no hizo ninguna obra más y falleció en febrero de 1970. El cuadro original es actualmente propiedad de Robert Fripp.
El Rey Carmesí es la figura que aparece en el diseño interior (a la izquierda del cuadro).
Greg Lake se negó a participar en "The Illusion", la improvisación de 10 minutos que constituye el segundo movimiento de Moonchild, ya que afirmó no sentirse cómodo con la idea. Es por eso que no hay bajo durante dicha sección.
Al contrario de lo que se suele creer, la mente maestra detrás de la composición y los arreglos del álbum fue Ian McDonald, quien grabó todos los teclados, todos los vientos, el vibráfono en Moonchild y aportó algunos coros.
I Talk to the Wind, por su parte, fue escrita en 1968 por "Giles, Giles and Fripp" la banda que compartían los hermanos Michael y Peter Giles junto con Robert Fripp y que más tarde terminaría transformándose en King Crimson.
Spain 1970
pongo covers interesantes porque en youtube no esta el album original
South África 1970
Prácticamente todas las canciones del álbum habían sido presentadas al público antes de su lanzamiento: 21st Century Schizoid Man, The Court of the Crimson King y Epitaph habían sido interpretadas en Julio de 1969 en Hyde Park, concierto en que telonearon a los Rolling Stones.
En ésta semana donde caen los días 31 de octubre, 1 y 2 de noviembre se prestan para la celebración a brujas, vampiros, demonios, zombies y en algunos lugares a los muertos; quien mejor que realizar un homenaje a todos ellos como el Rey Diamante. Les traigo una recopilación de edición brasileña ya que existe una recopilación con una label holandesa que trae más canciones con lo mejor del grupo (Aunque se cuenta que se canceló la impresión luego de editar un corto tiraje, además que no trae su tapa de ee doble vinilo). En éste Lp viene menos material que la otra edición holandesa, además en la edición en CD si vienen igual más canciones con lo mejor de su repertorio, aún así ésta recopilación se deja disfrutar.
Ésta grabación tiene una razón principal es que, si bien se comercializa como un lanzamiento de 'King Diamond', este es en realidad un material de cobertura tanto de esa banda como de su alma mater "Mercyful Fate". Realmente no puedo imaginar por qué la etiqueta pensó que esta era una gran idea, sin embargo, en un nivel fundamental, tiene sentido combinar los dos, si está tratando de darle a una audiencia más reciente solo un vistazo a la historia de Kim Petersen. Los estilos de las bandas son obviamente comparables; La estridente narración estridente de Diamond es la clave, componente vinculante, pero musicalmente no estaban muy lejos el uno del otro. Denner y Shermann podrían haber usado un tono más amplio y musculoso en sus riffs, donde LaRocque tiene mucho más destello, velocidad y amplitud en su enfoque. Mercyful Fate mantuvo las letras distintas, generalmente para cada pista individual, es aquí donde King Diamond es mucho más conceptual. De otro modo, sin embargo, las dos marcas presentan muchas de las mismas características, después de todo, no es como si Petersen estuviera tratando de "escapar" de sus años con el Destino (regresaría a ellas y las mantendría corriendo simultáneamente).
Sin embargo, en algún nivel, tienes que entender que Roadrunner todavía estaba tratando de exprimir el dinero de los actos después de que Diamond se hubiera cambiado a Metal Blade. El esfuerzo de 1990 En el Concierto '87: Abigail fue uno de esos casos (aunque fue un cierre contractual), pero ésta reunión peligrosa es un ejemplo mucho más transparente de dar algo por nada. Funciona porque se basa en lo que sin duda es el mejor material que cualquiera de los actos ha publicado, y es útil para un nuevo oyente como una especie de 'sampler', pero cualquiera le dirá que álbumes como "Don't Breath the Oath", "Fatal Portrait", "Abigail", "Them", "Conspiracy" y "The Eye" son obligatorios si te gusta lo distinto en tonos vocales, la velocidad melódica en el heavy metal, aquí Pedersen y sus compatriotas crean o adoran a la banda como una especie de campeón de la estética del metal oculto que atrae a tantos fans. Y en su núcleo, "A Dangerous Meeting" es una mera selección de cortes de esas impecables obras maestras.
Track list
Lado A
Mercyful Fate Doomed By The Living Dead
Mercyful Fate Evil
Mercyful Fate Curse Of The Pharaohs
Mercyful Fate A Dangerous Meeting
King DiamondThe Candle
Lado B
King DiamondNo Presents For Christmas
King DiamondArrival
King DiamondAbigail
King DiamondWelcome Home
King DiamondSleepless Nights
King DiamondEye Of The Witch
Este es un gran álbum si eres un fanático de Mercyful Fate / King Diamond y no puedes decidir cuál de ellos quieres escuchar! (¡Todos son fantásticos!). Este es también un lugar metafóricamente ideal para comenzar si eres nuevo en cualquiera de las bandas y no puedes decidir dónde comenzar. Este álbum es una excelente introducción a 2 bandas increíbles. Algunos de los aspectos destacados de este álbum incluyen: Tracks: #1 "Doomed By The Living Dead" un clásico absoluto, # 2 "Evil" y # 4 "Dangerous Meeting" (ambos hechos por el rey de diamantes con Mercyful Fate) también sigue: # 6 "No Presents For Christmas" y # 9 "Welcome Home" (ambos de material en solitario de king Diamond) canciones con estilo en heavy metal clásico ¡ambos son increíbles !! y realmente no creo que te decepcionará con esta compra. Realmente, la única cosa negativa que puedo pensar personalmente es que otros críticos han dicho anteriormente: no se encuentra en el álbum "Satan Falls" (que es una canción emblemática de Mercyful Fate) y realmente hubiera ido bien en este álbum. Realmente disfruto este álbum de principio a fin y creo que tú también lo harás! ¡¡VIVA EL REY! ¡¡¡Y Larga Vida al METAL NEGRO!!!
La producción general de este álbum también es excelente y otro detalle muy extraño es que ambos logotipos no figuren en un lugar destacado en la parte frontal del paquete, casi como si quisieran comercializarlo solo para el grupo que estaba "activo" en este momento. Me gusta el arte de la portada de Andreas Marschall, que es instantáneamente reconocible para los fanáticos de su trabajo con Running Wild y Blind Guardian, y también admiro la imagen del 'pirata' Pedersen, con todo su maquillaje, manejando el timón de algún barco fantasma en el folleto .
No te olvides de ver otros fantásticos álbumes de Meryful Fate y King Diamond. TODOS SON TERRÍFICOS.
Aquí el enlace amigos pero se disfruta mucho más en el formato análogo.
Cómo pasa el tiempo, amigos. Parece que fue ayer cuando escuché por primera vez el Con clavi con Dio de los suecos Ghost en su versión en directo, con la intro sacada del inquietante tema Masked ball de Jocelyn Pook. Esa grabación me llevó a hacerme con el primer elepé de los de Linköping a la vez que me metía en su extraño mundo de Papas satánicos y músicos enmascarados unidos por la denominación Nameless ghouls. Y parece mentira en el mundo actual en el que cada vez más cuesta mantener ocultos los secretos, pero a Tobias Forge –músico sueco que en el pasado había militado en los deathmetalerosRepugnant– le pareció buena idea emular a los setenteros Kiss o los más cercanos Brujería. Sorprendentemente, el invento le funcionó hasta que –sobre todo por la avaricia de sus músicos de apoyo– no pudo hacer otra cosa que admitir su identidad como frontman de la banda. Con motivo de la demanda que algunos de esos ghouls le presentaron, no contentos con ser unos meros asalariados, Forge también hizo pública la relación de músicos que habían pasado por la banda entre los que hay bajistas como Gustaf Lindström y Megan Thomas, guitarristas como Martin Persner, Henrik Palm o Simon Söderberg, baterías como Aksel Holhgren o teclistas como Mauro Rubino, entre otros. De hecho, Forge defiende que Ghost es su proyecto, y que para grabar todos los álbumes ha utilizado a algunos de estos intérpretes pero también a numerosos músicos de sesión, todos ellos con un sueldo como empleados suyos.
Es decir, que queda claro que pese a los cambios aparentes de frontman como Papa Emeritus I, Papa Emeritus II, Papa Emeritus III y el actual Cardinal Copia, lo cierto es que Tobias es el único que se ha mantenido fijo a lo largo de los años, siendo el resto de los ghouls los que –a lo largo de más o menos tiempo, según el caso– han ido formando eventualmente parte del grupo. Sin embargo, el éxito de la banda ha sido ajeno estas idas y venidas, ganando numerosos premios y aumentando año tras año su legión de seguidores, entre los que obviamente me encuentro. Tras hacerme con Opus Eponymous, en vinilo por supuesto, llegó Infestissumam –en vinilo rojo– y más tarde Meliora, todos ellos estupendos, con esa mezcla de metal gótico, death, doom, hard & heavy clásico, pop y teatralidad tan atractiva. Definitivamente, Ghost no han inventado nada pero no se puede negar que han combinado todos esos elementos con gran talento. Y así, finalmente, llegamos a este año y a la edición de su cuarto álbum, un fantástico Prequelle que por si no había quedado claro ya, demuestra que Ghost no son una banda fake sino un cuidado proyecto en el que Tobias Forge ha puesto durante años todo su empeño, talento, cariño y respeto.
Así pues, grabado y producido por Tobias Forge y Tom Dalgety entre los Artery studios de Estocolmo, el Psalm studio de Bath y los angelinos Westlake studios, tal como ya ha quedado claro, Prequelle es la criatura de Forge, que –a las labores vocales, esta vez como Cardenal Copia– se ha rodeado de músicos de sesión y amigos para dar forma a este fantástico álbum. Así, además de diversas colaboraciones puntuales, la corresponsabilidad del sonido de este disco ha recaído en el norteamericano Steve Moore a los sintetizadores, y los suecos Ludvig Kennberg a la batería y Salem Al Fakir al piano y teclados.
El track list de este Prequelle –en cuya portada se ha vuelto a lucir el habitual Zbigniew Bielak– es el siguiente:
A
Ashes
Rats
Faith
See the light
Miasma
B
Dance macabre
Pro Memoria
Witch image
Helvetesfönster
Life eternal
El disco se inicia con Ashes, un pequeño preludio con voces infantiles –cortesía de Minou, la hija de Tobias– que da paso a Rats, un temazo pegadizo y potente que se editó como primer single acompañado de un clip fantástico. Le sigue Faith, con momentos vocales en los que parece que escuchemos a Alice Cooper (Because faith is mine!), llena de coros, riffs potentes, un estupendo solo y arreglos grandilocuentes... un temazo como una catedral. Llega entonces See the light con ese inicio majestuoso y eclesiástico que abre otro estupendo ejemplo de hard pop intimista. Y es que si hace quince días os recomendaba The Night Flight Orchestra y esa fusión setentochentera disco hard pop, Ghost –en su estilo, más poppy que funky disco– ha supuesto para el panorama otro ejemplo de mescolanza de estilos que junta la teatralidad del mencionado Cooper con temáticas oscuras, arreglos pop y riffs heavies. No en vano, a las mezclas encontramos ni más ni menos que a Andy Wallace, que no necesito descubriros a estas alturas. Y la cara finaliza con Miasma, una instrumental con unos teclados a lo synthwave arropados por una base rítmica compacta y heavy en la que –sin demasiado esfuerzo– se puede escuchar una referencia al Beat it de Michael Jackson y en la que Forge incluso ha metido un solo de saxo a cargo del británico Gavin Fitzjohn.
En la cara B encontramos Dance macabre –no os perdáis tampoco el clip, muy sexy– que se inicia con un riff y arreglos con reminiscencias a los Scorpions del Love at first sting y es otro tema pegadizo de hard pop con mucho ritmo y un buen solo de guitarra. Luego llega la orquestada intro de Pro Memoria, enorme, otra de mis favoritas, que adquiere más fuerza conforme avanza y en la que el piano de Al Fakir tiene gran protagonismo hasta ese final a de coro catedralicio. Witch image es pop rock ochentero con Tobias haciéndose los coros a si mismo sobre una melodía muy marca de la casa que también tiene un bonito solo y le sigue otra instrumental titulada Helvetesfönster, un estupendo y largo tema –nada de interludios breves de relleno– con Mikael Åkerfeldt de Opeth colaborando en las guitarras acusticas. Y la guinda la pone la grandiosa aunque breve Life eternal, un temazo cargado de emoción, melancolía y fuerza.
Definitivamente, espero que quienes pensaban que Ghost era un chiste cuando hace ocho años apareció en escena el difunto Papa Emeritus I –Lucifer lo tenga en su seno– se hayan dado cuenta de su error y que por muchos años Tobias Forge sepa regalarnos obras tan frescas como Prequelle o su predecesor –y para muchos superior–, Meliora.
Buenos dias.
Si mi anterior publicación fue de mi primer vinilo, esta va de mi primer lp (en formato casette) y que luego en cuanto tuve la cadena hi-fi lo compre para tener en vinilo.
Apenas tenía 11 añitos y gracias a mi hermana mayor (5 años más) podía escuchar a escondidas los discos que le prestaban sus amigos y posiblemente sea la culpable de que sea un melómano compulsivo y bipolar. Por allí pasaron discos de Leño, Asfalto, Bloque, Pink Floyd, Mike Oldfield.....y hoy en día sigue siendo la música que más me llena y me gusta escuchar....el rock sinfónico que ahora llaman rock progresivo.
Este disco de Leño sin duda pertenece a ese genero aunque luego el grupo no volvió a estos lares jamas.
La mayoría de los que lean esta reseña ya tendrán al menos alguna idea de cómo suena el "AGENTE DE ACERO". Ésta agrupación de Los Ángeles, California, estuvo entre las bandas de Speed Thrash Metal más convincentes que surgieron en la década de 1980. Su primer álbum, "Skeptics Apocalypse", lanzado en 1985, ha sido considerado durante mucho tiempo como un clásico y al escucharlo nuevamente en 2018, está claro que ha resistido la prueba del tiempo. Musicalmente, AGENT STEEL ofrece Speed Metal preciso basado en cautivantes riffs y ganchos de guitarra muy expertos los cuales son diseñados para atraer al oyente a cada canción. La producción es clara, pero no está pulida, lo que le otorga al álbum una ligera crudeza que sugiere la intensidad del sonido en vivo de la banda. De hecho, partes del álbum suenan como si hubieran sido grabadas en vivo en un estudio debido a la cohesión del sonido y la ejecución de las canciones.
El track list es el siguiente:
Lado A
1. (The Calling)”
2. Agents Of Steel”
3. Taken By Force”
4. Evil Eye / Evil Minds”
5. Bleed For The Godz”
Lado B
1. Children Of The Sun”
2. 144, 000 Gone”
3. Guilty As Charged”
4. Back To Reign”
La simplicidad de la producción es parte de lo que impide que este álbum se guarde junto con tantas otras grabaciones de este subgénero en el período de tiempo que se publicó como un referente como otros contemporáneos, y lo que finalmente contribuye a la vitalidad de este álbum después de más de 20 años es que siempre se les recuerda en el periodo de mitad de los años '80s. En su interpretación y composición de canciones, AGENT STEEL claramente hace referencia a IRON MAIDEN y, aunque no tan bien elaborado y efectivo como los ingleses, el álbum"Skeptics Apocalypse" definitivamente supera gran parte de lo que se estaba entregando en los Estados Unidos en 1985. Además, aunque la comparación con los MAIDEN se ha realizado desde su inicio, el "AGENTE DE ACERO" juega Speed Metal en lugar del Heavy Metal clásico y, por lo tanto, tiende a ser más rápido y más hostil. Probablemente debería ir sin decir que las voces en este álbum, entregadas por John Cyriis, están en el estilo de falsete estridente asociado con la mayoría de los Power Metal de los años 80. Cualquiera que no tenga el estómago para este estilo vocal probablemente será incapaz de pasar por alto las voces de Cyriis aquí. Sin embargo, la interpretación vocal es uno de los aspectos más atractivos del álbum. Visceral y asertivo, las voces de Cyriis trabajan para acentuar las agresivas guitarras que proporcionan la base para el álbum. La agrupación la completan Juan Garcia y Kurt Colfelt en las guitarras, George Robb en el bajo y Chuck Profus en los tambores.
Además de la música, se debe tener en cuenta que el grupo se centró líricamente en temas de ciencia ficción relacionados con extraterrestres y conspiraciones. Este tema persistiría a lo largo de su carrera y es uno de los aspectos más singulares de la banda, especialmente en el momento del lanzamiento de "Skeptics Apocalypse". Para cualquier persona que aún no posea "Skeptics Apocalypse", vale la pena obtener esta reedición de CD pero el vinilo sueno poderoso. Para los finalistas, la versión de CD puede valer la pena para obtener las dos pistas de bonificación en vivo 'Calling 98 For Skeptics' y 'The Unexpected'. También hay una portada de estudio de 'The Ripper' de JUDAS PRIEST, tomada del EP "Mad Locust Rising" de AGENT STEEL. El resto de las pistas de ese EP aparecen como pistas extra en la reedición del CD "Unstoppable Force". Este álbum contiene el mejor trabajo de la banda que, aunque no necesariamente novedoso, fue ciertamente competente y contiene canciones extremadamente memorables que atraen el constante regreso al álbum (se menciona que en la reedición también ha sido remasterizada, viene en un bonito digipak con un logotipo en relieve en plata). y presenta un folleto de 12 páginas con nuevo diseño, todas las letras y fotos antiguas.
Al igual que una serie de álbumes seminales en los primeros días del thrash metal (1983-85), este es un álbum que tiende a descansar en un medio ambiguo entre varios subestilos de metal que no se diferencian más entre sí hasta varios años después. Sin embargo, a diferencia de muchos, este es un álbum y una banda que vale la pena llevar los tres sellos en speed / thrash / power metal, ya que aquí hay una gran concentración de todos ellos en el trabajo. Comparado con los trabajos posteriores, este es, con mucho, el más orientado al metal veloz, con una mezcla familiar de adornos Judas Priest y Motorhead entre el tempo y el departamento de actitud, y se desprende en un territorio similar al que se convirtió en un elemento básico del speed metal alemán en el medio 80s.
Hay un carácter abiertamente parecido al de Iron Maiden en la forma en que los hombres de las guitarras: García y Colfelt, se acercan a los diversos cortes donde escupen puro plomo y secciones armonizadas escuchadas en los riffs de "144,000 Gone " y "Taken By Force" son más melodiosos y menos mecánicos que el empleo de Thrash de tales dispositivos, apuntando a un lugar similar donde Helloween aterrizaría en Walls Of Jericho pero con la diferencia de evitar los clichés clásicos. Pero más que cualquier otra cosa, el acuerdo de power metal está completamente sellado por el enfoque vocal extravagante de John Cyriis, que puede describirse mejor como una exhibición ocasionalmente teatral, pero sobre todo teatral en mimetismo banshee. El nivel de intensidad es al menos igual al de Geoff Tate, pero aún más exagerado y tal vez más en la línea de donde Midnight terminó en el debut de Crimson Glory y con un poco de carácter fantasmal, King Diamond a veces (particularmente en "Back To Reign" o del mismísimo Tom Araya.
En resumen si quieres velocidad y canciones a 1000 rpm te recomiendo ésta obra que se encuentra en la categoría de un clásico perdido. Buen fin de semana para todos los lectores del blog. Un enorme saludo.
El segundo disco de Aerosmith ha quedado un tanto soterrado entre dos obras de arte como son Rocks y Toys In The Attic. Pero Get Your Wings es uno de los discos fundamentales de la discografía de los de Boston, ya que con él encontraron definitivamente su sonido, asentado en fuertes raíces Rock & Blues.
Hace un par de semanas estuvimos en Candem Rock, una tienda de música de reciente apertura en Toledo que principalmente apuesta por el vinilo. Sí, habéis escuchado bien, ¡una nueva tienda de vinilos!, que regentan Sagrario y Rodrigo o viceversa, de la que prometo una entrada en el blog no tardando.
Hablando con ellos, comentábamos de la rareza de la edición en vinilo del disco de La Araña de los Barricada, y no recordaba en esos momentos si el vinilo paraba por casa o no, aunque apostaba que sí. Pues eso, sí, y también en cd. Ahora estoy recordando que venía con una camiseta negra con la imagen de la portada que lleve años hasta borrarla.
Ya puestos a investigar en este tema, os cuento que desde Noche de R&R, el primer LP de Barricada, hasta Insolencia de 1996, todos -11 en concreto- se editaron en vinilo y desde el doble en directo hasta Insolencia -5 en concreto-, también en cd. Bravo por Barricada, eso les honra.
Buenas compañeros.
Soy nuevo en esto y por eso os pido de antemano perdón por no saber manejarme muy bien por este medio. Lo prometido es deuda y aquí va mi primer post referente al primer vinilo que llegó hasta mí cuando solo tenia 14 añitos.
Después de muchas fatiguitas conseguí convencer a mis hermanos y a mis padres para que esas Navidades el regalo para toda la familia fuera equipo de hi-fi marca Sony (una pasada para la época) y el vendedor decidió regalarnos a cada hijo un disco y a mí como me vio con esa cara de felicidad me regaló dos,este y el número de la bestia de Iron Maiden. Este lo elegí por casualidad porque mi intención era coger el Saints and Sinners (un amiguete me puso el Here I go again en su casa y quedé hipnotizado) pero como no lo tenían escogí este. Triunfé. Discazo, portadón y una de las joyas que tengo el placer de escuchar todavía. Ni decir que tengo su versión cd remasterizada.
Amigos del vinilo, de los de Helsinborg ya os hablé en una entrada que dediqué a su anterior lanzamiento por lo que no sorprenderá a nadie mi pasión por este batido de ELO, Survivor, Kiss, disco music, Jim Steinman... y tantos otros sonidos altamente reconocibles y recomendables. Así pues, no he podido dejar pasar la oportunidad de hablaros nuevamente de ellos y de este Sometimes the world ain’t enough que grabaron casi de inmediato a continuación de su fantástico Amber galactic de 2017.
Producido por la banda principalmente entre los estudios del propio Richard Larsson y los Nordic sound lab, el line up es prácticamente el mismo que grabó su trabajo del año pasado y consiste en Björn Strid a las voces, David Andersson a la guitarra, Sharlee D’Angelo al bajo, Richard Larsson a los teclados, Jonas Källsbäck a la batería, Sebastian Forslund a la percusión y guitarras de apoyo, Hanna Carlsson al cello y Anna-Mia Bonde y Anna Brygard a los coros.
Con portada de Sebastian Forslund y Carlos del Olmo, el track list de esta edición en vinilo picture disc es:
A
This time
Turn to Miami
Paralyzed
B
Sometimes the world ain’t enough
Moments of thunder
Speedwagon
C
Lovers in the rain
Can’t be that bad
Pretty things closing in
D
Barcelona
Winged and serpentine
The last of the independent romantics
Marjorie
Respecto al análisis de los temas, vaya por delante que quien destaca por encima de todos –al menos en estudio– es Strid con una voz versátil que encaja de maravilla en cada una de las canciones, tal y como ya quedaba sobradamente probado en sus anteriores obras. Y es que, en el fondo, este disco es más de lo mismo. This time tiene el sonido al que nos tienen acostumbrados estos tipos, un tema pegadizo y rapidito que engancha a la primera. Turn to Miami, con ese inicio a lo synthwave y melodía ochentera, nos muestra otro tema marca de la casa en el que hard rock y sonidos cercanos al disco pop setentero –coros femeninos incluidos– nos trasladan a épocas pretéritas bañadas por la nostalgia. Tiene un alegre solo de Andersson. Con Paralyzed llegamos al primer momento funky disco, siendo un tema en el que destacan las líneas de bajo del gran D’Angelo y con el que es imposible no mover los pies.
Sometimes the world ain’t enough es el tema título del disco y todo un exponente de canción de hard rock con coros, estribillos pegadizos y un bajo funky que invita al baile, otro de esos en los que incluyen solo de teclados seguido del de guitarra. Como inciso, lo cierto que es que a muchos también nos gusta la oscuridad –el día antes de escribir esta reseña estuve disfrutando el Ordo an Chaos de Mayhem–, pero no se puede negar que la música de los TNFO contagia alegría, lo que es de agradecer en muchos momentos de nuestra vida. La cara prosigue con Moments of thunder, un medio tiempo con un inicio que me recuerda a Chicago, con una melodía preciosa, estupendos coros y un bonito solo de Andersson. Es, en definitiva, un tema sencillo y agradable, como todo en este disco. Y tras el momento de respiro, Speedwagon trae ritmo y energía, siendo otra de esas canciones en la que solo nos falta hacer palmas.
Lovers in the rain es un temazo de estribillo pegadizo acompañado por unos teclados que me recuerdan vagamente a los de Never ending story de Limahl. No se puede negar que a las nuevas generaciones quizás les guste esta banda, pero el verdadero nicho de seguidores lo tienen en los cincuentones como yo, fans a los que el gusto por sus riffs, coros y melodías se mezcla con la nostalgia de sensaciones pasadas ¿no creéis? Can’t be bad es otro temazo que se inicia con la guitarra de Andersson y que de inmediato obliga a mover la cabeza arriba y abajo con una sonrisa en la cara. En el estribillo le he encontrado cierto regusto a Meat Loaf, salvando las distancias. Pretty things closing in se inicia con sintetizador y bajo –lo primero que se me viene a la cabeza es Heart of glass de Blondie– al que se une una guitarra funky junto a las voces y es claramente otro de esos temas que trasladan a finales de los setenta, a esa fusión de hard rock y ambiente de pista de baile con la que Vini Poncia –por citar alguien que creo que conocemos todos– ya experimentó en su época.
Y como podéis imaginar, Barcelona por su simple título ya merece mi atención –a estas alturas supongo que ya todos sabéis que esa ciudad es mi hogar desde que nací–, pero es que además es otro tema marca de la casa que sigue los esquemas de la banda, con un sonido entre Survivor y pinceladas del Heading for a hero de Bonnie Tyler. En ese sentido, la parte buena es también la nota negativa, ya que el camino por el que transita la canción hace que resulte poco original y aporte poco. Pese a todo, es pegadiza, alegre y no desentona para nada en el conjunto del disco. Winger and serpentine es puro hard melódico ochentero, simple y directo y sigue este gran orgasmo musical con The last of the independent romantics, TEMAZO con mayúsculas en el que delicadeza y energía se mezclan para fructificar en uno de mis preferidos del álbum, con un estupendo trabajo de guitarras. Finaliza el espectáculo con Marjorie, un bonus track que aparece en las versiones en vinilo y digipack, que no sobra en absoluto y es más de lo mismo, The Night Flight Orchestra en estado puro.
Resumiendo, un álbum muy completo, con muchas canciones, altamente disfrutable y súper recomendable. Dudo que aún no conozcáis a esta banda pero, de ser así, resolvedlo rápido amigos.
Un poco de punk siempre viene bien. Su sonido es como un huracán de aire fresco ante tanta moñería reinante.
Formados en Guipúzcoa, SPEED eran, allá por 1985, el cantante Ramón Munita, los guitarras Fernando Santacana “Nando” e Iñaki Huarte “Fisuras”, Rafa Balmaseda al bajo, que recordemos había militado en el mítico grupo Parálisis Permanente, estando Javier López a cargo de la percusión.
