viernes, 18 de enero de 2019

The Temperance Movement - A deeper cut (Earache 2018)



Me encanta descubrir música nueva. Y debo decir que por aquí ando muy feliz con la música que he descubierto estos últimos meses. La que poco a poco voy recuperando de años anteriores (hay tantos miles de excelentes canciones por ahí sueltas en sesenta años de rock...). La que se va editando nueva. Porque, aunque le rock, y el metal, como fenómeno cultural y artístico no está muerto, conviene recordar que económica y socialmente hace muchos años que desapareció del mapa. No pasa nada. Mientras grupos nuevos y viejos se esfuercen en ofrecer sus canciones al mundo y queden orejas como tú y yo que les presten atención (y un poco de dinero) el rock, y el metal, no morirán, realmente, nunca.

Y ¿por qué nos cuentas esto, abuelito? Porque de vez en cuando uno se encuentra con discos que le arrancan una sonrisa, como el tercer largo de estos escoceses, joyita de hard rock blues, que hoy traigo.


Comienzan con Caugh in the middle, aguerrida, Built in forgetter, salvaje, y Love and devotion, vacilona al estilo Black Crowes, para caer en la acústica y sensible A deeper cut. Solo con eso ya han enganchado tu atención. Pero aún faltan los mejores temas. Blackwater zoo y Beast nation con su inspiración southern, Another spiral y Children con ese poso blues acústico, o la fantástica There's still time.

Que sigan empapándose de buenas influencias y componiendo barbaridades como esta.

El grupo lo forman Phil Campbell a la voz y el piano, y principal compositor, Nick Fyffe al bajo, Simon Lea a la batería y Paul Sayer y Matt White a las guitarras. Lo grabaron con Sam Miller a los mandos. El arte, sencillo pero elegante, corre a cargo de Stewart Chown.

La edición viene muy bien acabada, con portada gatefold, encarte con letras y créditos y un acabado del vinilo bueno.

Dadle una escucha, si aún no lo habéis probado, y disfrutad del fin de semana.








viernes, 11 de enero de 2019

Bon Jovi "Crossroads" The Best Of (Polygram 1994)




Esta revisión puede ser un poco imprecisa, pero guardaré las reseñas de canciones más detalladas para los álbumes en los que aparecieron originalmente en otras entradas más adelante.

Bon Jovi es conocido principalmente por sus pegajosos singles como "You Give Love A Bad Name", "bad medicine "y "Wanted Dead or Alive", por lo que 'Cross Road' es la mejor manera de escuchar lo mejor de Bon Jovi y también una buena manera de introducirte al mundo del Hard Rock de ésta agrupación con sus mejores composiciones de 1984 hasta 1994. Los oyentes casuales sin duda reconocerán muchas canciones que se han vuelto un cliché en la escena americana del rock de los '80s y '90s, es por ello que canciones como "Livin 'on a Prayer" y el país con influencia occidental "Wanted Dead or Alive". "You Give Love A Bad Name", "Bad Medicine" y "Runaway" son placeres culpables para cualquier fan del hard rock y como premio un vinilo doble en ésta edición de colección.



Justo después de la canción de apertura "Livin 'on a Prayer", llegamos a "Keep the Faith". Si bien no es tan popular como las pistas mencionadas, es tan bueno porque presenta una de las mejores actuaciones vocales de Jon Bon Jovi, así como uno de los mejores solos de Richie Sambora. La otra canción extraída del álbum "Keep the Faith" es la sorprendente y profundamente poética balada "Bed of Roses". Estas dos canciones (así como todo el álbum 'Keep the Faith') muestran que Bon Jovi puede ser serio y técnico, al tiempo que mantiene los pegajosos coros que los hicieron tan populares en los años 80. Otras pistas menos conocidas en 'Cross Road' son la pista extremadamente pegadiza y hecha por el coro "Lay Your Hands on Me" de 'New Jersey'. "I'll Be There for You", también de 'New Jersey, Es una balada bastante buena, pero nada comparado con "Bed of Roses". "In and Out of Love", la mejor canción de '7800 ° Fahrenheit', es probablemente aquí, así que al menos una canción de cada álbum de Bon Jovi hasta ese momento está representada. El único defecto que puedo ver en la lista de pistas es la ausencia de "Born To Be My Baby", "Dry County" y "I'll Sleep When I'm Dead", que probablemente no lograron el último corte debido al tiempo y otras restricciones. 

La alineación que se toma en cuenta para el 




Al igual que la mayoría de los álbumes de grandes éxitos, normalmente hay algunas canciones inéditas o no publicadas en el álbum. El primero, y mi favorito personal, es "Someday I'll Be Saturday Night", que es una melodía muy pegadiza e influenciada por el país que te sorprenderá que nunca haya aparecido en ninguno de los álbumes de Bon Jovi. Después de eso viene el extremadamente "Siempre". Otra versión de "Livin 'On a Prayer" aparece como "Prayer '94". El original es mucho mejor que esta versión, pero es bueno escuchar una versión diferente de una gran canción. Realmente no está nada mal. La última canción que no es del álbum es el single en solitario de Jon Bon Jovi "Blaze of Glory", que es una buena adición.





En su mayor parte, los álbumes de grandes éxitos pueden ser una verdadera frustración, pero cuando se trata de Bon Jovi es absolutamente recomendable escuchar sus recopilatorios. Sus singles son extremadamente pegadizas sin ser demasiado cursi. Siempre he pensado en Bon Jovi de los 80 como la música de lo que era el Hard Rock para adolescentes. Se trata de problemas personales y problemas reales que pasan las personas, hay que agregarle los solos con coros muy melódicos y estructuras de canciones muy bien elaboradas. Sigo creyendo que Bon Jovi de los 90 es muy superior a los Bon Jovi de los 80, pero casi parecen bandas diferentes. Para los 80, para ellos, todo se trataba de ser pegadizo y ser escuchado en la radio, mientras que los 90 parecían ser más acerca de la textura. No importa la época que más te guste de Bon Jovi, ya sea la llamativa década de los 80, la texturizada de los 90 o "qué demonios están pensando" los Bon Jovi del siglo XXI, recomiendo éste disco para que escuches en reuniones de familia o de amigos para que disfruten juntos las canciones que seguramente a más de uno le recordará algo personal. 




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Winger – Winger (Atlantic records – 1988)


Así es amigos, por fin después de todos estos años y sin que a ninguno de los contribuyentes de este blog se le ocurriese hacerlo, os traigo este imprescindible vinilo ochentero titulado sencillamente Winger, al igual que la banda que lo grabó. Y como no es el momento de volveros a hablar de los orígenes de Kip Winger –miembro fundador y principal compositor– ni de las razones por las que en la portada se puede leer la palabra Sahara –de todo ello ya os di cuenta aquí, cuando os presenté el single Can’t get enuff– pasaré directamente a comentaros este álbum, del que ya os dije en su momento que era el que más me gustaba del grupo. 


Lanzado al mercado el año en que Zakk Wylde debutaba junto a Ozzy, Jason Newsted con Metallica, L.A. Guns o Kingdom Come sacaban sus primeros discos, Queensryche ofrecían al mundo su apabullante Operation:Mindcrime o Iron Maiden su Seventh son of a seventh son, Winger grabaron en los Atlantic studios con Beau Hill a la producción este impresionante disco que –pese a su gran éxito– no consiguió dar suficiente empuje a la carrera de la banda, que en veinte años sólo editó tres álbumes más. 


Con el line up clásico formado por Kip Winger al bajo, voz, teclados y arreglos, Reb Beach a las guitarras, Paul Taylor a los teclados y Rod Morgenstein a la batería –todos ellos, al igual que Beau Hill, hicieron coros en el disco que también contó con la colaboración de Dweezil Zappa a las seis cuerdas–, Winger pusieron en las tiendas esta joya con portada de Dan Hubp y el siguiente track list

A 
Madalaine 
Hungry 
Seventeen 
Without the night 
Purple haze 

B 
State of emergency 
Time to surrender 
Poison angel 
Hangin’ on 
Headed for a heartbreak 


Una guitarra acústica da inicio a Madalaine, un potente hard rock con profusión de coros y voces dobladas, simple en su composición pero pegadizo y con un estupendo solo. Le sigue la alucinante Hungry, con ese comienzo de cuerda que precede a una explosión de coros arropados por un riff poderoso que da forma a un temazo en el que los teclados están más presentes que en el anterior. El estribillo es matador y el solo de Beach, nuevamente una pasada. Es una de mis favoritas –si no la que más– del álbum. Algo más hard y menos melódica es Seventeen, otro de los highlights del disco, de la que –como en el caso de las dos que la preceden– se rodó un videoclip. Más coros, la estupenda voz de Winger y un gran trabajo de guitarra a cargo de Reb Beach, un músico que ha participado en numerosos proyectos y grabaciones incluyendo a Dokken, Whitesnake o Twisted Sister. Without the night es una estupenda balada en la que Winger y Beach se vuelven a lucir y en la que Taylor tiene una importante presencia. Pedazo de solo. Pone fin a la primera cara de este alucinante vinilo de hard melódico una –en mi opinión– prescindible versión del Purple haze de Hendrix. Y no es porque el resultado no sea bueno –al menos en la parte musical, que la interpretación vocal me chirría bastante– pero es que no estoy muy a favor de la revisión de temas tan icónicos. 

La cara B se inicia con otro temazo, la estupenda State of emergency, otra de mis preferidas en la que coexiste un trabajo de guitarras excepcional junto a un estribillo que se le mete a uno en el cerebro. Time to surrender es otra de las canciones imprescindibles del álbum con más de lo mismo, un bajo machacón, guitarrazos afilados y el vozarrón de Winger arropado por coros en el estribillo, otro de esos que invitan a cantarlo en voz alta (atención al homenaje a Led Zeppelin antes del solo). Poison angel es la hardroquera del disco, enérgica y menos inmediata que el resto, con un solo cañero. Otro temazo que sobresale entre el resto es Hangin’ on, en la onda predominante del disco. Y el punto final llega con Headed for a heartbreak –el cuarto tema del que se rodó un clip–, una nueva balada en la que Winger y Beach se salen y que pone la guinda a una de las obras imprescindibles para todo el que desee tener un visión completa de lo que en el mundo del hard’n’heavy y sus variantes se hacía a finales de los ochenta. 


Os adjunto los videos promocionales –cuatro nada menos– que se rodaron para los singles del álbum y –para los que tengan más ganas de entrar de lleno en el disco–, la grabación completa. Si encontráis el vinilo por ahí, haceos con él sin dudarlo. 






¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

viernes, 4 de enero de 2019

Thin Lizzy "Jailbreak" (Vertigo 1976)




"Jailbreak" es el sexto álbum de estudio de la banda irlandesa de hard rock Thin Lizzy, publicado el 26 de marzo de 1976. Es el álbum más vendido de la banda en todo el mundo, y está considerado como su mejor trabajo. 

Cuando la gente piensa en el rock duro, lo más probable es que para algunos nombres vengan a la mente primero: Guns N Roses y Deep Purple son dos opciones obvias. A mí, sin rodeos, me parece vergonzoso que Thin Lizzy no reciba el crédito que tanto merecen, básicamente por inventar el género. Si no fuera por Thin Lizzy, la guitarra rock no sería lo que piensas. Ganando solo un poco de fama, por dos singles, "los chicos" son posiblemente la banda más subestimada de la era de los 70's. Y realmente es una pena, porque Phil Lynott y compañía merecen mucho más respeto. Si hubiera un álbum que pudiera elegir que simplemente fuera uno emblemático del rock, ese disco sería "Jailbreak". No solo presenta algunos impresionantes juegos de guitarra y solos de guitarra, sino que el riffing y la composición de canciones son muy duros. Esa es realmente la única palabra que puede describirla bien, al menos para mí.



Produciendo dos exitosos singles que le valieron a la banda un poco de airplay, el infame "The Boys are Back in Town" y la canción del título, así como un plan maestro de riffs rockeros puros. Pero Lizzy es mucho más que una banda de rock genérico. El líder Phil Lynott tenía un plan astuto para el álbum antes de su lanzamiento, basado únicamente en la guerra. Sin embargo, este plan se dobló y los significados de la canción cambiaron. "Los chicos están de vuelta en la ciudad" fue originalmente un cuento de veteranos de Vietnam que regresaron a su país de origen, pero se transformó en una historia de bares y bebidas. Pero no se alteró la connotación de cada canción. Por ejemplo, "Warriors" siguió siendo una narración épica sobre la valentía de matar a un hombre, al igual que "Fight or Fall". Pero Lynott ofrece un ataque completo y sus letras van desde suaves y poéticas, hasta duras y sucias. Un hombre de múltiples talentos, Lynott era, y sus líneas de bajo no están en mal estado, tampoco. Sin embargo, sin lugar a dudas, lo más destacado, así como el aspecto de enfoque principal de Thin Lizzy, fueron y siempre serán los protagonistas de la guitarra. Los dos guitarristas, Scott Gorham y Brian Robertson, intercambian algunas pistas bastante dulces y usan algunos pedales de efectos especiales para dar forma a sus tonos. Ambos guitarristas muestran sus cosas de maneras muy interesantes, así como algunas increíbles habilidades para tocar solos. 




Canciones como la rockera dura "Emerald", que se escribió sobre el país de origen de Lynott, Irlanda, y mi elección personal de álbum, 'Warriors' son dos ejemplos de la buena interpretación de guitarra. Los dos riffs de guitarra en duelo son únicos. intercambia algunas pistas bastante dulces y usa algunos pedales de efectos especiales para dar forma a sus tonos. Canciones como la rockera dura "Cowboy Song", que se identifica con aquellos jóvenes que recorren el mundo enfrentándose a todo y mi otra elección elección personal de álbum, 'The Boys Are Back In Town' son dos ejemplos de la buena interpretación de guitarra y de composición de canciones. Los dos riffs de guitarra en duelo como ya hemos mencionado son aportaciones de la agrupación para futuras bandas de Hard Rock y Heavy Metal. 

Si tenías en mente que Thin Lizzy era una banda de rock impulsada por el blues y solo tenía un sonido, estás teniendo una mentalidad cerrada. Hay algunos sonidos muy diversos en este álbum, y se muestra claramente. "Running Back" tiene una vibra muy suave y folk, pero agrega algo de color con el patinaje y un saxofón sutil, mientras que "Angel From the Coast" tiene algo que a muchas bandas hoy en día le falta. "Romeo and the Lonely Girl" fue un cuento de estilo Shakespeare con un ritmo aleatorio y algunas guitarras limpias, y "Cowboy Song", que podría decirse que es una de las mejores canciones que Thin Lizzy ha producido, insinúa un poco de un ambiente del sur del país, que Es fácilmente la canción más única del álbum. Pero si la canción es blues sucio, folk suave, rock crujiente o boogie, cada canción se puede remontar a hard rockin 'blues con la guitarra. La influencia de Thin Lizzy en la música de hoy es bastante evidente. Coheed y Cambria los han elogiado en numerosas entrevistas, e incluso han timado el riff principal a 'Boys' para uno de sus álbumes. 




No hace falta decir que casi todas las canciones de 'Jailbreak' son un rockero puro y duro con poco o ningún defecto. Si estás buscando una gran banda de hard rock, que no es tan pillada por los medios como la mayoría de las otras bandas de rock de la época, y quiere una gran composición de canciones con un gran trabajo de guitarra, mira aquí. La muerte prematura de Phil Lynott podría haber sido algo horrible de soportar, especialmente para los pocos fanáticos de Lizzy, pero al menos antes de que muriera, él y sus compañeros de banda produjeron uno de los mejores álbumes de rock n roll. No está mal para un tipo irlandés con un afro y un bigote tupido.  ¿Quién no es tan fanático de los medios de comunicación como la mayoría de las otras bandas de rock de la época, y quiere una gran composición de canciones con un gran trabajo de guitarra? Pues aquí tienes a Thin Lizzy.

Réquiem para Phil Lynnot quien falleció un 4 de enero de 1986, se nos adelantó un grande del rock. 


Discazo.









Joy Division - Unknown Pleasures (1979 - GEMA) 🇬🇧

Saludos compañeros del metal, comenzamos este nuevo año de nuestro señor 1979 con una joya muy conocida pero poco hablada, se trata de un album clave en la New Wave pero jajajaj claro esta vez no se trata de la nwobhm a la que estamos acostumbrados incluido yo, se trata de la otra y concretamente la que dió paso a un rock electrónico alternativo, al synth pop o al revival de la cultura mod. Ante nosotros tenemos el debut de una banda incatalogable por ello se le considera una de las piezas clave de la música Indie (la de verdad) Joy Divison sobretodo en este primer album nos presenta una mezcla entre rock progresivo, rock espacial, punk, hard rock y quizás ¿un garage futuristico? por ello se le llama post punk y rock alternativo. No es la primera vez que hablo de Joy division y si estais muy interesados en rarezas porque ya pilotéis mucho sus 2 únicos albunes de estudio y New Order, en el Sumergible Neuronal traje hace como un año una recopilatorio lq ue llamamos Alien Demo con grabaciones de entre 1977 y 1978 así como un live de la bbc de 1979.

De este disco la edición que más guapa esta es la japonesa, creo que incluso
se ha reeditado, viene igual pero en rojo, más grande el dibujo y pone el nombre
del album y artista en letras niponas.

FULL ALBUM


Respecto a la historia personal de la banda quizás no sea la persona más adecuada para hablar de ella porque no es mi fuerte el post punk ni el indie en general ni joy division pero decir que fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Gran Manchester, originalmente llamada Warsaw y formada por Ian Curtis (voz y en ocasiones guitarra), Bernard Sumner (guitarra y teclados), Peter Hook (bajo eléctrico y coros) y Stephen Morris (batería y percusión). Destacar la personalidad excéntrica y los problemas mentales de Ian Curtis el cual para muchos fué considerado el Syd Barrett de 1979, murió ahorcado suicidándose en 1980 escuchando Iggy Pop por eso la banda solo tiene dos albunes de estudio, luego formaron New Order. Tienen un sonido ciertamente parecido o del estilo de The Cure para los que andeis más perdidos con esta música que no solemos traer a FFvinilo, formaron parte de la cultura Dark ochentera. 


El paralelismo con Alien es muy curioso pero es que justo cuando salió el album casi se estrenó Alien
el octavo pasajero y esa especie de relieve digital simulado de la caratula del album a muhisimas personas le recordó directamente a lo que sale en Alien cuando estan descendiendo al planeta.



El tracklist esta detrás de ese póster

Respecto al elepé fácil de encontrar en reedición por unos 20€ pero olvidate de pillarlo original, también se que han sacado los warsaw demos pero no se si el live de 1979 esta en vinilo. 



↯↯↯↯↯↯ --> En los comentarios de ese post esta el enlace a la discografía de la banda.


Salurocks!!



Bruce Dickinson - The Chemical Wedding (1998 - Sanctuary 2017)


Para abrir bien el año 2019 quiero comenzar con mi última compra (en realidad un regalo, pero qué más da): la reedición en vinilo del álbum de Bruce Dickinson "The chemical wedding". La historia de la fuga de este cantante de Iron Maiden, la banda que le hizo famoso, acabó con Bruce formando tándem junto al guitarrista Roy Z, quien produjo cinco de sus seis trabajos en solitario. Después de unos años de jugar con los sonidos alternativos de los noventa, Bruce llamó a Adrian Smith, ex-colega de Maiden, para retomar la senda del heavy metal, pero desde una perspectiva actual (hablamos de la segunda mitad de los noventa). Tras un excelente "Accident of birth" llegaron a 1998 con la banda rodada en los escenarios y una idea: realizar un álbum duro, mezclando riffs, estribillos, arreglos, armonías clásicos con la particular idea metálica de Roy Z en el estudio. El resultado, este "The chemical wedding", uno de los mejores trabajos de Dickinson desde 1990, si no el mejor, aún a día de hoy. La mezcla de guitarras de Adrian y Roy, con estilos diferentes, y el trabajo rítmico de Eddie Casillas al bajo y David Ingraham a la batería consigue una colección de canciones tremenda.


La inicial King in crimson es la muestra perfecta, con su riff pesado, el excelente estribillo y el solo de Roy. Y a partir de ahí no hay desperdicio. El ritmo sincopado de The tower con otro gran puente-estribillo (muy Maiden, por cierto), la rudeza de Machine menKilling floor ("Satan has left his killing flor" canta), curiosamente las dos compuestas junto a Adrian, los más de ocho minutos de The book of Thel, con sus dos solos y el interludio con una gran línea de bajo, la fantástica Jerusalem, épica, con una de las mejores interpretaciones de Bruce (en años) y ese rollo Jethro en la melodía, el metal alternativo que se cuela en Trumpets of Jericho o la emotiva Gates of Urizen.


La edición reciente de la discografía en solitario de Bruce Dickinson en una caja llamada (qué original) "Soloworks 1990-2005" me ha permitido conseguir esta joya. Doble, carpeta gatefold, con las letras, los créditos, fotografías y un acabado excelente, con muy buen color y calidad. Los vinilos suenan muy bien, con buenos graves y la voz muy clara en el centro de la mezcla. Una gran obra en una gran edición, vaya.

Disfrutad del primer fin de semana del año.














viernes, 28 de diciembre de 2018

Motörhead "Everything Louder Than Everyone Else" (Spv Records/Steamhammer 1999)




Han pasado exactamente 3 años sin Lemmy Kilmister y el mundo del heavy metal lo sigue extrañando, lo seguimos recordando por sus frases, lo seguimos recordando en cada pieza que suena en la radio, reproductor o plataformas digitales de rock y metal. Éste disco producido y editado por la poderosa label alemana Spv Records/ Steamhammer nos entrega uno de los mejores álbumes de la banda británica y del Heavy Metal. No puede resistir hacer una entrada de éste álbum en homenaje al fallecido músico y de la famosa banda británica, ícono de muchas generaciones. 

Ha habido una gran cantidad de álbumes en vivo lanzados con grabaciones de la banda Motörhead. Algunos de ellos son menos oficiales con algunas compañías discográficas que tratan el material como un tiro de despedida a medida que la banda avanza, o simplemente como una imitación barata de un lanzamiento anterior para ganar algo de dinero de la banda. Todos tendrán sus propias opiniones, pero para mí "Everything Louder Than Everyone Else" es el tercer álbum verdadero de Motörhead en vivo, después de "No Sleep 'Til Hammersmith" y "Nö Sleep at All" (Honor a quien honor merece). Cada uno de los álbumes en vivo anteriores marcó una cierta era de la banda, y eso también es cierto para este álbum, y como tal, mantiene su lugar en la historia. "Motörhead Live: Everything Louder Than Everything Else" presenta a Lemmy y su banda de guerreros de metal que sacuden el Deutsches Museum de Munich hasta sus cimientos con interpretaciones en vivo. Con esa frase icónica que se me ha quedado en la mente desde que los escuché en éste disco: "We are Motörhead and going kick your ass" que se me ha quedado por encima de la otra frase más conocida como "We are Motörhead and play Rock n´ Roll". 




Esto se grabó en Alemania en 1998 y es el espectáculo completo, la primera vez que la banda pudo lanzarlo de esta manera. Grabado durante la gira para promocionar el disco "Snake Bite Love". Nuevamente tiene una gran mezcla de las canciones más nuevas de la banda y los viejos clásicos que tienen que tocar todas las noches. Lemmy está en gran forma entre las canciones, y la banda en sí suena fantástica. Habiendo regresado a una pieza de tres después del movimiento de Wurzel, aún puedes sentir la energía que están creando en el escenario. El sonido de los bajos de Lemmy es icónico, único y distinguible de forma rápida y sencilla. La guitarra de Phil Campbell se vuelve gutural a veces antes de comenzar realmente en sus pasajes en solitario para iluminar a la multitud. La percusión de Mikkey Dee es una delicia, ruidosa y ruidosa, y lleva a casa las canciones con su potente estilo habitual. Los tres son excelentes aquí, y de hecho crean un ambiente donde cambia la forma en que escuchas estas canciones cuando regresas a las versiones del álbum.

En cuanto a la lista de canciones tenemos 4 lados para seleccionar la potencia que deseamos escuchar en el concierto, tiene todo lo que podrías desear de un álbum en vivo de Motörhead. La mitad de las pistas son de álbumes desde el último álbum en vivo lanzado Nö Sleep at All , y cada uno de esos álbumes está representado. Combinadas con estas son las canciones que posiblemente no podrías dejar de lado, incluyendo las cuatro canciones que concluyen el álbum, siendo "Killed by Death", "Bomber", "Ace of Spades" y "Overkill", que todos cargan como esa frase que dice "Haga que la Brigada Ligera llegue a la línea de meta", una vez que termina cada lado del disco hace quete aliente a regresar al inicio y pincharlo de nuevo. 

Álbum Uno
Lado A
1. Iron Fist
2. Stay Clean
3. On your Feet or on your Knees
4. Over your Shoulder
5. Civil War
6. Burner

Lado B
7. Metropolis
8. Nothing Up my Sleeve
9. I´m So Bad Baby I don´t Care
10. The Chase is Better than the Catch





Álbum Dos
Lado A
1. Take The Blame
2. No Class
3. Overnight Sensation 
4. Sacrifice 

Lado B
6. Born To Rise Hell 
7. Lost In Ozone 
8. The One The Sign The Blues 
9. Capricorn 





Como van los álbumes en vivo, esto es bastante difícil de criticar, porque hay poco material débil aquí para repartir. Incluso las canciones que provienen de los álbumes más débiles son las mejores canciones de esos álbumes, y todas se traducen al escenario en vivo con gran aplomo. Sin duda, No Sleep 'Til Hammersmith siempre ha sido calificado como el mejor álbum en vivo de Motörhead, dado el tiempo en que fue grabado y el material disponible para reproducirlo. Para mí, creo que esto va un poco más allá, no solo porque tiene todo el concierto, sino porque hay muchas canciones aquí y todas son dignas de ser incluidas. Puedo jugar esto en el trabajo, en el auto, en una fiesta o en la caverna de metal y nunca me canso de hacerlo. Uno de los grandes pudo hacer un disco enorme que captura todo el espíritu del "rock n roll" (como le gustaba llamar a ésta música por el difunto músico).



Discazo de los británicos en su mejor forma donde le dicen varias veces al público que recuerden que son de "Hamburgo" y que el ambiente festivo no debe decaer en ningún momento del concierto.








Slayer "Decade Of Aggression" Live (American Recording 1991)




Decade of Aggression es un álbum doble en vivo de Slayer , lanzado el 22 de octubre de 1991 a través de Def American Records (más tarde retitulado a American Recordings ) y producido por Rick Rubin . El álbum fue grabado en tres lugares separados en tres fechas separadas. Su título de trabajo fue "Decade Of Decadence" hasta que Mötley Crüe registró el nombre. Tres de las pistas del álbum se incluyeron en el cuadro de la Banda sonora Apocalipsis". La recepción del álbum fue generalmente positiva, con Entertainment Weekly y Robert Christgau.Ambos le dan al álbum una calificación positiva. El álbum alcanzó el número 55 en el Billboard 200 y también apareció en otras dos listas. Afortunadamente, puedo revisar la experiencia de Slayer en vivo , sin la golpiza en el slam que se arma en cada concierto suyo, solamente pinchando en cualquier momento el vinilo "Decade of Aggression".

Decade of Aggression captura perfectamente la intensidad brutal de la música de Slayer y su presentación en vivo. La calidad del sonido es una réplica honesta de Slayer en vivo, lo que significa que carece de mucho del esmalte que se encuentra en las grabaciones en vivo re-dobladas, menos que en las honestas. Sin embargo, esto no es un problema ya que el álbum todavía suena bien y toda la energía, intensidad y agresión se han mantenido intactas. Pero en vinilo es absolutamente genial ese sonido, ufff. 



La lista de canciones también es extremadamente sólida, con la mayoría de los clásicos de Slayer representados. Encontré que el disco uno contenía la mayoría de mis favoritos, como los clásicos "The Anti-Christ", "Die By The Sword", "War Ensemble" y, por supuesto, "Angel of Death". Sin embargo, no se equivoquen, sin el disco dos, esta compilación en vivo carecerá de algo.

Disco Uno
Grabado en el Lakeland Coliseum in Lakeland, Florida el 13 de Julio, 1991.

Lado A
1. "Hell Awaits"
2. "The Anti-Christ"
3. "War Ensemble"
4. "South of Heaven"
5. "Raining Blood"
6. "Altar of Sacrifice"
7. "Jesus Saves"

Lado B
8. "Dead Skin Mask"
9. "Seasons in the Abyss"
10. "Mandatory Suicide"
11. "Angel of Death"





Disco dos
Tracks 3–6 y 8–10 grabados en el  Orange Pavilion, San Bernardino, California, el 8 de marzo de 1991.
Tracks 1, 2 and 7 recorded at the Wembley Arena, London, England, grabado el 14 de  Octobre, 1990.
Lado C
1. "Hallowed Point"
2. "Blood Red"
3. "Die by the Sword"
4. "Black Magic"
5. "Captor of Sin"

Lado D
6. "Born of Fire"
7. "Postmortem"
8. "Spirit in Black"
9. "Expendable Youth"
10. "Chemical Warfare"



Kerry King y Jeff Hanneman suenan tan rápidos como demoledores, sin embargo, para la marca de thrash metal que tocan, su estilo se adapta a la perfección. Dave Lombardo hace un excelente trabajo de golpear las pieles hasta el olvido y Tom Araya es más intenso que nunca. Él ladra y gruñe a través de cada camino, afortunadamente manteniendo los chillidos al mínimo. El Anticristo suena mucho mejor cuando Araya grita el coro en lugar de gritarlo. Angel of Death aún presenta un grito al principio de la canción, pero esto es algo bueno porque la canción realmente no sería la misma sin él.

Recomiendo encarecidamente "Decade of Aggression" a cualquier fan de Slayer (aunque me pregunto por qué no lo tienen ya) y a cualquier fan de thrash en general. Cada canción es una mejora de una forma u otra en el original, especialmente en "South of Heaven" y "Mandatory Suicide", ya que son del álbum South of Heaven , que me parece bastante fuerte. Este álbum realmente captura y representa adecuadamente una década de riffs rápidos como un rayo, solos ardientes y, por supuesto, el ingrediente clave de todo esto, la agresión. Cierro los ojos, imagina uno de esos estadios gigantes de Norteamérica, imagina a la gente cuando el grupo comienza a recitar sus notas. Todo esto y más representa Slayer en vivo. FELIZ AÑO NUEVO 2019. 




Aquí algunos links