viernes, 18 de octubre de 2019

Cream - Wheels Of Fire (1968 - Polydor) 🇬🇧 .[+ bootlegs LP R¡p]

Hoy traigo a FFvinilo un doble elepé muy muy especial que me estaba reservando desde 2016, el clímax de Cream, su mejor disco y además en primera edición italiana de 1968 con portada plegable que adquirí por 36 pavazos en discos Bora Bora Granada. El album es el penúltimo de la banda antes de su disolución a principios de 1969 y la publicación de "Goodbye" un recopilatorio de sus ultimas grabaciones inéditas; este "Rodajes de Fuego" no es conceptual, es de temática variada pero es de LO MÁS PSICODELICO que te puedas echar a la cara en los años 60s, todo un album de culto que comprende el primer elepé de estudio y el segundo un directo en el fillmore (donde vienen algunas de las grabaciones que trajimos en 2015 con el Live Cream Vol.II). 

Para escuchar este disco solo imaginad que sois diminutos a nivel atómico y que estáis dentro de vuestro cerebro fruto de algún tipo de viaje de mezcal, y podéis recorrer vuestras conexiones neuronales, hayar la verdad acerca de vuestra conciencia y de como esta se conecta átomo a átomo con el resto del universo, explorar el alma y el mundo de los sueños hasta las bastas playas y fronteras del subconsciente en forma de desoladas ciudades llenas de tallos y tallos de extrañas setas plantadas por extraterrestres. Este album es como un abrir y cerrar de ojos psicodelico, es como frotarse los ojos en medio de un climax de subida y ver todo eso que hay en la portada y verte a ti mismo en la habitación con los cascos escuchando el disco y sentir la electricidad y la energía eléctrica que fluye en el ambiente transportando estos sonidos, saborearlos y no necesitar beber nada para sentir que te bebes unos hielos sabor zumo de naranja. Señores, CON USTEDES.. CREAM.

FULL ALBUM (not this blog channel)
wHITE room also featured in mafia 3 (bso avaiable
on this blog)

portadas colorizadas por mi, las originales son el blanco y negro. Colorized Cream

El sonido esta grabado bastante bien y realmente la dinámica y la potencia de este rock blues sinfónico tan elaborado me deja sin aliento. 


↯↯↯↯↯  Maranzt amplifier usa 1979, japanese 1978 luxman record player & yamaha professional recorder. Esta trilladisimo el disco tambien lo digo.

Respecto al elepe dificil de encontrar original y en re-edición antigua, moderadamente facil de encontrar en re-edicion actual pero caro, los 30€ no te los quita nadie. Segunda mano antiguo corres el riesgo de que te venga solo uno de los 2 elepes que eso ya lo he visto muchisimo en algunos dobles elepes como el de concerto for group and orchestra de DP, por cierto este album de Cream tiene como similitud con ese tipo de albunes que usan muchos musicos de sesión para su lado más orquestal, estaba algo de moda la "orquesta rock" desde que lo hizo moody blues en el '66. 

las letras de los temas no tienen desperdicio ninguno pero va alternando entre covers de clasicos del blues y temas propios. 


White Room  00:00:00,00
Sitting on Top of the World  00:04:54,17
Passing the Time  00:09:51,00
As You Said  00:14:19,15

Rat and Warthog  00:18:37,00
Politician  00:21:48,02
Those Were the Days  00:25:57,22
Born Under a Bad Sign  00:28:50,05
Deserted Cities of the Heart  00:31:55,10


Crossroads  00:35:31,20
Spoonful  00:39:45,04

Traintime  00:56:29,00
Toad  01:03:29,02

Rip Ginger Baker recientemente fallecido lunático, ya solo queda Clapton vivo de este ostentoso power-trio


SaluBrains! WhereTheBuffaloRoam1968.blogspot






Grand Funk Railroad - Live Album (Capitol Records, 1970)


Siempre me ha parecido Grand Funk Railroad (o Grand Funk) una banda menospreciada por el colectivo roquero; su catálogo musical descomunal y su actitud en los escenarios debieron hacerles pasear por el Olimpo hard rock. Pero no es así. En el mejor de los casos se conoce su nombre, asociado, principalmente, a sus singles de éxito de mitad de los setenta; en el peor, ni siquiera se asocia a ningún recuerdo musical. Tampoco importa mucho, la verdad. Más elitista será la presentación de este doble directo si el lector ni siquiera lo conoce. A ello vamos.

Publicado en noviembre de 1970 como cuarto disco en la trayectoria de la banda, fue grabado en tres fechas de junio de 1970 (del 23 al 25) en Palm Beach, Orlando y Jacksonville. Recoge, principalmente, canciones de sus dos primeras obras, On time y Grand Funk, ambas de 1969; su tercer largo, Closer to home, había salido esa misma semana y tan solo grabaron un tema (y lo presenté por aquí hace algún tiempo). Una curiosidad de este Live Album: no se grabó para publicarlo de inmediato, pero la compañía y la banda, ante el subidón de ventas que supuso ese Closer to home (alcanzó deprisa el millón de copias), decidió ponerlo en las tiendas para Navidades. Y resultó otro pelotazo, convirtiéndose en oro a la semana de ser editado y llegando a despachar dos millones de copias. Apenas unos meses después, Gand Funk llenaban el Shea Stadium igualando el record de asistencia de The Beatles. Casi nada.


El disco incluye una leyenda curiosa, donde se indica que, con la intención de trasladar la experiencia real de la banda en vivo, no se ha realizado edición o remezcla de ningún tipo: el contenido musical, literalmente, es el que aparece en las cintas de grabación originales. Y, por si había duda, debe escucharse en el orden propuesto, sin parar, desde la primera hasta la última canción (una hora y veinte minutos) para deleitarse con estos animales.

Y parece cierto. El sonido crudo, con ruidos ocasionales, el público metiéndose por medio, el desfase y la bestialidad de estos tipos lo tienes ahí, en tu equipo de música, casi cincuenta años después. Otra grandeza de la música para mí: el tiempo se queda parado en ese instante y puedes repetirlo hasta el infinito (o hasta que se desgaste el vinilo, en este caso, pero siempre nos quedará el estrimin).

La cara 1 contiene del tirón tres cortes duros y bien distintos: Are you ready (habría el debut, clasicazo), Paranoid (con un toque psicodélico), In need, donde escuchamos una estupenda armónica. La cara 2 contiene la ¿balada? Heartbreaker, con uno de los mejores momentos guitarreros, y la larga y fantástica Inside looking out, ejemplo de lo que podían desarrollar en un escenario Grand Funk. En la cara 3 escuchamos el único tema de Closer to home, titulado Mean Mistreater, otro medio tiempo, la paranoia titulada Mark say's alright, con una pequeña jam instrumental y se cierra con los casi doce minutos de T.N.U.C., de mis momentos favoritos, con un solo de batería. La cara cuatro está ocupada totalmente por Into the sun.


Grand Funk Railroad lo formaban Mark Farner a la voz y la guitarra, y principal compositor, Don Brewer a la batería y Mel Schacher al bajo. Producido por Terry Knight, mánager también de la banda. Las fotografías corresponde al concierto del 4 de julio de aquel año en Atlanta, en el International Pop Festival. 

La edición que traigo aquí hoy es original yanqui, de época, que se dice. Doble vinilo, carpeta gatefold.

Disfrutad del fin de semana...






Quique González - Me Mata Si Me Necesitas (Cultura Rock Records, 2016)

Este viernes 18 es uno de los días grandes del año en cuanto a música se refiere, y es que no todos los días salen nuevos LPs de artistazos como los 091 y Quique González, que además ayer precisamente soplaba 46 velas. Como todavía no tengo el nuevo disco, le voy a dedicar unas líneas al que, hasta hace unas horas, todavía era su último trabajo: Me Mata Si Me Necesitas.
Los que no entendemos la vida sin música, y utilizamos los auriculares como salvavidas en este mundo carapijo y feliz, sabemos que hay discos que eligen quedarse con nosotros. Así, sin más, porque son las canciones las que destrozan hasta el más sucio rincón de tu negro corazón, y también las que te hacen sentir en casa sin importar los miles de kilómetros que te separen de lo que consideres hogar. Qué quieren que les diga, en este mundo de fronteras, yo prefiero vivir en mis discos.
Podría escribir millones de líneas más, y creo que jamás sería capaz de transmitir lo que este disco significa para mí. Desde que lo compré al poco de que saliera en Bajoelvolcán (larga vida a las tiendas de discos) ha flotado en la memoria de los días grises, pero también cuando quemé mi Capri del 82 y solo salvé el CD del Último Vals. Desde que con los primeros surcos resuenan los compases de Detectives, la sensación de casa ya me atrapa.


Me encanta la furia de Sangre En El Marcador, con esa navaja sin una sola hoja cerrada y su juramento de mejoría firme incluido. La voz de Nina (Morgan, no tardaré en traerles por aquí) en Charo no se entiende sin el objetivo de conquistar el alma de todos sus oyentes. Amo el intimismo acústico que rodea el aura de Ahora Piensas Rápido, con uno de esos punteos irresistibles que Quique parece sacarse de la manga. Las teclas de César Pop, al que nunca está de más reivindicar, tienen un alto grado de responsabilidad en conseguir que Relámpago sea tan adictiva. Aunque son los dos últimos cortes del disco los que más alto vuelan en un hipotético ascenso hacia la inmortalidad: No Es Lo Que Habíamos Hablado y aún así, me quedaría, es un maravilloso canto a la improvisación como forma de vida; por otra parte, todavía no se han inventado las palabras adecuadas que casen bien con una canción tan desgarradora como La Casa de Mis Padres, dedicada a la memoria del padre de Quique, muerto poco tiempo antes de la salida de este LP.
Un disco para escuchar a fuego lento y con las emociones a flor de piel. El mundo sería un lugar mejor si estas canciones se quedasen a vivir en muchos corazones. Hace un tiempo, una de las personas más importantes de mi vida hizo un comentario con el que me identifico absolutamente: "cuando escucho a Quique González, siempre me acuerdo de ti". Música, canciones, vida...





viernes, 11 de octubre de 2019

Bryan Adams - Waking up the neighbours (A&M Records-1991)




Adams consiguió el éxito masivo con su álbum Reckless de 1984. Tardó tres años en componer y grabar la continuación, Into the fire, producido por él en su propia casa. No logró el mismo nivel de ventas que el anterior. Eso y, supongamos, cierta intención de cambiar el ritmo de su carrera o la orientación musical, una crisis de confianza, de avaricia bien entendida, quién sabe, le llevó a colaborar con uno de los productores hiperventas del momento: Robert John "Mutt" Lange. De paso, su colega de armas, su mano derecha compositiva, Jim Vallance, caía en este proceso, quedando en mínima su aportación al álbum, aunque conservó a varios músicos (Keith Scott, Mickey Curry). Y Bryan Adams volvió a ser número uno y alcanzar las ventas y la popularidad de 1984.

El cambio ahondó en una producción más procesada, en arreglos muy "Def Leppard" (quizá muy "Mutt"). La esencia de Adams se conserva, sobre todo, en los medios tiempos Though I'd die and go to heaven, Do I have to say the words? y Depend on me, estas dos últimas aún compuestas con Vallance. Los ritmos más clásicos asoman en There will never be another tonight y en el fantástico riff de House arrest (una versión de AC/DC estaría bien). El resto suena más influenciado por la mano amiga de Lange, con claros ejemplos en If you wanna leave me (can I come too?), Touch the hand, Not guilty, Don't drop that bomb on me o Can't stop this thing we started. Añadid la pesada y empalagosa, pero millonaria (dieciseis semanas número uno en los unaited quingdom), (Every thig I do) I do for you al conjunto.


Imagino que para un fan ochentero del canadiense encontrarse con este disco, con este sonido, debió hacerse duro; pero fue mi "descubrimiento" de Adams. Gracias a este álbum empecé a tomarle en serio y a escuchar sus trabajos anteriores. Así que debo decir que me gusta Waking up the neighbours, mucho más los temas hard que las baladas (odio el hiperexpuesto tema megahit).

Además de Bryan Adams (voz, coros, guitarras) escuchamos a Keith Scott a las guitarras, Mickey Curry a la batería, Dave Taylor al bajo, Tommy Handel y Robbie King al órgano y el piano y el propio "Mutt" a los sintetizadores. Se grabó a medio camino entre Inglaterra (Battery Studios) y Canadá (Warehous Studios) a lo largo de 1990 y principios de 1991. 

La edición que traigo hoy es de época, con dos vinilos pero en carpeta sencilla. 

Pasad buen fin de semana...











UFO – Lights out (Chrysalis -1977)


Pues bien, amigos, excepto del Force It –que por supuesto también tengo en vinilo–, ya os había presentado en este espacio todos los álbumes en estudio de UFO con Michael Schenker. Sin embargo, ni que hubiese querido podría haberos hablado del que hoy me ocupa porque faltaba en mi colección. Hasta este verano. Porque esta fantástica obra es uno de los discos comprados en New York a los que estoy dedicando mis últimas entradas en este blog. Así que, con todos vosotros, Lights out.  Bonito y barato, oiga.

Con portada de los habituales Hipgnosis y producido por Ron Nevison en los londinenses AIR studios, Lights out contó por primera vez con la presencia de Paul Raymond a las guitarras y teclados completando la formación clásica de Phil Mogg a las voces, Michael Schenker a la guitarra, Andy Parker a la batería y Pete Way al bajo. 


Y el track list que podéis encontrar es el siguiente: 

A 
Too hot to handle 
Just another suicide 
Try me 
Lights out 

B 
Gettin’ ready 
Alone again or 
Electric phase 
Love to love 

Lo cierto es que a estas alturas, poco puede decirse de una banda de la que ya os he comentado varios álbumes y que tenía un sonido distintivo del que se alejaba poco en cada lanzamiento, sobre todo en la etapa setentera con Schenker, que es la que me ha tenido ocupado en las entradas uferas de este blog. Así pues, seré breve a la hora de hablaros de una Too hot to handle resultona con unas guitarras enérgicas, una destacable Just another suicide como exponente del sonido marca de la casa, la preciosa y emocionante Try me y la fabulosa y hardrockera Lights out, muy cañera y mi preferida de esta cara. 


En la cara B, Gettin’ ready es un hard rock normalito al que sigue una –para mi, innecesaria– Alone again or, una versión de un tema icónico de los Love muy sencillito que al menos sirve de preámbulo a Electric phase, otra de mis preferidas del álbum con un Schenker inmenso. La guinda a este fantástico Lights out la pone Love to love, el tema más largo del disco que manifiesta una vez más la genialidad del binomio Schenker-Mogg. Una delicia de canción con pinceladas prog






En fin, vinileros, un disco que no es el que más me gusta de la banda –en realidad no hay uno, todos los que hizo con Schenker me encantan y sería incapaz de poner uno por delante de otro–, pero que hoy aparece aquí por ser el último que me quedaba por conseguir en vinilo de la era 74-78. No hay más. 

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

CMU - Space Cabaret (1972 - Transatlantic) 🇬🇧


Más de lo mío jejeje al final como tenía el post preparado de la semana pasada decidí compartirlo en FFvinilo pese a que hoy me he levantado como la mierda por culpa de esta época. Este maravilloso disco llegó a mi por un fortuito error del destino, fui a discos bora bora a por "sun and steel" de los iron butterfly y cuando lo compré estaba por error este dentro, Sun And Steel la verdad es una joya pero este album es mucho mejor y más serio, le imprimí la caratula de forma casera y por el mal entendido me hicieron un gran descuento en el siguiente disco que quisiese que fue el unknown pleasures de los Joy. 

esta buen a ehh

FULL ALBUM
canal de este blog


Excelente rock progresivo británico con tintes de jebi/jebi prog, rock espacial muy psicodelico con una efectación virtuosa y temática semi-conceptual; los temas son largos todos líricos pero si de algo me quedo con la temática o idea del album como concepto es que todas las cosas que han pasado en el espacio desde que comenzó la carrera espacial fueron y son un cabaret espacial, no son menos verdad que la experiencia psiquedelica y el poder de la mente, la energía y el espíritu de nuestros ancestros que acompañan a misteriosas fuerzas olvidadas con el paso de los siglos. Estamos en los 70s y no os llevéis a la cabeza las manos porque era la época donde las fumadas y las teorías sobre el origen místico de la vida estaban más cogidas de la mano. 



Las tendencias de blues desaparecieron y la banda buscó un tipo de rock progresivo más sinfónico y espacial con algunas influencias folk leves y, en general, un material mucho más complejo que en 1971. Las letras también fueron considerablemente más lejanas y soñadoras que en el debut, encajando bien con la nueva dirección musical. La canción principal de 17 minutos en cuatro partes es probablemente lo mejor que hizo la banda. Hasson introdujo Mellotron, el-piano y algunos sintetizadores espaciales en el sonido de la banda, Joseph cantó mucho más junto con Odell que lo que Gordon fue en el debut. Space cabaret fué su ultimo album. Y si me preguntais que significa CMU la verdad no he conseguido averiguarlo. 


1. Space Cabaret - 1:56
2. Archway 272 - 6:18
3. Song From The 4th Era - 2:21
4. A Distant Thought, A Point Of Light -  6:49
5. Doctor, Am I Normal? - 4:56
6. Dream (Ian Hamlett) - 9:42
7. Lightshine (Leary Hasson) - 10:26
All compositions by Richard Joseph except where stated



*Ian Hamlett - Acoustic Guitar, Electric Guitar
*Larraine Odell - Vocals
*Leary Hasson - Keyboards
*Richard Joseph - Vocals, Guitar, Acoustic Guitar
*Roger Odell - Drums




El label es transatlantic records y la mía es la edición española de 1973.

esta es la edicion italiana de 1973. 
















 nos vamos a extinguir como este cabrón con la mierda de la hipergamia

viernes, 4 de octubre de 2019

Jefferson Airplane - Early Flight (1974 - Grunt Records) 🇺🇸

Fabuloso recopilatorio de 1974 de mano de RCA Records, re edición americana de Grunt Records del mismo 1974, las grabaciones son una mezcla entre temas de estudio y demos de 1965 y 1966, junto con 4 temas de 1970 en la cara b que suenan algo más distintos del resto. La portada parece propia de un disco de "nwobhm" por eso a mucha gente no le convenció pero a mi me encantan esas mierdas; lo adquirí hace dos semanas en discos bora bora, Granada por 15€ y el disco como peculiaridad es especialmente suave, es lo opuesto a 180 gram y forma parte de una época donde se pusieron de moda esos elepés tan sumamente finos y ligeros que parecen de goma. El album salió a modo de despedida casi de la banda que cesó en 1972 y en un año donde la sociedad americana necesitaba más que nunca a los Jefferson, un año en el que la clase media americana despertó tras el escándalo del Watergate y el desastre de Vietnam entre otras cosas, el pueblo supo que ya no podía confiar en la clase política y que Nixon fué un tirano pese a sus intentos de normalizar la seguridad en las calles y estabilizar el país.


canal de este blog


san francisco sketches


La música va desde temas muy beat primigenios de la banda, blues rock muy blusero, ciertos toques rockanrrolescos, algo de folk se va viendo por ahí y mucha psicodelia verde de cuando estaba floreciendo San Francisco; por otra parte lo temas de 1970 muestran incluso un toque más influenciado por Hendrix y su muerte, más power rock sin llegar al hard rock.. incluso me recuerda un poco en ocasiones a Randy Hansen. Pero lo que más destacan en los temás sinfónico y melódicos que tato caracterizan a esta bohemia banda maravillosa de flores, atardeceres y sueños inalcanzables.
La musicalidad y la emotividad esta presente en todo el album, no hay ni un solo tema aburrido. 

*last four tracks are 1970 demos

High Flying Bird

Runnin' Round This World
It's Alright
In the Morning
J.P.P. McStep B. Blues
Go to Her
Up or Down
Mexico
Have You Seen the Saucers?
version alternativa del high flying bird



Marty Balin – guitarra, voz
Paul Kantner – guitarra, voz
Jorma Kaukonen – guitarra, voz
Jack Casady – bajo
Grace Slick – voz en "J. P. P. McStep B. Blues", "Go to Her", "Mexico", y "Have You Seen the Saucers?", piano en "Mexico" y "Have You Seen the Saucers?"

fijaos en la serpiente cósmica del label, una visión muy
recurrente en diversos viajes. Grunt records hahaha
si es que tio me obligan a hacer referencias a Vietnam
macho que hubiesen elejido otros nombres.

Spencer Dryden – batería en "In the Morning", "J.P.P. McStep B. Blues", "Go to Her", "Mexico", y "Have You Seen the Saucers?"
Signe Toly Anderson – voz en "High Flying Bird", "Runnin' Round This World", y "It's Alright"
Skip Spence – batería en "High Flying Bird", "Runnin' Round This World", "It's Alright", y "J.P.P. McStep B. Blues"
Joey Covington – batería en "Up or Down", congas y platillos en "Have You Seen the Saucers?"
Jerry Garcia – guitarra en "In the Morning" y "J.P.P. McStep B. Blues"
John Paul Hammond – harmonica en "In the Morning"


↯↯↯↯↯↯↯↯ (personal vinyl rip) mientras una sesion de setas hahaha como haya salido el rip no se..

1979 marantz amplifier & 1978 japanese
record player without EQ rip full album track


Salurocks!!!

viernes, 27 de septiembre de 2019

Beatles - Abbey Road (Odeon, 1969)


Felices 50 años, Abbey Road
Mi grupo favorito son los Kinks, aunque en mi casa siempre han sonado los Beatles. Obviamente, no han sido los únicos, pero en cuanto a cantidad sí que deben estar en las primeras posiciones. Y en cuanto a calidad, pues qué les voy a contar a estas alturas que no sepan... El caso es que les tengo un cariño enorme, para qué engañarnos, y muchos recuerdos de mi vida no se entenderían sin sus canciones. Así que ahora que se cumplen cinco décadas de Abbey Road, como si hiciese falta una excusa, me apetece dedicarle unas líneas. Vamos allá.
Hay montones de comienzos de discos brillantes: véase el Reckless de Bryan Adams con el One Night Love Affair, el London Calling y Hotel California de los Clash y los Eagles con sus respectivas cancionazas homónimas, el Exile On Main Street con ese Rocks Off que es mi riff favorito de Mr. Richards... y, cómo no, el Come Together con ese "shoot" acompañando a un puñetazo instrumental glorioso. Luego ya si encima lo que sigue a continuación es el Something de Harrison, uno de los músicos más infravalorados de todos los tiempos, pues el delirio es real. Me encantan los momentos rockeros de Paul, y Oh! Darling es una explosión de rock and roll con todas las letras. Hablando de rock and roll en este disco, el tema encargado de cerrar la cara A es el zeppeliano I Want You, uno de los más duros de la trayectoria del grupo, un estallido de heavy antes de que el heavy existiera, un adelanto a su tiempo... una de esas canciones que todavía carecen de una palabra adecuada que las defina.

La cara B arranca con uno de los punteos más bonitos de todos los tiempos, el Here Comes The Sun, una canción capaz de derretir hasta el más heavy de los corazones de fans de, pongamos, Sepultura. Del heavy al aura mágica que desprende el Because, una canción que no deja indiferente a nadie, probablemente resultado de la experimentación con determinada índole de sustancias de dudosa legalidad, que no utilidad. Un excelente preámbulo para el llamado Medley, un conjunto de canciones excelentes que me parecen la prueba definitiva para considerar este disco como una de las tres cimas definitivas en la carrera de los Beatles, junto a Revolver y el doble álbum blanco. Desde el inicio con el You Never Give Me Your Money, pasando por el She Came In Through The Bathroom Window y sin olvidarme de mi parte favorita, ese nexo entre Golden Slumbers y Carry That Weight, me parecen unos minutos directos a la inmortalidad de la música. Dejo la lista de canciones de este discazo por ahí debajo.
Gracias a la vida, que me ha dado tanto. Al fin y al cabo, es lo mismo que decir gracias a Abbey Road...


A1 Come Together = Venir Juntos
Written-By – Lennon-McCartney

A2 Something = Algo
Written-By – Harrison*

A3 Maxwell's Silver Hammer = El Martillo De Plata De Maxwell
Written-By – Lennon-McCartney

A4 Oh! Darling = Oh, Querida
Written-By – Lennon-McCartney

A5 Octopus's Garden = Jardín Del Pulpo
Written-By – Starkey*

A6 I Want You (She's So Heavy) = Te Necesito
Written-By – Lennon-McCartney

B1 Here Comes The Sun = Aquí Llega El Sol
Written-By – Harrison*

B2 Because = Porque
Written-By – Lennon-McCartney

B3 You Never Give Me Your Money = Nunca Me Das Tu Dinero
Written-By – Lennon-McCartney

B4 Sun King = Rey Sol
Written-By – Lennon-McCartney

B5 Mean Mr. Mustard = Mezquino Señor Mostaza
Written-By – Lennon-McCartney

B6 Polytheme Pam = La Sota De Bastos De Politeno
Written-By – Lennon-McCartney

B7 She Came In Through The Bathroom Windows = Ella Entró A Través De La Ventana Del Baño
Written-By – Lennon-McCartney

B8 Golden Slumbers = Sueños Dorados
Written-By – Lennon-McCartney

B9 The End = Fin
Written-By – Lennon-McCartney

Black Sabbath – Never say die! (Warner Bros. records -1978)


Amigos, la grabación de Technical ecstasy en los Criteria sound studios de Miami había supuesto para Black Sabbath un agujero económico considerable, la banda estaba muy metida en drogas y alcohol, las ventas de sus álbumes estaban bajando, tenían deudas con el fisco estadounidense, se habían quedado sin manager –Ozzy, en su biografía, asegura que llegó un momento en el que Bill Ward atendía el teléfono– y las peleas estaban a la orden del día. Ese era el estado de la banda actualmente reverenciada y considerada una de las madres –si no LA madre– del heavy metal. Con Ozzy entrando y saliendo de instituciones psiquiátricas, el grupo tenía que editar YA otro disco para remontar su carrera. Y entonces falleció el padre del vocalista. Eso agravó todos sus problemas y propició que no tardase en abandonar a la banda, quienes contrataron a un tal Dave Walker para componer y grabar este Never say die! que hoy me ocupa. 


Por supuesto, Ozzy regresó al grupo. Nadie habló más del tema, se marcharon a Canadá por una cuestión de impuestos y regrabaron las partes trabajadas con Walker incluso reescribiendo algunos temas que ya estaban finalizados, pero la brecha entre Iommi y Osbourne era ya demasiado grande, tanto que dejaron de hablarse. Para el guitarrista, el disco fue un error y –aunque en la Gran Bretaña tuvo cierto éxito– un fracaso de ventas en los EEUU. Vamos, que el álbum con el dudoso honor de ser la última grabación de Ozzy con Black Sabbath antes de emprender su carrera en solitario era una mierda para todos los involucrados. Sin embargo –y sé que coincido con muchos seguidores de la banda–, a mi me gusta. Y no tengo claro si es porque me trago cualquier cosa que tenga esa voz, esos riffs o esas líneas de bajo o es que esos tipos eran geniales hasta a la hora de grabar basura. Sinceramente, opino que no es tan malo, si acaso algo irregular e incomprendido como su antecesor. Pero claro, también me encanta el Born again así que quizás no deberíais hacerme demasiado caso. Sea como sea, aquí tenéis otro de los vinilos que compré en Generation Records de New York City


Grabado en los Sound interchange studios de Toronto con producción de la banda –seguramente el ingeniero de sonido Dave Harris se ganó el cielo en esas sesiones–, los responsables del álbum fueron Ozzy Osbourne a las voces, Tony Iommi a la guitarra y coros, Geezer Butler al bajo y coros y Bill Ward a la batería, coros y voces en un tema. A los teclados, sin acreditar en la carátula, estaba el gran Don Airey

El track list que podemos encontrar es: 

A 
Never say die 
Johnny Blade 
Junior’s eyes 
A hard road 

B 
Shock wave 
Air dance 
Over to you 
Breakout 
Swinging the chain 


Se inicia la cara A y encontramos Never say die, un temazo enérgico y rápido que –pese a la negatividad que se cernía sobre el grupo– resulta alegre y positivo. Para nada tenemos ante nosotros una obra oscura y doom a lo Vol 4, lo que es de agradecer porque sino el resultado hubiese podido ser muy depresivo. Lo mismo sirve para una estupenda Johnny Blade y su inicio con teclados, que tiene un trabajo de guitarras interesante aunque ciertamente no suena al Iommi clásico. Junior’s eyes tiene un estribillo que me encanta y unas guitarras psicodélicas arropadas por las líneas de bajo de Butler que en el sonido siguen sin sonar a Iommi. De mis preferidas del disco también. Y la última de la cara es A hard road –mi copia es una primera edición norteamericana por lo que la mayoría de vosotros quizás la conozcáis como Hard road, que es como se llamó en Europa–, otro hard rock alegre en el que lo que más suena a Black Sabbath es la voz de Ozzy, precisamente quien estaba a punto de dejar de formar parte de la banda. Musicalmente me parece un hard blues rock psicodélico, si es que tal definición tiene algún sentido para vosotros. Vamos, una cosa rara. 


La cara B comienza con Shock wave, otra de esas canciones que nadie acostumbra a nombrar de los Sabbath y a mi me parece estupenda. El solo de Iommi ya es más en su estilo. Otra que fuera de toda lógica me parece fantástica es Air dance, con ese inicio thinlizzyano, la voz inconfundible de Ozzy, unas guitarras preciosas de Iommi que tocan varios estilos –incluso hay un momento jazzy que me recuerda a Frank Zappa–, todo ello con una base rítmica impagable a cargo de Butler y Ward y unas florituras de piano que le dan elegancia. Over to you tiene un inicio que me recuerda a UFO, lo que para nada es malo pero que da como resultado una canción poco sabbathiana. La que tampoco es sabbathiana –y además sobra del todo en el disco– es la instrumental Breakout, con esas trompetas y saxos. Olvidable a más no poder. Y cierra este Never say die! la extraña y algo anodina Swinging the chain, cantada por Bill Ward porque –harto de la dirección musical que Iommi pretendía dar a la banda–, Ozzy abandonó las sesiones de grabación. 






Aún así, el resultado general es muy aceptable si tomamos conciencia del momento que vivía la banda cuando entró en el estudio para grabar el álbum por lo que creo que hay que reivindicar más este trabajo. En el fondo y con todo lo dicho, es más Sabbath que Seventh Star, estaréis de acuerdo. Pues eso. 

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

Uriah Heep - Head first (Bronze Records 1983)


Tras más de diez años de dar guerra por los escenarios y las orejas de medio mundo, a comienzos de los años 80 Uriah Heep se encontraban en una encrucijada. Sin cantante, el teclista y compositor principal Ken Hensley se largaba junto al carismático bajista Trevor Bolder. El guitarrista Mick Box y al batería Lee Kerslake quedaban como únicos miembros. Tras muchas vueltas, decidieron continuar con el nombre de la banda, más que nada por eso de la fama (que más vale tenerla mala que ninguna) y reclutar a un nuevo equipo. Se decidieron por el cantante Peter Goalby, con un rollo un poco Lou Gramm (Foreigner), al teclista John Sinclair (el tipo acabó tocando con Ozzy Osbourne o The Cult, entre otros) y al bajista Bob Daisley (que había sido despedido por Ozzy y señora). 

Juntos se lanzaron a una aventura que duró poco más de dos años y que se reflejó en dos discos y sus correspondientes giras: Abominog (1982) y este Head first (1983). Ambos discos los produjo Ashley Howe y la banda se monta una colección de canciones donde se mezcla el AOR de radiofórmula predominante en la época (Journey, Foreigner) con buenos riffs metaleros y estribillos polifónicos.

En Head first incluyeron nueve temas y un pequeño corte instrumental. De estos nueve, seis los compone la banda y otros tres personajes ajenos. La inicial The other side of midnight tiene un riff hard y un buen estribillo, con fuerza y excelentes armonías vocales, una constante a lo largo del disco. El siguiente Stay on top resulta un poco extraño con su ritmo sincopado (compuesto por Tom Jackson) pero de nuevo el arreglo vocal salva el tema. Sigue una versión del Lonely nights de Bryan Adams y Jim Vallance, muy acertada, quizá algo excesiva de azúcar. Recuperan fuerza en Sweet talk, con un teclado casi new wave al inicio pero que evoluciona a un tema roquero al estilo de Styx. El cierre de la cara A con una de las mejores, Love is blind (compuesto por Richie Zito, quien se haría famoso  como productor, entre otros, de Heart, White Lion o Bad English); buen rock melódico de gran línea vocal.

La cara B, tras una breve introducción instrumental que no pega con el resto, se adentra en lo mejor de Head first. La veloz Red lights, con el mejor trabajo de Mick Box, y la final Weekend warriors son pura dinamita hard rock. El medio tiempo, algo edulcorado por los teclados, Rollin' the rock (las letras no son la bomba, pero en esta canción ya roza lo ridículo, puro 80s, pero qué pegajosa es) gana con el crescendo final. Y queda uno de los mejores trabajos vocales de Peter Goalby y, quizá, el mejor estribillo, en Straight through the heart (esta la firmaría el mismo Neal Schon).


El vinilo que tengo es una redición de Sanctuary Records, publicada en 2015 sin amor alguno. El vinilo está muy bien prensado, suena a gloria, pero el cartón va justito; tampoco incluye créditos. De la portada original se encargó el ilustrador Peter Goodfellow bajo la tutela artística de Martin Poole. Hay que ver el poco gusto para las fotos de la banda.

Un gran disco del género, que si no conoces deberías poner a girar ahora mismo. 

Pasad buen fin de semana.














Tarque - Tarque (2018, Warner Music Spain)




“¿Este tipo quién se cree que es? ¿Robert Plant?” Sí, lo reconozco. Eso fue lo primero que dije a mis amigos cuando en septiembre del 95 acudí a la Plaza del Pradillo de Móstoles para ver a la Vargas Blues Band y salieron unos tal M-Clan a calentar el ambiente. Y hostia si lo calentaron. Tanto que luego el amigo Javier Vargas me pareció mediocre y aburrido. Y me tuve que tragar mi primera afirmación. Porque el frontman de aquel grupo, desconocido para casi todos en ese momento, no se creía Robert Plant: era un cantante excepcional que en su trayectoria posterior tuvo que aguantar esa odiosa comparación y aún así salió victorioso en esa particular guerra que nos empeñamos todos en declarar. En resumen, en cuanto salió publicado su primer disco me presenté en el Móstoles Rock(la versión mostoleña del Madrid Rock) para hacerme con el CD a un precio promocional de 999 pts. Barato. Y ese disco (y el siguiente) siguen siendo unos de los más pinchados en mi cadena musical.

Pasó el tiempo y pasó mi enamoramiento coincidiendo con su giro a lo comercial. Seguían haciendo buena música pero demasiado enfocada a vender y me cansaba que estuvieran todo el rato en los 40 y radiofórmulas del estilo. Ahora lo veo de otra manera. Qué cojones, tenían todo el derecho del mundo a ganar pasta. El caso es que hasta la segunda década del siglo XXI no volví a reenamorarme. Y así llegamos al vinilo que os traigo este viernes.



Este vinilo es y será especial para mí. Me lo regaló mi pareja en mi último cumpleaños por lo que ya lleva un componente emocional añadido. Y, además, resulta que el primer concierto de rock que he compartido con mis enanas fue el que dio el señor Tarque el 28 de abril del 2019 en el B0ar0ck Fest de Boadilla del Monte desgranando los temas de este LP. Ahora no son conscientes de ello, pero a medida que crezcan, ganará más importancia el tema y siempre podrán contar que, a las 20:30 de aquel día, con un poco de retraso, Carlos Tarque y La Asociación del Riff pasaron a formar parte de su historia personal. Y seguro que se acordarán, de la misma forma que yo aún tengo el recuerdo de hace 24 años de aquellas fiestas mostoloñas. Fue un concierto de rock, de puro rock. Y se lo pasaron genial, bailando con su madre o con su padre, haciéndose fotos, animando sobre los hombros de papá, VIVIENDO lo que es la música y el rock en directo. Una noche inolvidable. Y todas estas emociones son las que fluirán cada vez que saque el vinilo de su carátula de cartón y ponga la aguja sobre él. No se le puede pedir más a un cacho de plástico.

La portada del LP ya es una declaración de intenciones en si misma. Genial la combinación de negro, blanco y rojo y esa cuchilla en la garganta del cantante. Para este trabajo, Carlos Tarque se ha rodeado de grandes músicos. Como productor y guitarrista, Carlos Raya (de Sangre Azul, Fito & Fitipaldis, M-Clan). Para completar la formación de la Asociación del Riff, el bajista Chapo González y el batería Coki Giménez, ambos músicos de M-Clan. Una sección rítmica muy poderosa.
Y el primer corte, “Bailo”, con ese “ey” al inicio ya nos dice que vamos a empezar un viaje por el rock más clásico, pero no por ello menos inspirado.  Estribillo pegadizo y riff de los buenos. Dedicada al alguien que Tarque extraña, con referencias a cómo empezó en esto de la música (“me gano la vida en locales de moteros”), cómo ha pasado el tiempo (“mi cara en el espejo se borró”) y no olvidar esos orígenes (“soy un murciélago buscando amor”). Ah, que se me olvidó contar que M-Clan comenzaron llamándose El Clan de los murciélagos para que esto tenga sentido.



Como este, la mayoría de los videoclips que pondré están grabados en directo, en una sesión especial que hicieron promocionando el disco. Merece la pena invertir vuestro tiempo en ellos.

Continuamos con el trallazo que es “Ahora y en la hora”, con un sonido más duro y pesado. Fue la canción elegida para anunciar el LP. Y aprovecho a contar, para redondear la importancia de este vinilo para mi, que fue el desencadenante de escribir entradas musicales en la página de super7moto y que luego me ha llevado a daros la barrila algún que otro viernes aquí en #FFVinilo. Si tenéis ganas de leer aquello, os dejo el enlace aquí.



La tercera canción es un homenaje al recientemente fallecido Tom Petty: “Heartbreaker”. Canción muy vacilona en la que se cuelan títulos de canciones de Petty y sus Heartbreakers. El propio Tarque anunció la publicación del videoclip mientras reproduce el American Girl en su tocadiscos.



Donde nace el R&R” continúa por la misma senda que estamos siguiendo desde el primer surco: riff potente y temática rockera. Una canción que utilizan para cerrar sus directos. Bueno, al menos los dos en los que he tenido la suerte de estar.



Y para terminar una excepcional cara A, tenemos el enorme cañonazo que es “El diablo me acompañará”, hard rock del bueno, con una letra, como las que llevamos hasta ahora, alejada de las manidas historias de amor y/o desamor. Reminiscencias muy “vaqueras”, la típica canción de “cowboy”. Y el solo de guitarra que se marca Raya es canela fina así como el cambio de ritmo final.



Y comenzamos la cara B con “Lobo solitario” un medio tiempo muy Hendrix, según le escuché al artista en una entrevista. Un pequeño respiro antes de afrontar otra de las joyas del disco a pesar de lo espartana: “Juicio final”. Letra macarra y chulesca, es decir, la esencia del rock. Con un estribillo (“Sólo somos gente normal/ Todos desfilando al juicio final”) para corear en directo. De hecho, os dejo un video en directo, pues aquí Carlos Raya le mete un solo de guitarra final que no está en el disco. Esta actuación la disfruté en el Mulafest, curiosamente el día anterior al concierto que os he contado de Boadilla del Monte (aquí mi critica)



Llegamos al, en mi opinión personal, el corte más flojo del disco. El homenaje a Janis Joplin, Amy Winehouse y Billie Holiday titulado “Janis, Amy, Billie”. Es un homenaje a esos juguetes rotos del negocio musical pero reivindicando la figura de las mujeres. Es mucho menos rockera que el resto del disco. No digo que no tenga calidad, que la tiene. Sólo que no me ha llegado tanto. Pero vamos, ojalá la peor canción de cualquier disco sea “tan mala” como esta.
Volvemos al camino del hard rock con “Electroshock”, un tema más sexual con un retrogusto en paladar a AC/DC



Y terminamos con otro temazo, “Cactus en el corazón” que comienza pausada para al final quemarnos los oídos. Una letra espinosa, sobre los exiliados, sobre las calamidades que pasan para huir de su país y llegar a otro y convertirse en refugiados en tierra de nadie. Un final muy Led Zeppelin, por dar una idea aproximada. Un final perfecto para el final del disco. Os dejo la versión que hicieron en el concierto de Boadilla que vi con mi familia y conté aquí.



Larga vida al ROCK AND ROLL

viernes, 13 de septiembre de 2019

The Runaways – Live in Japan (Mercury -1977)


Sí señores, ¡por fin!, el Live in Japan de The Runaways. Llevaba años persiguiendo este álbum, al que ya había encontrado en algunas ferias vinileras en estados diversos de conservación y a precios bastante altos. Pero ahora ya está en mi poder, en un estado inmejorable y a un precio... bueno, aceptable aunque fue el más caro –de largo– de los que compré en Generation Records, NYC. Y es que con este disco –de mítica portada doble fotografiada por Akiyoshi Miyashita–, The Runaways llegaron a lo más alto, al menos en Japón –Mercury ni se planteó editarlo en los Estados Unidos, al igual que con el posterior debut en solitario de Cherie Currie–, antes de comenzar su declive abruptamente. Con sólo dos discos de estudio en el mercado y tras convertirse en las estrellas del rock que ansiaban, su vocalista –drogadicta aunque aún no tenía ni edad legal para beber– abandonó la banda entre rumores de abusos sexuales, algo que también sufrió su bajista Jackie Fox quien varias décadas más tarde declaró haber sido violada por Kim Fowley ante diversos testigos como Joan Jett y la propia Currie–, que finalmente abandonó también al grupo encontrándose este todavía en Japón en mitad de la gira. 

La banda había nacido tan sólo dos años antes por el afán de Kim Fowley –un oscuro y excéntrico productor y compositor de Los Angeles que incluso llegó a colaborar con KISS– por formar una banda de rok femenina. Para ello reclutó a varias adolescentes –tenían todas entre 15 y 16 años– entre las que estaban Joan Jett y Sandy West, quien junto a Micki Steele –que no tardó en irse y fichar por The Bangles– formaron una primeriza formación del grupo que se completó poco después con Jackie Fox, Lita Ford y Cherie Currie

Entre 1976 y 1977 editaron dos álbumes, mezcla de hard rock, glam rock, classic rock, punk rock y pinceladas de pop comercial que propició su participación en numerosas giras de otros hasta que en 1977 les llegó la oportunidad de tocar en Japón, donde contra todo pronóstico y de manera inesperada, se convirtieron en megaestrellas a la altura de unos Led Zeppelin

Total, que grabado en directo en el Tokyo Koseinenkin Kaikan de Shinjuku y el Shibuya Kokaido con producción de Kent J. Smythe y la propia banda, el line up fue el clásico de las mencionadas Currie a las voces, Jett a la guitarra rítmica y voz solista en algunos temas, Ford a la guitarra y coros, Fox al bajo y coros y West a la batería y coros. 

Y el track list de esta imprescindible obra de la que tengo la edición canadiense –gatefold como la japonesa, pero sin las fotografías ni notas biográficas de aquella– fue el que sigue: 


A 
Queens of noise 
California paradise 
All right you guys 
Wild thing 
Getting’ hot 
Rock & Roll 

B 
You drive me wild 
Neon angels on the road to ruin 
I wanna be where the boys are 
Cherry bomb 
American nights 
C’mon 


El peazodisco comienza con Queens of noise, himno del por entonces recién editado álbum del mismo nombre. Le sigue la impresionante California paradise, enérgica y guitarrera, puro hard rock. All right you guys es un sencillo hard rock que queda eclipsado entre los dos temazos en los que está, al que le sigue la icónica Wild thing de Chip Taylor, la contribución en la voz solista de West, un tema que ya cantaba cuado Fowley la puso en contacto con Jett. Es un tema sencillito y repetitivo construido alrededor de un riff que Ford viste con su solo. Gettin’ hot es super hardrockera, con un riff de reminiscencias sabbathianas y Rock & Roll es una canción de la Velvet Underground compuesto por Lou Reed, cantado aquí con ese descaro entre poppy y punkarra de Cherie Currie


La cara B comienza con You drive me wild, un rock entre clásico y con regusto a Marc Bolan, compuesto y cantado por Joan Jett con esa actitud tan suya y con un trabajo de Ford más que aceptable. Neon angels on the road to ruin es otro hard rock marca de la casa, con un estupendo trabajo de Ford a la guitarra, y esa mezcla de pop y punk a la hora de cantar de Currie. I wanna be where the boys are –curioso título para un grupo de lesbianas, según ha afirmado Ford explicando que por unos días decidió dejar la banda asustada por el tema– sigue la misma tónica, con una Jett berreante sobre una melodía mezcla de Motörhead y Ramones. Cherry Bomb es EL TEMA, mítico como él solo, sobre el que sobran las palabras. No hay nada más que añadir. American nights –de su debut homónimo del 76, como la anterior– es otro típico tema de la banda, enérgico y repetitivo. Y pone el punto final C’mon, otra composición en solitario de Jett, muy a lo Ramones, que esta vez canta Currie. Un temazo que rezuma cuero y sudor, con un buen trabajo de Ford y unos coros que le aportan esa pincelada poppy que de tanto en tanto dejaban escapar estas chicas. 


Y ya está, amigos. La verdad es que se hace corto, muy corto, con algunos temas que no llegan ni a los 3 minutos, es uno de esos discos que cuando acabo de escuchar, siempre me vuelvo a poner (por fin en vinilo tras años de tirar de Spotify). Total, que –como os he dicho al principio– me hace especial ilusión tener por fin este álbum y espero que, si no lo conocéis ya –cosa bastante improbable– le prestéis atención. 






¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla