El final de la escritura y la
publicación de mi libro “La luz interior de George Harrison” en mayo de este
año 2021 ha traído de nuevo la curiosidad de explorar en carreras de otros
grupos a los que nunca había prestado atención, como es el caso de Queen. Con
el propósito de hacer un nuevo viaje musical comencé a escuchar la discografía
de la banda, aunque de momento me he quedado enganchada en su segundo trabajo, un
disco de esos que no se puede dejar de escuchar una y otra vez. Tanto me ha
gustado que he adquirido una copia del mismo y me encuentro escribiendo esta
reseña, gracias a la que he regresado a la Comunidad de #FFVinilo después de
más de un año de ausencia en el que me he dedicado por completo a la carrera y
figura de George Harrison.
El segundo disco de Queen,
titulado simplemente Queen II, supuso el despegue en
listas de la banda, tras un primer álbum que había pasado algo más
desapercibido. Con los años se ha convertido tal vez en un disco no demasiado
conocido, tal vez subestimado, pero sin duda es uno de los trabajos preferido
por los fans de Queen, que con los años ha ido ganando posiciones como disco de
culto. La crítica considera que se trata de un trabajo en el que se asientan
las bases de lo que sería la música de Queen hasta la década de 1980, cuando se
desviaron hacia estilos como el pop rock, dance, funk o R&B. Para la
grabación de Queen II el grupo insistió
en que Trident Studios les diera la opción de grabar en horas de trabajo en
lugar de durante el tiempo de inactividad del estudio, como había sucedido con
el primer álbum, lo que les facilitó la labor y les dio la posibilidad de
experimentar con nuevas técnicas y sonidos.
Queen II fue publicado en marzo de 1974 por EMI Records. Grabado entre
los Trident Studios y Langham 1 Studios, está considerado como el álbum más heavy de Queen. En él se combina el rock
duro con el progresivo y el glam, junto con un ambiente grandioso y dramático
muy del gusto del grupo. No fue un álbum conceptual, como explicaba Freddie en
el libro Freddie Mercury: Su vida contada
por él mismo, de Greg Brooks y Simon Lupton: “En este álbum no había ningún
significado profundo ni ningún concepto. Durante la grabación lo pensamos de
manera impulsiva. Escribí una canción para el disco, “The March of the Black
Queen”, y fue entonces cuando tuvimos la idea de tener una cara blanca y otra
negra, reflejando un estado de ánimo luminoso y otro oscuro. Supuso un buen contraste”.
Efectivamente, el disco tiene una cierta unidad derivada de la fantasía, que
prima como temática de las canciones y del concepto utilizado para nombrar las
dos caras del disco, Side White, considerada más emocional, y Side Black, donde
prima la fantasía. Cuatro de los cinco temas de la cara Blanca pertenecen a
Brian May y el quinto a Roger Taylor. La cara Negra está íntegramente compuesta
por Freddie Mercury. Hay que señalar que por entonces John Deacon aún no había
empezado a componer. La estructura y concepto del disco representa de alguna
forma la encarnizada “batalla” compositiva que se libró entre Brian May y
Freddie Mercury.
La inolvidable fotografía de
portada es obra de Mick Rock, un reconocido fotógrafo que también trabajó con
T. Rex, Syd Barrett, Lou Reed o Iggy Pop y al que se considera el “fotógrafo
oficial de la música de los setenta”, en especial por su trabajo junto a David
Bowie en la época de Ziggy Stardust. Se cuenta que la pose de los cuatro, en
especial la colocación de las manos de Freddie, está inspirada en la famosa
imagen de Marlene Dietrich en Shanghai
Express, película de 1932, dirigida por Josef von Sternberg, una de las más
icónicas de la diva alemana. Siguiendo el juego de la dualidad entre el blanco
y el negro, Rock les inmortalizó con vestuario blanco sobre un fondo blanco,
imagen también usada en el disco y en algún single. El concepto de la foto de
portada fue retomado posteriormente por Queen en el video de “Bohemian Rhapsody”
para el disco A night at the Opera.
El grupo reconoció en numerosas
ocasiones la influencia que tuvieron en este disco grandes bandas de la época:
“Led Zeppelin y The Who probablemente estén en Queen II en algún lugar, porque estaban entre nuestros grupos
favoritos, pero lo que estamos tratando de hacer de manera diferente a
cualquiera de esos grupos es este tipo de sonido en capas”, reconocía Brian May
en el libro de Mark Hodkinson, Queen: The
Early Years, editado por Omnibus Press en 2004. Como anécdota, Queen colocó
en el disco el aviso: “No Synths” como respuesta al periodista musical Chris
Wels que había elogiado en la revista británica Melody Maker el trabajo de la
banda con los sintetizadores, cuando en realidad se trataba de incontables
sonidos de guitarra superpuestos. Aquello enfureció a la banda, en especial a
Brian May, que había trabajado muy duro para conseguir ese efecto. Como una
broma, pero picados por la crítica, la banda colocó aquella etiqueta, que
aparecería también en los álbumes Sheer
Heart Attack y A Night At The Opera.
Queen no utilizaría sintetizadores hasta la década de 1980, a partir de su
undécimo álbum, The Game. Un caso
curioso en el que se llevaron los efectos sobre la guitarra realmente lejos es
el de la canción “Get Down, Make Love” del álbum de 1977 News of the World,
donde aparece un solo (que recuerda a la música de los juegos de marcianitos) que
May ejecutó con la guitarra y un pedal Electroharmonix Frequency Analyzer. Con
respecto al puntilloso trabajo instrumental que ofreció el grupo en el disco,
el periodista Daniel Ross afirmaba: "Dondequiera que escuchen tus oídos, hay
un sonido que no pueden explicar”. Queen siguió experimentando en discos
posteriores, pero Queen II “Es mito,
es ópera; es un concurso de bravuconería y una constante exhibición de genio
deslumbrante”, concluía Ross. En el vinilo de Queen II que tengo en casa
aparece la siguiente leyenda: “(…) and nobody played synthesizer… again”.
Estas son las canciones que
componen Queen II:
Side White
“Procession”. 1:12. Esta breve
pieza instrumental de Brian May supone el comienzo del disco con latidos de
corazón y guitarras, además de cuerdas con reminiscencias de la ELO, que dan
paso sin interrupción al siguiente tema.
“Father To Son”. 6:14.
Composición de May, con una épica que la acerca a momentos de Tommy, la
ópera rock de The Who. El estupendo trabajo de Brian May a la guitarra le
confirma como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Este largo
tema de seis minutos se enlaza a con la siguiente canción.
“White Queen (As It Began)”. 4:34. Una
de las preciosas baladas que contiene este álbum, compuesta por Brian May. En
la canción destacan unos evocadores coros, el gran trabajo de May con la
acústica, en especial en el breve solo con reminiscencias orientales que
recuerdan al sitar. Con el tiempo, su autor contó que se inspiró en una
compañera de estudios para componerla. La Reina Blanca de May pone el
contrapunto a la Reina Negra de Mercury que aparece en la otra cara.
“Some Day One Day”. 4:23. Este tema
de reminiscencias folk, compuesto y cantado por Brian May, destaca por la
profusión de guitarras, tanto acústicas como eléctricas, todas tocadas por él
con su habitual maestría.
“The Loser in the End”. 4:02. Esta
potente canción con toques glam es la única compuesta y cantada por Roger
Taylor en este disco, con un tono que recuerda por momentos a Robert Plant.
Taylor también se encargó de tocar la marimba. Una agradable sorpresa, aunque
hay parte de la crítica que critica que fuera incluida, ya que no cuadra con el
resto de canciones del álbum.
Side Black
La desbordante fantasía de
Freddie Mercury se reveló en todo su esplendor en la siguiente cara, donde
todas las canciones están compuestas por él. Batallas de ogros, personajes de
cuento, reinas oscuras, hadas y reinos míticos, que habitan una música compleja
y llena de detalles y matices, efectos, armonías vocales y un absoluto dominio
instrumental. Una cara intensa, oscura y enigmática.
“Ogre Battle”. 4:10. Escrita por
Freddie Mercury en 1971, no fue grabada hasta este disco. La canción que abre
la cara dedicada a la fantasía, arranca con el final del tema reproducido al
revés, junto con un potente riff de guitarra y los grandiosos coros habituales
en Queen. Los efectos de sonido, coros, batería y guitarra simulan la batalla
de ogros que da título a la canción. Su atronadora energía hace que en cada
escucha resulte más impresionante. Los efectos de sonido, confundidos con
sintetizadores, fueron realizados por Brian May con su guitarra Red Special,
conocida también como The Fireplace o The Old Lady. Fue construida entre 1963 y
1964 por el propio Brian con la ayuda de su padre, Harold May, ingeniero
electrónico, y Brian lo hizo en parte por el elevado coste que tenía para él
una guitarra Fender o Gibson, pero también como desafío para lograr lo que él
consideraba el instrumento perfecto. En el libro Freddie Mercury: Su vida contada por él mismo, Freddie recordaba
que para esta canción usaron un gong enorme: “Era incluso más grande que el que
utilizaban Pink Floyd en directo, ¡y se necesitó toda la fuerza de Roger tan
solo para levantar el mazo!”.
“The Fairy Feller’s Master-Stroke”. 2:40.
Una canción de rock progresivo con cierto aire de cuento, escrita por un
Freddie inspirado por el cuadro del mismo título, pintado por Richard Dadd, que
puede visitarse en la Tate Gallery de Londres. Dadd fue un pintor inglés que
vivió en el siglo XIX, cuya obra, de inspiración fantástica y onírica, está
plagada de hadas, gnomos, elfos y duendes, con un sentido del detalle casi
obsesivo. Gran parte de su obra la pintó mientras estaba ingresado en un
hospital psiquiátrico, en el que había sido recluido por asesinar a su padre,
al que consideraba un “príncipe de las tinieblas”. Freddie reconocía que había
sufrido cierta obsesión con esta obra y con la figura de Dadd. Así, escribió una
letra en la que hacía referencia directa a las situaciones que se detallan en
el cuadro y en el poema que escribió el propio Dadd para acompañar la pintura,
y donde aparecen personajes como Queen Mab (según el folclore británica un hada
que mediante hechizos gobierna los sueños), Waggoner Will, Tatterdemalion o Titania
Oberon y (la reina y el rey de las hadas). En este tema Freddie toca el piano y
el clavecín, reforzando el aire de cuento de una canción que termina con una
armonía vocal entre Mercury, May y Taylor. Las voces fluyen hacia el piano
tocado por Freddie que se funde con el comienzo de la siguiente pista.
“Nevermore”. 1:20. Esta breve
balada, romántica y dulce, habla sobre los sentimientos que surgen después de
un desamor. Preciosa y altamente emocional, se vale de elementos de la naturaleza,
como el mar, la lluvia, la brisa, el valle, los rayos de sol, para construir
acertadas imágenes.
“The March of the Black Queen”. 6:33. Otra
larga canción, de seis minutos y medio en este caso, que está considerada una
precursora de “Bohemian Rhapsody”. Esta compleja pieza llevó varios años a
Freddie hasta que pudo completarla. Según explicaba, había empezado a
escribirla incluso antes de que Queen se formara. Para los entendidos en
técnica musical, la canción contiene dos escalas al mismo tiempo para completar
un maravilloso derroche compositivo y de interpretación musical y vocal, en la
que Freddie se ve ayudado por Roger Taylor. Compuesta por diferentes partes y
cambios de tempo, es otra muestra del gusto de Freddie en aquella época por los
cuentos de hadas con un toque oscuro y significado oculto, una “excursión a
esas zonas extrañas” que tanto le gustaban a Freddie, en palabras de Brian May.
Grabar esta canción fue todo un desafío para las técnicas de grabación que
había en la época y el grupo contaba que de tantas sobregrabaciones la cinta se
volvió “transparente” porque el óxido casi desapareció. Por su complejidad
nunca fue tocada por completo en vivo. Sin duda, una de las obras maestras de
Queen, menos conocida de lo que merece y que sentaría las bases de su opus magnum, el tema “Bohemian Rhapsody”.
“Funny How Love Is”. 2:50. Se
cuenta que Freddie compuso la canción en el estudio, mientras grababan el
disco. Producida bajo las técnicas del muro de sonido que recuerda a las
grabaciones de Phil Spector, contiene un bonito juego de armonías vocales.
“Seven Seas of Rhye”. 2:50. Freddie
Mercury empezó a escribirla antes de entrar en Queen. Según contaba el propio
Brian May, completaron juntos la canción, aunque en el álbum aparece acreditada
sólo a Mercury. Referida a un reino de fantasía, Rhye, finaliza con las dos
primeras frases del coro de la vieja canción de music hall “I Do Like To Be Beside the Seaside”, compuesta a
inicios del siglo XX. La parte del piano me recuerda a la interpretación de
Elton John en “Pinball Wizard”, para la película basada en la ópera rock de The
Who, Tommy. Fue el tercer sencillo de la banda y el primero en entrar en
listas. El tema cuenta además con la interpretación de Roy Thomas Baker al
estilófono, un teclado analógico en miniatura que funciona con un lápiz óptico,
inventado en 1967 por Brian Jarvis. Según el foro Amino, dedicado a Queen, el
reino de Rhye fue una invención de Freddie y su hermana Kashmira, cuando eran
niños, un reino que tiene una gran variedad de animales fantásticos, desde
caballos voladores hasta monos azules. El reino de Rhye también es mencionado
en la canción "Lily of the Valley" y se hace alusión a este lugar de
fantasía en los temas “Great King Rat”, “Mad The Swine”, “My Fairy King”, “Ogre
Battle” y “The March of the Black Queen”. Sobre este tema, en el libro Freddie Mercury: Su vida contada por él
mismo se recogen estas palabras de Freddie sobre “Seven Seas of Rhye”: “Es
sólo pura ficción. Sé que es como salirse por la tangente, o dar una respuesta
fácil, pero es sólo eso. Era tan solo producto de mi imaginación. En esa época
estaba aprendiendo mucho sobre cómo componer canciones, cosas como la
estructura de la canción. Aprendía técnicas diferentes todo el tiempo”. Según
se cuenta, la idea del grupo era abrir el disco con “Seven Seas of Rhye”, pero
finalmente se decidió dejarla para cerrar el álbum. La interpretaron en su
aparición en el programa Top Of The Pops en febrero de 1974, una oportunidad
que les llegó “de rebote” tras la cancelación a última hora del mismísimo David
Bowie. Según se cuenta, la BBC destruyó muchas de estas grabaciones, pero un
fan ha rescatado diferentes clips en blanco y negro y color para recomponer
aquella mítica actuación. Un ya carismático Freddie, vestido de satén negro con
un cinturón de cadenas, se come la pantalla. La canción se sacó como single en
febrero de 1974 aprovechando el tirón de la actuación televisiva. No
consiguieron llegar al número uno, se quedaron en el número 10 en la lista de
singles, por lo que no pudieron alcanzar el éxito internacional que la banda
esperaba.
Épico, sin complejos, un disco
tremendamente emocionante, con una grandiosidad que alcanza cotas magníficas
según avanza la escucha y que se ha ganado por derecho propio estar en la cima
de los discos de rock imprescindibles de la década de 1970. Como curiosidad,
compré mi copia en la Feria Internacional del Disco celebrada en Madrid en
plena pandemia de COVID. El vinilo tiene impresa la foto de portada por una
cara y el logo de Queen en la otra. Una copia a la altura de un disco
majestuoso como es Queen II.
