Barclay James Harvest - Gone To Earth (1977 - Polydor) 🇬🇧

Hoy traigo una corazonada fallida que tuve la semana pasada vi este disco en una tienda de segunda mano llamada Mondo Vinilo en Granada y bueno me gustó tanto la portada y tenía tan buena pinta que por 14€ me la jugué, no conocía en absoluto la banda y el dependiente me dijo que eran muy muy heavys.. a ver no me arrepiento de haberlo comprado es un buen album pero no es heavy para nada ni siquiera hard rock, es puro rock progresivo medio AOR de finales de los 70s cercano a ese típico pop-prog de la época con temas muy líricos jajajaja. No se como son los antecedentes de la banda se que se formaron en los 60s y tienen una extensa discografía donde llegaron a trabajar mucho el psych y el rock sinfónico hasta 1974 cuando llego su etapa de climax y éxito; quizás sus otros albunes sean más duros pero este, su más famoso elepé "Gone To Earth" es el típico disco prog aor de la época con mucha importancia en las letras de los temas que si bien intentan ser bastante poéticas no dejan de ser pop rock. Pensaba que iba a ser como mínimo un gran disco de prog o rock espacial. Y por la edición del disco (alemana9 pensaba que quizás sería kraut jajajaja

Side one
No. Title Writer(s) Length
1. "Hymn" John Lees 5:06
2. "Love is Like a Violin" Lees 4:03
3. "Friend of Mine" Les Holroyd 3:30
4. "Poor Man's Moody Blues" Lees 6:55

Side two
No. Title Writer(s) Length
1. "Hard Hearted Woman" Holroyd 4:27
2. "Sea of Tranquility" Woolly Wolstenholme 4:03
3. "Spirit on the Water" Holroyd 4:49
4. "Leper's Song" Lees 3:34
5. "Taking Me Higher" Holroyd 3:07

Esta vez traigo una crítica algo simple porque ya digo no es un disco del que haya mucho que hablar, esta bien, esta entretenido tiene mucho sinte, algun que otro ritmo pegadizo pero no deja de ser AOR. Es un album muy generacional para quien vivió en Inglaterra durante esa época, y la mitad del contenido de esta pieza musical se basa en la importancia de las letras. Otra cosa que me ha encantado y en eso si les doy un 10 es el diseño de la portada.. bastante bueno y único.

Salurocks ↯↯↯↯↯↯ (ask me for the link) esta vez no pongo enlace porque ya digo, me ha gustado pero tampoco es para tanto, si estáis muy interesados ponédmelo en los comentarios, mandadme un e-mail o habladme por rrss @marineveteranm4 y os paso el album editado como queráis vinyl rip si hace falta pero solo si alguien me lo pide. 

The Cult "Ceremony" (1991)

Con Sonic Temple, The Cult finalmente lograban la aceptación comercial masiva que tanto habían ansiado durante tanto tiempo. Desde luego Sonic Temple es uno de los mejores discos de la banda, repleto de verdaderos himnos hardrockeros. No lo tenían nada fácil tras semejante éxito, pero The Cult es una de esas bandas que se reinventa y resurgen triunfantes de las cenizas cada cierto tiempo...y con Ceremony volvieron a conseguirlo. 

Praxis – Praxis (1987-Sonodisc)

De izquierda a derecha, Arturo Julián, batería, Alejandro Morante, guitarra solista, rítmica, José Ferragud, voz, Miguel Molina, guitarra rítmica y José Plá, bajo. Ellos son PRAXIS.

The Deviants - Ptooff! (1967 - Private Press 🇬🇧)

La crítica de abajo es del año pasado de mi blog, la hice sin tener aún el elepé así que he cogido esa misma entrada y la he puesto debajo dejando así esta cabecera de entrada para los detalles concernientes al LP. Dificil de pillar original (es un disco de estos que original cuesta 200€) pero existe la reedición del record store day 2018 por unos 20pico euros que es la que yo tengo, 180 gram e imitando al private press original con la funda que es un póster plegable de un cómic que francamente no se si existe de verdad. En 1969 Decca sacó una edición normal de este album, cuando la banda ya había sacado otros dos. 

canal y edicion de mi blog where the buffalo roam 

Hoy me quito el sombrero para traer una delicia británica muy americana sonido puro Detroit garage con Mick Farren a la guitarra, uno de los discos más importantes en el origen de la psicodelia en UK, del abstracto y el absurdo más lisergico, un debut descerebrado como temática conceptual y base contracultural de su música hasta su disolución a principios de los 70s en la era proto-punk de Pink Fairies, Hawkwind y los primeros motorhead. Ptooff ha sonado en mi cabeza más de una vez en viajes psicodelicos que he tenido siempre aunque no lo escuchase, es un album que de alguna manera ha calado mucho en lo más profundo de mi es como si me trajera reminiscencias de una infancia extraña típicas de la psicodelia sacando la parte más animal y humana de todos; en resumen es un disco que supo trasladar muy bien las ideas del ácido a la música representada a través de blues, rock sinfónico y mucho fuzz saturante; No fué un grupo muy destacado de su época, es totalmente underground pero yo lo calificaría como una de las joyas vitales más importantes de los 60s. Tanto este album como los demás tienen en común sobretodo la critica socio-política pero desde luego este es el más garage y beat de todos. ¿Se podría decir que este disco me cambió la vida? Casi xDD.

Este album fué la respuesta británica al underground del ácido americano en Detroit.

Las letras del album son bastante sucias y guarras
la obscenidad como ya dije es casi la conceptualidad
del elepé.

Frente al periodista / autor / niño salvaje Mick Farren, los Deviants engendraron esa realidad. Con el paso de los años, tres ex miembros se convertirían en Pink Fairies; para reuniones subsecuentes, diversas ex-Hadas se convertirían en Deviants honorarios. Y a pesar de que solo Russell Hunter está presente en Ptooff !, todavía puedes escuchar los preparativos. las Hadas Rosadas bien podrían haber sido la banda británica más perfecta de los primeros años 70, y los Deviants eran sus padres disfuncionales. En verdad, Ptooff! hoy en día suena tan aterrador como en su tiempo; demasiadas reediciones, la mayoría de ellas ahora tan escasas como el disco original lanzado independientemente, han atenuado su efecto, y además, los propios álbumes posteriores del grupo hacen que este se vea como un perro cachorro. Pero la reescritura psilocibica desorganizada de "Gloria" que abre el álbum, "I'm Coming Home", sigue presentando una escena aterradora, un mundo en el que el Top 40 pop está terriblemente sesgado, y el sonido de los Deviants moliendo su deforme R & B classics es el último sonido que escuchará. Pase a "Basura", y aunque la deuda de los Deviants con ambos períodos Zappa y Fugs es inconfundible, aún hay una pureza para la paranoia. ¡Ptoof! se concibió en un momento en el que realmente había una brecha generacional, y los hippies eran un blanco legítimo para cualquier matón de derecha con un sombrero de policía y una porra. IT y Oz, las dos revistas underground que más hicieron para apoyar a los Deviants (Farren escribió para ambos), fueron públicamente reventadas durante la vida de la banda, y ese miedo impregna este disco; miedo y desafío cruel. Serían dos años, y dos álbumes más, antes de que los Deviants finalmente publicaran su manifiesto en toda su gloria lujuriosa - "somos la gente que pervierte a tus hijos" - durante el tercer álbum homónimo, "People Suite". Pero ya, la intención estaba allí. Traducido de BordelDoRock

Respecto a los viajecitos la verdad es un disco muy duro y oscuro para viajar con él, hay que tener cuidado puede inducir a un mal viaje yo la ultima vez, viaje con este disco y no pude acabarlo xDD aunque en general digo desde ya que los viajes se van a acabar porque desde la última vez tengo flashbacks considerables y e veo obligado a dejar de consumir para siempre o hasta dentro de mucho.

1. Opening (S. Bishop, M. Farren, R. Hunter, C. Rees, S. Sparks) - 0:08

2. I'm Coming Home (Sid Bishop, Mick Farren, Russell Hunter) - 5:59

3. Child Of The Sky (Farren, C. Rees, Hammond) - 4:32

4. Charlie (Sid Bishop, Mick Farren) - 3:56

5. Nothing Man (M. Farren, Moore) - 4:21

6. Garbage (Sid Bishop, Mick Farren, Russell Hunter) - 5:36

7. Bun (Cord Rees) - 2:42

8. Deviation Street (Mick Farren) - 9:01

*Mick Farren – Lead Vocals, Piano

*Sid Bishop – Guitar, Sitar

*Cord Rees – Bass, Spanish Guitar

*Russell Hunter – Drums, Vocals

*Duncan Sanderson, Stephen Sparkes, Ashworth - Vocals

↯↯↯↯↯

Salurocks!!

The Vaughan Brothers - Family style (Sony 1990)

Los hermanos Jimmy y Stevie Ray Vaughan, después de pasearse por escenarios y estudios durante varios años, consiguieron, finalmente, grabar juntos un álbum, que se publicó apenas un mes después de la muerte de Stevie. Los hermanos no se complicaron la vida. Buscaron a un productor de confianza (Neil Rodgers), a músicos amigos para el estudio y repartieron las labores compositivas. Cuatro instrumentasles, cinco composiciones propias cantadas y una versión. Stevie se encarga de tres y Jimmy de otras tres. Reparten las labores guitarreras también, logrando un divertido y equilibrado álbum que se deja escuchar sin mucha gloria ni malabarismos. No es un álbum de blues característico, si no que decidieron ser frescos, libres, jugar con sus guitarras y pasar un buen rato juntos.

Hard to be con sus vientos (ese saxo), Telephon song y Long way from home son las más acertadas y las instrumentales Hillbillies from outerspace (con una estupenda steel guitar) y Brothers son los instrumentales más acertados.

Esta redición de 2015 a cargo de Music On Vinyl viene muy completa y con un acabado de calidad. La verdad que todas las ediciones de Music On Vinyl que tengo son estupendas.

Un disco para echar el rato. Pasad buen fin de semana.

Jean-Michel Jarre – Oxygène (Disques Motors-1976)

En efecto, amigos, este álbum no es de los típicos que podéis encontrar en mis entradas, ni por género ni por época. Sin embargo, es uno de los que más años lleva conmigo. Me refiero, como véis, al megaicónico Oxygène del no menos mítico músico francés Jean-Michel Jarre, hijo del compositor de memorables bandas sonoras Maurice Jarre. Aparecido en 1976 –aunque yo tengo la edición española del año siguiente–, fue grabado por un aún veinteañero Jean-Michel en su propio piso. Más accesible que el de sus coetáneos Kraftwerk, mucho más fríos, el sonido que Jarre imprimió a su opera prima a nivel masivo –ya hábía hecho algunos trabajos previamente pero este álbum supuso su lanzamiento internacional– le proporcionó estupendas críticas y unas ventas aplastantes que ni él mismo se había imaginado. 

Con portada de Michel Granger –un regalo de la actriz Charlotte Rampling al músico, por entonces su pareja– que en realidad inspiró toda la obra y con Jarre tocando el Melotrón, sintetizadores Eminent, AKS, VSC 3, RMI, ARP y un órgano Farfisa –por cierto, no tiene nada que ver pero documentándome he visto que la marca italiana Farfisa acabó convirtiéndose en un referente en el mundo de los porteros automáticos, ahí es nada–, el track list del álbum fue: 

A 

Oxygène Part I 

Oxygène Part II 

Oxygène Part III 

B 

Oxygène Part IV 

Oxygène Part V 

Oxygène Part VI 

En cuanto a los temas, evidentemente no os hablaré de ellos individualmente ya que opino que este álbum –al que me resulta imposible no amar– debe disfrutarse entero, de pe a pa y a poder ser con auriculares. Es un hito de la musica de sintetizadores atmosferica que –al menos en mi caso– le traslada a uno a universos sensoriales que otros géneros como mi amado metal en todas sus excitantes variantes es incapaz de llevarme, las cosas son así. 

El éxito de Jarre continuaría con Equinoxe –con un segundo movimiento muy emparentado con su predecesor oxigenado– o Les chants magnetiques, una etapa que culminaría con una serie de conciertos multitudinarios en China que se plasmarían en el imprescindible álbum doble The concerts in China –que tuve en casette y del que desgraciadamente sólo conservo la segunda parte– y le convertirían en un músico millonario todos los sentidos. 

Más tarde llegó Zoolook, aunque yo ya estaba muy metido en el hard ‘n heavy y sólo recuerdo el tema homónimo y su fascinante vídeo dirigido por Jean-Pierre Jaunet y Marc Caro, responsables de cintas imprescindibles del moderno cine francés como Delicatessen y La ciudad de los niños perdidos. Desde entonces ignoro qué es lo que ha compuesto o grabado Jean-Michel Jarre, pero para mi siempre será uno de los músicos que formaron parte de la banda sonora de mi vida. 

Cierro el aporte con la grabación completa del disco y con el clip del último tema de su obra de 1982 The concerts in China, que durante años me hizó llorar y que aún hoy me provoca un nudo en la garganta. 

¡Feliz viernes! 

@KingPiltrafilla

MUDDY WATERS "ELECTRIC MUD" (1968)

Tengo en alta estima este disco de Muddy Waters publicado en el año 68. Lógicamente, mi copia, la tengo en casa y en vinilo, como ha de ser.

Soy Sanfreebird, melómano y enfermo del blues rock que se parió en los años 70. Y esta es mi primera entrada para este blog (pueden levantarse y aplaudirme). Agradezco la invitación recibida de sus administradores. Vamos a ello.

Justo cuando la fiebre de artistas de blues norteamericanos que habían enamorado a los teenagers británicos llegaba a su fin, el sello Chess le propone a Muddy grabar un temario mezclando psicodelia y blues. Muddy no quedó contento tras escuchar la grabación. Consideraba que la electrificación y sobre todo el guitarra solista del combo de acompañamiento en cuestión para ese disco (la “Rotary Connection”) parecía “literalmente”, un gatos callejeros peleándose, o quizás herido. Visto en perspectiva es normal pensar que el propio oído del talentoso Muddy Waters no estuviera acostumbrado a ese sonido tan imperante por la época (para citar unos ejemplos, Cream, Zeppelin que justo en ese 1968 grabaron su primer álbum del que se cumplen ya 50 años). Ese tono rural de los temas de Muddy originarios había desaparecido por completo y eso, al bueno de Muddy le sobrecogió. 

Fue el sello de Chess Record quien propuso a Muddy Waters grabar ese álbum con esa banda de acompañamiento y mezclar el blues con la psicodelia. Para un servidor, ese es uno de los vinilos más preciados de Muddy. Puedo reconocer que el espíritu o llámenle, la esencia del artista puede quedar tapada por los músicos que lo acompañan. Realmente, “Electric Mud”,que considero es un discazo, no puede definirse como un álbum propiamente de Muddy Waters. Pero esa es quizás la gracia del álbum. El sello quería relanzar la carrera del artista y pensó en modernizar el sonido. De traca la intepretación del “Let’s Spend the Night Together” versionando a los Rolling Stones. Curiosa también la interpretación del clásico “Mannish Boy” llena de Groove, de atmósferas y sí, psicodelia. O “I am your hoochie coochie man”, una de las versiones más raras que habréis oído jamás que incluso acercan el tema, al jazz fusión. 

Hay que pasar por caja y adquirir ese trabajo.

Belive me!

It's A Beautiful Day - Selftitled (1969 - CBS) 🇺🇸 [Copia promocional 1972/cbs/usa]

A saber como habrá llegado este disco a España

Ya se que vosotros sois más de vuestra generación y del metal ochentero pero para eso estoy yo en FFvinilo jajaja para traeros las cosas que no conocíais de la generación de vuestros padres o en mi caso abuelos. It's a Beautifil Day es una banda más del regazo de Bill Graham en la costa oeste de EEUU, fundada en 1967 lanzaron este marvilloso debut album conceptual de puro rock sinfónico y blues progresivo en una grabación impecable incluso para la época, 1968. It's a Beautiful Day no fue menos memorable por su estilo de rock progresivo único que contrastaba con la escena psicodélica de Bay Area, San Francisco. Dirigida por David LaFlamme (flauta / violín / voz) y su esposa, Linda LaFlamme (teclados), la unidad de seis piezas de este álbum oscila entre piezas ligeras y etéreas como el corte inicial, "White Bird", al más pesado, influenciado por el rock progresivo "Bombay Calling" (versión original del Child in Time de Deep Purple). Una de las características más distintivas de It's a Beautiful Day es su instrumentación. La prominencia de David LaFlamme, ex solista de violín de la Sinfónica de Utah y miembro original de Dan Hicks & His Hot Licks, agrega un refinamiento al sonido de It's a Beautiful Day. Del mismo modo, las intrincadas melodías, compuestas en su mayoría por La Flammes se estructuran en torno al inmenso virtuosismo de la banda, un ejemplo principal es la exquisitamente inquietante clave "Girl With No Eyes" letras como "... ella es solo un reflejo de todo el tiempo que he estado en lo más alto", señalan bastante sinceramente la naturaleza alucinógena de las influencias de la canción, sino de la banda. Pero lo que más me gusta de este album es obviamente su música en sí más que las letras, eran unos bohemios hippies felices que querían transmitir esa paz y armonía en un país donde había caos. 

El album a veces tiene cierto toque barroco con el uso de clavicordio a lo Renaissance, y en la cara 2 os va a recordar mucho a estos últimos cuando la musica se vuelve algo más oscura aunque no necesariamente más pesada que el Wasted Union Blues, un tema que roza el hard blues rock, un pelín. 

La primera vez que os escuche fue gracias a este recopilatorio, 

una cosa que me ha llamado la atención de su portada trasera es que

donde sale el manager pone USMC, ¿Acaso era marine o algo?

jajaja

Mi edición es una edición promocional de 1972 americana original que pillé por 10 pavos en un chollado de oferta, da la casualidad que pese a ser un album no muy famoso, en España se vendió bastante y en las ferias lo he visto ya varias veces. La verdad no he escuchado más obras suyas, el resto de su discografía, tengo ganas de ver como evolucionaron quien sabe igual me llevo sorpresas.

Para aquellos que aman el tiempo es eterno, sí, no digo que no pero para aquellos que estaban al otro lado del océano pacifico en selvas durante aquellas selvas eso de amar como que era dificil xD y ya no eso necesariamente, también los que fueran victimas de femmes fatales hippies durante los veranos del amor. 

Pistas 
A1 White Bird
Written-By – David Laflamme, Linda Laflamme

A2 Hot Summer Day
Written-By – David Laflamme, Linda Laflamme

A3 Wasted Union Blues (tema más pesado)
Written-By – David Laflamme

A4 Girl With No Eyes
Written-By – David Laflamme, Linda Laflamme

B1 Bombay Calling (futuro child in time)
Written-By – David Laflamme, Vince Wallace

B2 Bulgaria
Written-By – David Laflamme

B3 Time Is (cover de T.Booker)
Written-By – David Laflamme

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Créditos (es prácticamente una orquesta)
Bass – Mitchell Holman
Drums – Val Fuentes
Engineer – Brian Ross-Myring
Guitar – Hal Wagenet
Harmonica – Bruce Steinberg (tracks: A2)
Organ, Piano, Electric Piano, Celesta, Harpsichord – Linda Laflamme
Photography By [Center And Back Cover] – Bruce Steinberg
Producer – David Laflamme
Violin, Vocals – David Laflamme
Vocals, Tambourine, Bells, Percussion [Block, Gourd] – Pattie Santos

Si buscas cosas parecidas te puede interesar también: /blodwyn-pig o frumious-bandersnatch

Salurocks!!!  from 𝖂𝖍𝖊𝖗𝖊 𝕿𝖍𝖊 𝕭𝖚𝖋𝖋𝖆𝖑𝖔 𝕽𝖔𝖆𝖒 donde el metal está.

The Kinks - Face To Face (Pye Records, 1980)

Muy buenas para todo el mundo. Me presento, podéis leer las locuras que salen de mi cabeza en el blog Zeppelinrock como Alberto Iniesta. Amo la música por encima de casi todas las cosas de la vida, y lo más parecido que tengo a una religión son los Kinks, Bruce Springsteen y Quique González. Opino también que la vida se ve más bonita y sabe mejor en rojo y blanco, pero esa es otra historia. Al grano.

La mayor parte de la caprichosa y extraña humanidad conoce a los Kinks por Lola, lo la la la Lola, y por You Really Got Me, como si esas dos canciones fuesen la quintaesencia de un grupo que no tiene un disco malo entre todo el material que sacaron desde el 64 hasta el 94, cuando se despidieron con ese maravilloso doble directo titulado inmejorablemente To The Bone. Yo no pondría ninguna de esas dos en una lista de mejores canciones del grupo, aunque con los éxitos ya se sabe lo que suele suceder… Pero en el DeLorean vamos a fijar la fecha en 1966, y vamos a viajar hasta el año en que salió el maravilloso Face To Face.

Con su tercer disco del año anterior, The Kink Kontroversy, los Kinks comienzan una trayectoria tan brillante en lo musical como fallida en las ventas, que casi nunca sonrieron a los hermanos Davies y compañía a lo largo de su trayectoria. Afortunadamente, para la historia han quedado los discos, que son los que realmente definen la carrera de una banda. Y el que nos ocupa es muy grande.

Muchos críticos lo han definido como el primer disco conceptual de la historia, y yo estoy de acuerdo con esa afirmación. De hecho, si algo va a marcar la trayectoria de ese genio llamado Ray Davies como compositor, van a ser los discos conceptuales. El inicio con Party line, con ese humor tan especial de Ray hablando de una conversación telefónica en la que hay alguien más escuchando, es demoledor. Guitarrazos marca de la casa de Dave y electricidad de alto voltaje son los ingredientes idóneos para prenderle fuego al tema. La melancólica Rosy Won’t You Please Come Home, en referencia a su hermana Rosy que había tenido que irse a vivir a Australia (tremenda canción la que le dedicará a ese lugar en el disco Arthur) y sus maravillosos arreglos se adueñan de tu corazón, mientras que el Too Much On My Mind ahonda en la idea de esa transición entre su primer sonido beat a lo Where Have All The Good Times Gone y lo que marcará su futuro más próximo, al ritmo de Waterloo Sunset.

Session Man, oda a ese músico de sesión brillante que siempre queda relegado a un segundo plano, suena deliciosa, como los dos minutos y medio que dura esa joya llamada Fancy, con una introducción que invita al éxtasis musical más absoluto. Sunny Afternoon es, probablemente, la joya de una corona donde abundan los metales, con esa intro tan atípica que conoce a la perfección el punto débil del alma del que la escucha. La música, que casi podría establecer un paralelismo con un fuego lento, contrasta con lo mordaz de la letra, que apunta directamente al sistema fiscal británico que motivó el exilio de tantos artistas en esa época.

Es un LP maravilloso, una de sus primeras obras maestras, y que se puede conseguir fácilmente por un precio que ronda los 15 euros en tiendas y en Internet. La edición que tengo yo es española del 80, de la serie de años dorados. Los Kinks, un grupo maravilloso. Thank you for the days...

Icon – Icon (Capitol records – 1984)

Amigos, hace tiempo que ya no me compro vinilos como antes y la mayoría de los grupos de los que tengo sus discos ya han pasado por este espacio, así que en los últimos meses me estoy dedicando a repasar de qué álbumes no ha hablado aún nadie y –si los tengo– publico la reseña. Ya me ha pasado que en algún caso soy el único que habla de los trabajos de alguna banda –Alcatrazz o Ace Frehley, por ejemplo– y hoy es otra de esas ocasiones. Me refiero a los Icon, de quienes ya os recomendé aquí el imprescindible Night of crime y de los que me dispongo a reseñar su primera obra homónima, de la que poseo la edición norteamericada de 1984 pero ignoro si se trata del primer prensaje o de una reedición porque el póster que incluye tiene un error de impresión. Sin duda, Icon es otro de esos grandes desconocidos –al menos en Europa– que a mediados de los ochenta editaron estupendos álbumes de hard rock. 

Y si bien este debut es inferior a su siguiente trabajo con Eddie Kramer a los mandos, lo cierto es que el resultado es bastante notable. Eso sí, pese a que la producción de Mike Varney mejora lo que hizo con el también debut de Steeler –ver aquí–, lo cierto es que se nota su inexperiencia, sobre todo en la voz de Stephen Clifford que recuerda demasiado a la de Ron Keel. Junto al mencionado Clifford, la formación la completaban Dan Wexler y John Aquilino a las guitarras, Tracy Wallach al bajo y Pat Dixon a la batería, y el disco –como es natural en el caso de las producciones de Varney– se grabó en los Prairie sun recording studios de Cotati. 

Con portada de James Dowlen, el álbum tenía el siguiente track list: 

A 

(Rock on) through the night 

Killer machine 

On your feet 

World war 

Hot desert night 

B 

Under my gun 

Iconoclast 

Rock n’roll maniac 

I’m alive 

It’s up to you 

Con un estilo similar en todos los temas que no resta valor a la obra aunque sí variedad y colorido –en parte debido a la linealidad de la producción–, para mi gusto destacaría su cara B en pleno, en detrimento de la primera, aunque ya sabéis que sobre gustos... En resumen, hard rock directo y potente con un gran trabajo de guitarras de Wexler y Aquilino, a los que –como ya he dicho antes–, Eddie Kramer supo sacar más brillo en su siguiente lanzamiento. 

¡Feliz viernes! 

@KingPiltrafilla