viernes, 13 de septiembre de 2019

The Runaways – Live in Japan (Mercury -1977)


Sí señores, ¡por fin!, el Live in Japan de The Runaways. Llevaba años persiguiendo este álbum, al que ya había encontrado en algunas ferias vinileras en estados diversos de conservación y a precios bastante altos. Pero ahora ya está en mi poder, en un estado inmejorable y a un precio... bueno, aceptable aunque fue el más caro –de largo– de los que compré en Generation Records, NYC. Y es que con este disco –de mítica portada doble fotografiada por Akiyoshi Miyashita–, The Runaways llegaron a lo más alto, al menos en Japón –Mercury ni se planteó editarlo en los Estados Unidos, al igual que con el posterior debut en solitario de Cherie Currie–, antes de comenzar su declive abruptamente. Con sólo dos discos de estudio en el mercado y tras convertirse en las estrellas del rock que ansiaban, su vocalista –drogadicta aunque aún no tenía ni edad legal para beber– abandonó la banda entre rumores de abusos sexuales, algo que también sufrió su bajista Jackie Fox quien varias décadas más tarde declaró haber sido violada por Kim Fowley ante diversos testigos como Joan Jett y la propia Currie–, que finalmente abandonó también al grupo encontrándose este todavía en Japón en mitad de la gira. 

La banda había nacido tan sólo dos años antes por el afán de Kim Fowley –un oscuro y excéntrico productor y compositor de Los Angeles que incluso llegó a colaborar con KISS– por formar una banda de rok femenina. Para ello reclutó a varias adolescentes –tenían todas entre 15 y 16 años– entre las que estaban Joan Jett y Sandy West, quien junto a Micki Steele –que no tardó en irse y fichar por The Bangles– formaron una primeriza formación del grupo que se completó poco después con Jackie Fox, Lita Ford y Cherie Currie

Entre 1976 y 1977 editaron dos álbumes, mezcla de hard rock, glam rock, classic rock, punk rock y pinceladas de pop comercial que propició su participación en numerosas giras de otros hasta que en 1977 les llegó la oportunidad de tocar en Japón, donde contra todo pronóstico y de manera inesperada, se convirtieron en megaestrellas a la altura de unos Led Zeppelin

Total, que grabado en directo en el Tokyo Koseinenkin Kaikan de Shinjuku y el Shibuya Kokaido con producción de Kent J. Smythe y la propia banda, el line up fue el clásico de las mencionadas Currie a las voces, Jett a la guitarra rítmica y voz solista en algunos temas, Ford a la guitarra y coros, Fox al bajo y coros y West a la batería y coros. 

Y el track list de esta imprescindible obra de la que tengo la edición canadiense –gatefold como la japonesa, pero sin las fotografías ni notas biográficas de aquella– fue el que sigue: 


A 
Queens of noise 
California paradise 
All right you guys 
Wild thing 
Getting’ hot 
Rock & Roll 

B 
You drive me wild 
Neon angels on the road to ruin 
I wanna be where the boys are 
Cherry bomb 
American nights 
C’mon 


El peazodisco comienza con Queens of noise, himno del por entonces recién editado álbum del mismo nombre. Le sigue la impresionante California paradise, enérgica y guitarrera, puro hard rock. All right you guys es un sencillo hard rock que queda eclipsado entre los dos temazos en los que está, al que le sigue la icónica Wild thing de Chip Taylor, la contribución en la voz solista de West, un tema que ya cantaba cuado Fowley la puso en contacto con Jett. Es un tema sencillito y repetitivo construido alrededor de un riff que Ford viste con su solo. Gettin’ hot es super hardrockera, con un riff de reminiscencias sabbathianas y Rock & Roll es una canción de la Velvet Underground compuesto por Lou Reed, cantado aquí con ese descaro entre poppy y punkarra de Cherie Currie


La cara B comienza con You drive me wild, un rock entre clásico y con regusto a Marc Bolan, compuesto y cantado por Joan Jett con esa actitud tan suya y con un trabajo de Ford más que aceptable. Neon angels on the road to ruin es otro hard rock marca de la casa, con un estupendo trabajo de Ford a la guitarra, y esa mezcla de pop y punk a la hora de cantar de Currie. I wanna be where the boys are –curioso título para un grupo de lesbianas, según ha afirmado Ford explicando que por unos días decidió dejar la banda asustada por el tema– sigue la misma tónica, con una Jett berreante sobre una melodía mezcla de Motörhead y Ramones. Cherry Bomb es EL TEMA, mítico como él solo, sobre el que sobran las palabras. No hay nada más que añadir. American nights –de su debut homónimo del 76, como la anterior– es otro típico tema de la banda, enérgico y repetitivo. Y pone el punto final C’mon, otra composición en solitario de Jett, muy a lo Ramones, que esta vez canta Currie. Un temazo que rezuma cuero y sudor, con un buen trabajo de Ford y unos coros que le aportan esa pincelada poppy que de tanto en tanto dejaban escapar estas chicas. 


Y ya está, amigos. La verdad es que se hace corto, muy corto, con algunos temas que no llegan ni a los 3 minutos, es uno de esos discos que cuando acabo de escuchar, siempre me vuelvo a poner (por fin en vinilo tras años de tirar de Spotify). Total, que –como os he dicho al principio– me hace especial ilusión tener por fin este álbum y espero que, si no lo conocéis ya –cosa bastante improbable– le prestéis atención. 






¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

viernes, 6 de septiembre de 2019

Los Rebeldes - Más allá del bien y del mal (1988 Epic Records)






Aprovechando que esta noche Carlos Segarra y sus Rebeldes van a actuar en las fiestas de Pozuelo de Alarcón, voy a compartir con vosotros este LP de mi pequeña colección de vinilos.


No eran un grupo de los que me volviesen especialmente loco. Me hacían gracia, sí. Y los escuchaba, sobre todo por simpatía hacia algunos compañeros rockers que tenía en el instituto. Los viejos como yo os acordaréis que parecían salidos de una película de Grease o algo así, con sus tupés, camisas y pantalones arremangados, sus chupillas de equipos de fútbol americano... Ah, y el mal rollo que había entre los rockers y los heavys. Bueno, en realidad había mal rollo entre todas las tribus urbanas que existían en aquellos tiempos. Pero poco más. De hecho, este vinilo es de segunda mano. Lo que sí reconozco es que tenía era un 45 rpm, un single de ellos. Y pertenecía a este trabajo. La famosa balada de "Bajo la luz de la luna" que me gustó mucho. Comprended que tenía 15 años y era todo un adolescente. Por desgracia, no conservo ni ese ni ningún single propio. Estoy seguro que uno de mis hermanos se llevó los que tenía entre todos los suyos. Una lagrimilla cae por la mejilla cuando recuerdo esa pérdida pero así es la vida. Así que, un día de esos que rebuscas en alguna tienda de discos, lo vi a muy buen precio y me lo llevé para casa como tributo de aquel 45rpm y de aquellos tiempos. 



El disco en sí tiene en su interior cuatro canciones muy remarcables y que todos en alguna ocasión hemos escuchado: La ya mencionada "Bajo la luz de la luna", "Mediterráneo", "Mi generación" y "Un español en Nueva York" (nada que ver con la bazofia de Mecano). La producción del disco corrió a cargo del omnipresente, por aquella época, Paco Trinidad.


El resto del álbum lo componen canciones del mismo estilo: rockabilly desenfadado y muy fresco Para mi gusto, luego hicieron mejores canciones, sobre todo con el álbum En cuerpo y alma del 90. Y también me gustó mucho la época del saxofonista del grupo, Dani Nel-lo, con Nel-lo y la banda del Zoco



En definitiva, recuerdos de la adolescencia en este vinilo con varios clásicos en sus cortes. Lo que no quita que considere a Carlos Segarra una figura con un lugar preminente en el rock español y que demuestra que tiene "Corazón de rock & roll", el otro tema que destacaría del disco.


Hawkwind - Warrior On The Edge Of Time (1975) 🇬🇧

¿Qué es la psicodelia?

¿Qué es el rock psicodélico?

¿Necesito tomar drogas para escuchar rock psicodelico?

¿Puedo tener una experiencia psicodelica si escucho música psicodelica?

¿Qué hay más allá de la constelación de Andromeda?



Hoy traigo con ustedes el clímax de Hawkwind, su 5º album de Julio de 1975, el último con Lemmy Kilmister y su mayor éxito después de 10 años de actividad desde 1965 la banda británica ha sido una de las más vanguardistas de su país siendo uno de los pioneros en psicodelia, rock espacial, blues psicodelico y en la imitación del kraut rock alemán sin ser alemanes, e kraut tuvo de especial que era lo más vanguardista que había a pesar de ser psicodelico no se parecía a nada que se hubiese visto antes. Tras 1975 la banda siguió conservando su esencia solo que evolucionando un poco más hacía un estilo algo más new wave pero siempre siempre manteniendo su esencia. Robert Calvert su vocalista era todo un Syd Barrett, era de las personas más escentricas y fanaticos de la psicodelia como religión.. por hawkwind pasaron muchos musicos entre ellos Ian Kilmister pero tarde o temprano se solían cansar o dejar la banda, una banda marcada por el trance y el uso de muchisimas sustancias para obtener experiencias, Calvert es de los pocos de sus miembros que aguantaron décadas hasta día de hoy..





Musicalmente la reedición la noto algo comprimida, no he escuchado el disco original en mi equipo pero diría o que originalmente se grabo con cierta escasez de dinámica o que en esta re-edición no han usado los masters originales de 1975. Tampoco se trata del Steven Wilson's Mix que hizo en 2015. Alcanzó el número 13 en las listas de álbumes del Reino Unido y fue su tercer y último álbum en la lista Billboard de EEUU donde alcanzó el número 150. Muchas de las letras son de Michael Moorcock y el álbum se basa libremente en su fantasía. Un album de culto sin duda y quizás el mejor trabajo de la banda junto con "X In search of Space", el album salió en 1975 con su portada plegable y un postre que no se conserva en la re-edicion.

En este album se habla por primera vez de "veteranos de las guerras psíquicas" eso que después Blue Oyster Cult tomaría en 1980 para heavy metal la película y para su album "fuego de origen desconocido" de sus más famosos. El tema "Motorhead" venía incluido en la versión americana del album en vez de "kings of speed" ambas canciones hablan de las anfetaminas del Londres de la época. Creo que ellos mismos tomaban tantas drogas que creían de verdad en los viajes astrales, los guerreros hiperbóreos y todas esas cosas jajajaja ojo que no digo que esas teorías no sean respetables. Viento Hawk, me encanta el nombre de la banda muy americanos la verdad, empezaron en el '65 ya intentando mezclar el blues americano medio country con la psicodelia.

01. Assault And Battery-The Golden Void [10:07]
02. The Wizard Blew His Horn [1:58]
03. Opa-Loka [5:09]
04. The Demented Man [3:57]
05. Magnu [8:14]
06. Standing At The Edge [2:46]
07. Spiral Galaxy 28948 [3:46]
08. Warriors [1:58]
09. Dying Seas [3:03]
10. Kings Of Speed [3:36]

↯↯↯↯↯↯↯ (including 1975 vinyl r1p)



Respecto al elepé a parte de lo que ya dije arriba difícil de encontrar de cojones, original carisimo incluso si es re-edicion extranjera de los 80s. 23€ más gastos de envío desde EEUU porque se lo he pedido a la tienda y da la casualidad de que lo tenía su proveedor americano en California al igual que nuestro querido armageddon jajaja aunque ese si costo un ojo de la cara.

Salurocks!!





Mötley Crüe - The end (Red, White & Crue - 2016)


Y (parece) por fin llegó. El último concierto de Mötley Crüe. ¿Será la primera banda del negocio que de verdad se despida cuando dice que se despide? O volverán "por que los fans lo piden". Otros, como hoy en día Kiss o Scorpions, se embarcan en largas giras de despedida (dos o tres años, ya ves). Algunos se quedan con las ganas de decir adiós. "Los motley" no se complicaron la vida y apañaron un majestuoso concierto en Los Ángeles (después de la correspondiente gira sacacuartos y su estancia en Las Vegas como banda residente). Pirotecnia, escenario luminoso y "todos" los éxitos del mundo. Un resumen de sus años juntos. Recogen temas de sus mayores éxitos: uno de su debut (Live wire), dos del Shout at the devil (Looks that kill, Shout at the devil), tres del Theatre of pain (Home sweet home, Louder than hell y Smokin'in the boys room), dos del Girls (Wild side y Girls, girls, girls), cuatro del Dr. Feelgood (Same ol' situation, Don't go away mad, Dr. Feelgood, Kickstar my heart), uno de su recopilatorio (Primal scream) y dos más de su último Saints of Los Angeles (Mutherfucker of the year, Saint of Los Angeles). El DVD que acompaña a este doble vinilo recoge, además, los solos correspondientes, incluyendo el famoso de batería con el kit dando vueltas y poniéndose boca abajo.
En fin, toda la parafernalia que para bien y para mal hizo de esta banda un emblema del rock de la segunda mitad de los ochenta y los primeros noventa y que también han sabido explotar estos últimos años. Si ya has visto o has leído "The dirt" ya sabes de lo que eran capaces estos animales. Y como de la música poco tengo que añadir, os dejo unas fotos del doble vinilo con DVD que está muy bien terminado. Un buen homenaje a unos históricos de nuestro rollo.

Un saludo a todos y todas y pasad un buen fin de semana. ¡Que queda poco verano!





viernes, 30 de agosto de 2019

The Jimi Hendrix Experience - Live At Woodstock (August 1969) us


feliz 50 aniversario


El woodstock de Jimi Hendrix en triple LP 180 gramos edición especial de 2015 creada por los mejores productores de la época que aún quedan vivos como Kramer, nunca antes se habían editado tan bien estas grabaciones y es que pese a ser el concierto/festival más importante de la historia del rock no esta tan bien compilado como el Monterey de 1967 porque en este caso Woodstock en NY fué mucho más improvisado. Woodstock marcó el fin de una era y el inicio de otra, el fin de la inocencia, el fin de The Experience para dar pasó a lo que ya prácticamente era la banda de los Gypsys, fué el climax de la edad dorada de la música rock 1965-1975 y la cultura del ácido. Monterey fué el amor, Woodstock fué la lluvia y el barro de despedida. La edición original de este album fué en cd, en 1999.



A1 Introduction
A2 Message To Love
A3 Hear My Train A Comin'
B1 Spanish Castle Magic
B2 Red House
B3 Lover Man
C1 Foxey Lady
C2 Jam Back At The House
C3 Izabella
D1 Fire
D2 Voodoo Child (Slight Return)
E1 Star Spangled Banner
E2 Purple Haze
E3 Wood Stock Improvisation
F1 Villanova Junction
F2 Hey Joe

La mayoría de músicos importantes de re-nombre citados al festival como The Beatles o Bob Dylan no pudieron asistir excepto Hendrix haciendo así de su actuación un hito aún más importante con el mítico himno de los estados unidos destrozado por una chillona stratocaster como cual ametralladora. También asistieron otros muchisimos grupos famosos de panorama nacional como los Jefferson, Canned Heat, Santana.. y también british invasión como The Who (que por cierto para Townsend fué su peor actuación debido a que le echaron LSD en el café), para grupos como Creedence o Ten Years After aunque sea solo para un tema o un par de temas también fué importante pero no su actuación más importante la verdad, Johnny Winter, Janis Joplin.. todos eran grandes, muchos veteranos de Monterey

jajajaja épico

Jimi Hendrix - guitar, vocals
Billy Cox - bass
Larry Lee - rhythm guitar, vocals
Mitch Mitchell - drums
Juma Sultan - congas
Gerardo "Jerry" Velez - congas

 search in peace


No le he echado esta vez fotos al disco en el tocadiscos porque he cogido la costumbre de oir la musica en mi patio, muchos me daríais de ostias si vieseis el equipo que tengo jajja porque pensaríais que no lo estoy aprovechando pero últimamente me apetece mas dejarlo sonar en el salón con la ventana abierta y estar en el patio, en el jardín escuchando los discos al aire libre y con un buen porro o puro en mano, solo me falta la piscinilla jajaja

El label, la galletica es como la que traje cuando subí las BBC sessions, es un disco que tiene una estetica como la de este son de la misma discográfica, si teneis mucho interes en ver el label en profundidad y ver el librito que trae y tal buscar este album en discogs o pedidme que os pase más fotos.


salurocks!!    más "bootlegs" de 'endrix en where the buffalo roam 1968, aunque esto jajaja sí, realmente es un bootleg no se editó entero ni en la época pero menudo bootleg, es más que un made in japan, posiblemente como ya digo el concierto más importante de la historia del rock.




esto me recuerda al post de mi blog que subí
con lo vintage left 4 dead 2 y el mod de wood
stock con zombies





Sammy Hagar – Sammy Hagar (Capitol records -1977)


Amigos del vinilo, regresa a este blog el gran Sammy Hagar. Lo cierto es que, sobre todo gracias a un servidor –y al amigo Manu en menor medida–, no puede decirse que al rubio californiano no le hayamos dedicado espacio por estos lares, sea en su etapa ochentera en solitario o como integrante de Montrose, HSAS, Chickenfoot o Van Halen. Sin embargo, faltaba un documento de su etapa setentera. Pues bien, inauguro las entradas dedicadas a vinilos comprados en Generation records de Nueva York –en Thompson, entre la 3ª y Bleecker, por si alguien quiere pasarse por allí– con esta joyita con fantástica portada de Hipgnosis y contenido igual de reivindicable. Me refiero a su disco homónimo y segundo en su carrera como solista. 


Producido por John Carter en los londinenses Abbey Road y en The Record Plant de Los Angeles, la formación contó con Sammy a las voces y guitarra, Bill Church al bajo, David Lewark a la guitarra, Scott Mathews a la batería y Alan Fitzgerald –antiguo integrante de Montrose, como Hagar, y futuro miembro de Night Ranger– a los teclados. Los arreglos de cuerda y metales corrieron a cargo de Andrew Powell


El track list es el siguiente: 

A 
Red 
Catch the wind 
Cruisin’ and boozin’ 
Free money 
Rock & Roll weekend 

B 
Filmore shuffle 
Hungry 
The pits 
Love has found me 
Little star/Eclipse 

Comienza el disco con Red, un temazo de hard rock setentero, directo, aunque vestido con unos teclados con mucho gusto que en algunos momentos le dan un ambiente pseudopsicodélico. De hecho, tanto la portada como la canción sirvieron para dar el nombre oficioso al álbum y denominar al vocalista, The red album y Red rocker, respectivamente. Pero se trata de un inicio engañoso porque si esperáis una obra cañera, hardrockera y festiva no la vais a encontrar aquí. Y es que este elepé no es como su primer trabajo en solitario. La prueba está en el siguiente tema, un Catch the wind que es como un viejo soul intimista a lo These arms of mine de Otis Redding, con pinceladas de teclados y un solo estupendo. Original del escocés Donovan, con un sonido más folk, Hagar lo americaniza y lleva a su terreno de una manera soberbia. Sigue Cruisin’ & boozin’ con más ritmo y que recuerda un poco a los UFO de Phenomenon. Más rock directo con un estribillo pegadizo. Sin embargo, Free money –de Patti Smith y Lenny Kaye– es otro tema lento en el que la voz de Sam, con un tono a lo Robert Plant, se arropa por arreglos de orquestación y piano, cogiendo ritmo a mitad de canción. La encuentro muy zeppeliniana, alejándose un poco de la original. Y Rock & Roll weekend trae de nuevo ese ritmillo hardrockero setentero –tan diferente al de la década posterior– con un estribillo que me trae recuerdos del All the way from memphis de Mott the hopple


Pasamos a la cara B y Filmore shuffle –tema compuesto por Bruce Stephens– vuelve a traernos sonidos otisreddingianos, esta vez más en la vertiente R&B, a lo Love Man. Hungry –que Barry Mann y Cynthia Well compusieron para Paul Revere and the Raiders– sigue la senda del sonido general del álbum, una mezcla de hard rock, blues y soul, aunque aquí con alegría y ritmo, menos intimista. Igual pasa con The pits, con esos arreglos de viento que la hacen parecer aún más R&B. Le sigue la hardrockera Love has found me, cañera y de mis preferidas junto a la primera del álbum y la que lo cierra, esa preciosidad titulada Little star, entre espacial y hardrockera, con una coda final titulada Eclipse, tan sencilla como hipnotizante. 


En resumen, una gema sin pulir del todo en la discografía de Hagar, sin la madurez de discos posteriores ya con un estilo propio, pero que permite ver de donde bebía la inspiración de este tipo alegre y afable que –todo sea dicho– me cae muy bien. 





¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

viernes, 23 de agosto de 2019

Simon & Garfunkel - Bookends (Columbia, 1968)

La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida... después de la cantidad de discos que se han comentado en este maravilloso blog, resulta que no habíamos hablado aún de Simon & Garfunkel. Dos tipos que no necesitan presentación alguna, que han hecho magia juntos en forma de discos y canciones cuyas melodías van más allá de la línea de la inmortalidad. Con todo y con eso, este blog estaba huérfano de un LP suyo, por lo que he decidido ponerle solución con uno de sus discos que más me gustan: Bookends.
Quizá este cuarto trabajo del grupo se conozca, en mayor medida, por contener una de sus canciones más famosas como es Mrs. Robinson, pero es que verá usted, el resto de los cortes no se quedan atrás en cuanto a calidad. Es cierto que se suele mencionar el Bridge Over Troubled Water como su gran obra maestra, pero yo personalmente me quedo con este disco. Los motivos, que nos sobran como bien afirmaría cierto cantautor, vienen a ser casi exclusivamente sentimentales. Las emociones y la música, una vez más constituyéndose en una experiencia deliciosa.
Es escuchar el Save the Life of My Child y sentir que algo diferente está sucediendo. Hay sensaciones que le declaran la guerra a las palabras, como cuando los primeros acordes de America comienzan a sonar. Sí, se trata de mi canción favorita del disco.
Siempre me llamó la atención el hecho de que Paul Simon, que contaba con 26 años por aquel entonces, compusiera una canción que se llamara Old Friends, sin duda una muestra más de un talento único. Pasar de salvar la vida de un hijo a echar la vista atrás, hacia esos viejos amigos, viene a ofrecernos un poco la idea del concepto de la vida implícito en el disco.


La cara b está repleta de momentos maravillosos, como no puede ser de otra manera: ahí quedan Punky's Dilemma o A Hazy Shade of Winter, la canción más antigua del disco, de la época del Parsley, Sage, Rosemary And Thyme. Cuando llega el momento en el que la aguja se queda sin más surcos te entran ganas de mandarle un sicario al que inventase aquello de "lo bueno, si breve, dos veces bueno". Un disco que no llega a la media hora, que forma parte del selecto club de LPs que mejoran la vida de quienes los escuchan.
En cuanto a la edición, es americana del 68, y es bastante fácil de conseguir a precios de risa. La lista de himnos que componen el disco es la siguiente:

A1 Bookends Theme (Instrumental)
A2 Save The Life Of My Child
A3 America
A4 Overs
A5 Voices Of Old People
A6 Old Friends
A7 Bookends Theme
B1 Fakin' It
B2 Punky's Dilemma
B3 Mrs. Robinson
B4 A Hazy Shade Of Winter
B5 At The Zoo

Dándole las gracias a Paul Simon por existir, me voy a poner ahora el Quadrophenia, claro que sí. Que viva la puta música.

Tears for Fears - The Seeds of Love (1989, Fontana Records)




A veces hago trampas. Y esta va ser una de ellas. Como cuando mis amigos de @super7moto me dejan escribir algo de música y hago una lista de rockeros muertos en accidentes de moto y meto a Roy Orbison (él no murió en su accidente sino su mujer). O como cuando hice lista de videoclips no rockeros con motos en ellos y metí el video promocional que hizo Imelda May, enfundada en pantalones de cuero, de su Tribal sin que fuese una canción. La trampa que voy a hacer ahora es que voy a contar todo lo que me evoca este vinilo de Tears for Fears…pero teniendo en cuenta que sólo lo tengo desde hace unos pocos meses y que es la versión en CD la que me trae todos los recuerdos que quiero compartir.



Este The seeds of love fue el primer compacto que me compré. Cuando tenía 16 años mis padres compraron para Navidad una cadena Hi-Fi con reproductor de CD (aquí está en mi casa desempeñando su trabajo a día de hoy).

Esto lo sabíamos con antelación y por eso, aunque me costó un gran esfuerzo, no quise hacerme con este disco en vinilo cuando salió y esperé hasta poder comprarlo en formato compacto. Ya sabéis, era lo que estaba de moda y el futuro. Y ¿por qué digo que fue un sacrificio esperar? Porque había estado desde el final del verano quemando la grabación que hice de la radio de su primer single, “Sowing the seeds of love”. Cuando llegaron las vacaciones de navidad, mi amigo Alberto tenía que comprar unas cuerdas para su guitarra y me apunté a acompañarlo para hacerme con este CD. Así que, nos montamos en la correspondiente BLASA que nos acercó a Madrid (para los que no seáis de por allí, se conocían coloquialmente como BLASAS los autobuses interurbanos de la empresa BLAS y Cia que conectaban los municipios del Suroeste con la capital. Hoy en día, no sé si la gente los seguirá llamando igual). Y nos fuimos para los sótanos de Gran Vía, ya en sus últimos estertores. Allí compraba mi amigo sus cuerdas y allí estaba Discoplay. Y me traje a casa el flamante CD. De aquel viaje y de sus consecuencias musicales para nuestras vidas nos acordamos mucho Alberto y yo. Lógicamente, le prometí que le grabaría una cassette TDK de aquel disco en cuanto que pudiese y, todavía hoy, me echa la culpa de que cuando le preguntan qué único disco se llevaría a una isla desierta no puede sino responder que sería este The seeds of love. Y yo le señalo como responsable de mi debilidad por un grupo de nombre precioso y música preciosista, La Dama se Esconde, que fue la cinta que él me pasó como contrapartida. Varios vinilos y CDs de ellos descansan en mi pequeña colección. También me abrió los oídos con Los Ronaldos, y terminé comprando una cassette original del Saca la Lengua. Y cuando alguien habla de los Ronaldos (los de fútbol, el brasileño y el portugués) me cuesta esfuerzo centrarme pues mi mente se obceca en los Ronaldos musicales.

Creo que esa fue la única visita que pude hacer a la tienda de Discoplay en Los Sótanos, porque cerraron todos los negocios de los bajos al poco tiempo. Así que mis viajes a Madrid a comprar, primero tanto vinilos como CDs (coño, qué caros eran los CDs al principio en relación con el plástico) y luego solo CDs, tenían como destino Madrid Rock, al principio a la calle Mayor y luego a la Gran Vía. También tuve la suerte que en mi pueblo abrieron sucursal, el Móstoles Rock. Para muestra, aquí los otros dos vinilos de Tears for Fears que me compré por entonces y que aún conservan los plásticos de embalaje.

Lo lógico es que hubiese escogido cualquiera de ellos para este #FFVinilo, sobre todo el Songs from the big chair cuyos videosingles había visto-escuchado miles de veces en mis adoradas VHS’s. Pero me apetecía compartir la vivencia que os he narrado. Además, que da la casualidad de que esta semana se cumplen 30 años de la publicación del primer single de este The seeds of love, el "Sowings the seeds of love"


Bueno, me que desvío. Vuelvo al vinilo que comparto con vosotros. Como ya he dicho, lo adquirí hace unos meses en un comercio de segunda mano. Tengo pocos discos en ambos formatos. En ocasiones por la importancia y en otras por el deterioro o porque la versión CD trajese más canciones. El Songs from the Big chair, antes mencionado, también lo tengo en los dos formatos, como alguno de U2, Michael Jackson, Housemartins, Whitesnake…Cuando la aguja de diamante comenzó a acariciar los surcos de mi adquisición, me di cuenta de que hacía mucho tiempo que no escuchaba este trabajo. Lo había oído alguna otra vez no hacía demasiado. Pero no lo había escuchado. No como te predispone tener entre tus manos un trabajo gráfico de 32x32cm, con unas letras que se leen sin esfuerzo y puedes cotillear los músicos y técnicos que trabajaron en el disco sin dejarte la vista (que uno empieza a ser mayor). Lo dicho: me dispuse a escucharlo y disfrutarlo como cuando estrené el CD. Como podéis encontrar críticas y reviews por todos los lados, no voy a entrar demasiado al detalle.



El comienzo con el bajo de Curt Smith y la batería del invitado Phill Collins es espectacular. “Womans in chains es una canción feminista cuando aún no era normal tocar esos temas en las letras. Y qué decir de la voz sedosa de Oleta Adams que hace dueto con Roland Orzabal. También colabora Oleta en el siguiente corte, “Badman’s song” de estilo muy jazzistíco y que es una de mis favoritas.

Pasamos al “Sowing the seeds of love”, obra culmen del pop progresivo de estos señores ingleses. Y termina la cara A con “Advice for the Young at heart” que creo que intenta repetir el éxito de la archifamosa y una de las canciones más representativas de los 80, “Everybody wants to rule the world” de su anterior trabajo. Se queda un poco lejos, la verdad.

Pasamos a la cara B con el soft pop “Standing on the corner of the third world” que sigue con la crítica social que ya han esbozado en la primera cara. “Swords and Knives” sigue en la misma estela, aunque con un solo de guitarra muy del estilo al “Shout” de su anterior LP. “Year of the knife” es otro de esos temas poco conocidos para el gran público como “Badman’s song” pero de una calidad incuestionable.

Y terminamos con “Famous last words”, la balada del disco.



Leí en alguna ocasión que la complejidad técnica y la gran cantidad de tiempo que dedicaron a este LP dinamitó la relación entre Roland Orzabal y Curt Smith y terminaron separándose. Al cabo de los años volvieron y, a pesar de que demuestran que saben hacer grandes canciones, ya no es lo mismo.

En definitiva, este vinilo recientemente adquirido no tiene detrás una gran historia, pero como habéis comprobado, me ha hecho recordar y me ha transportado, como decían en Calles de Fuego, a otra época y otro lugar.

viernes, 16 de agosto de 2019

Yardbirds - Five Live Yardbirds (1964) 🇺🇸


Re-Edición alemana de 1979, fabuloso elepé grabado en 1964 a través de un solo micrófono con una técnica empleada al estilo de las big band de jazz pero eficiente, y es que a pesar de ello el audio en mono tiene una dinámica bastante admirable, un sonido de micrófono de pizarra envidiable a día de hoy, tuvieron que usarlo por los problemas y los imprevistos del loco directo improvisado que fué. El live es el primer album "de estudio" de la banda, que si bien no sus primeras grabaciones nos trae el mark 1 de esta brillante formación histórica que dió a luz a tantísimos artistas de prestigio y de la que ya hemos hablado bastantes veces en FFvinilo. 


Fué grabado en Londres (Marquee) en 1964 en un año donde la invasión británica pisaba con fuerza, sin embargo The Yardbirds como otras muchas bandas de la invasión tienen un estilo totalmente americano de hacer y entender el blues, es la típica música que si no os digo nada os creéis que son americanos. De hecho llegaron a grabar bastantes con Sonny Boy Williamson II en 1965 antes de su muerte en ese mismo años, eran unos profesionales del blues además de ser una banda beat de la época.



Too Much Monkey Business  00:00:00,00
I Got Love If You Want It  00:03:51,23
Smokestack Lightnin'  00:06:32,07
Good Morning Little Schoolgirl  00:12:07,11
Respectable  00:14:51,10



Five Long Years  00:20:26,10
Pretty Girl  00:25:47,21
Louise  00:28:48,02
I'm A Man  00:32:30,18
Here 'Tis  00:37:04,05



"Durante toda la tarde, "la gente" deambulaba por las rayas rojas y blancas.
del vacío MARQUEE CLUB murmurando cosas singularmente privadas para ellos. 
Desde una distancia separada, todo parecía un ballet abstracto sobre personas, 
se supone que estamos en el trabajo pero de hecho haciendo todo lo posible para evitarlo. Había cables 
por ahí y por allá. si tirase uno de esos cables un caballero dickensianovcon un cocker
Spaniel, saldría de una puerta trasera y murmurando cosas como: "Si tan solo yo
puedo obtener algunos tapones ortofónicos, omnidireccionales, intercoaxiales, no hay
 problema ... por supuesto, también necesitaríamos algunos atenuadores divididos para regular
la retroalimentación oscilatoria y los micrófonos D3822-B8 de bobina móvil, de lo contrario ... Por supuesto ...
No puedo conseguirlos ... Si tan solo tuviéramos más tiempo ... "
"Supongo que es el ingeniero" alguien murmuró.

Todo era tranquilo, pero con ese pequeño toque de tensión nerviosa para que todos sepan
que algo se supone que sucederá tarde o temprano. La idea era hacer un live
 de los YARDBIRDS más azotadores en uno de sus alrededores naturales
y que nadie en la audiencia supiese lo que estaba pasando. Todo lo que uno puede decir
es que después de la sesión de esa noche, el público mereció una medalla, o todo Manfred
Los cinco autógrafos de Mann. Lejos de permanecer en la oscuridad, fueron introducidos 
la mayoría al blues lamentándose unas doce veces: "Y ahora, el BIRD más blueswailing
YARDS lo siento, hum, comenzaré de nuevo. Y ahora, los BLUEBIRDS más llorones
perdón VIVE CINCO YARDBIRDS-CINCO VIVE YARDBIRDS ... "Hamish Grimes,
ese escritor mal pagado de los anuncios de Crawdaddy había estado masticando su
uñas todo el día Cuando se trataba de organizar la noche, se había mordido el
mano derecha en la que había escrito el "guión" con un bolígrafo japonés.

"Por supuesto, si solo tuviéramos el mezclador listo, podríamos obtener algo de eco golang ..." dijo el
cara de cocker spaniel "¿Quieres decir que no tienes una mezclador?
Keith Yardbird estaba ocupado pintando un gran cartel con la siguiente información:
'Monkey-Love-Schoolgirls-Smoke-Respectable'. Uno lo podía ver caminando
arriba y abajo frente a alguna embajada del este ... Más tarde colgó el cartel en el
escenario.

Creo que todavía está ahí.

Sin embargo, Sam Yardbird no estaba allí, ni tampoco Chris Yardbird, y
Jim Yardbird se había ido en busca de un nuevo pedal. Eric Yardbird estaba en un
esquina rompiendo las cuerdas de su guitarra.
Parecía darle confianza.."

Anécdotas de un directo improvisado que podría haber quedado en bootleg, se nota que iban como iban jajajaja


↯↯↯↯↯ vinyl rip

Respecto al elepé dificil de conseguir, esta en reedición pero Yardbirds no es una banda tan demandada como parece y re-ediciones como esta en verdad también son muy rebuscadas.

Por cierto tengo que decirlo, estoy en contacto con el que es en la actualidad tecnico de sonido de la banda y en los 70s lo fué de armageddon y otros muchos grupos que pasaron por hollywood a mediados de los 70s, si salen cosillas de armageddon, de yardbirds, de renaissance, steamhammer.. echadle un ojo a mi blog buffalo roam o al canal de youtube y tal (frank cappa psych marine). Yardbirds la verdad y su línea musical en verdad es la que más familiar y más cercana me ha toxado en la vida por diversos motivos. Yardbirds, johnny winter, armageddon, led zeppelin, rod stewart, cactus, jeff beck, yo que se.. el desierto de almería, escucharlos de pequeño, haber visto a johnny winter en directo, tener contacto con miembros de esos grupos, familiares o técnicos..




Ayer es que tocó tarde de limpieza jejejeje ahí van próximos posibles ffvinilos siderales amigos, viento lisergico en popa. (me sale en el corrector viento liturgico jajaja a fin de cuentas esto de la psicodelia es casi una religión).

Rory Gallagher - Live! In Europe (Chrysalis - 1972)





Cuando Rory Gallagher se lanzó a su gira europea en 1972 tenía tan solo 24 años. Y a sus espaldas dos discos en estudico con la banda Taste, de la que era cantante, guitarrista y alma, y otros dos en solitario. Así que, intentando recoger la energía y la variedad de su propuesta en vivo, grabó varias actuaciones junto a sus secuaces Gerry McAvoy al bajo y Wilgar Campbell a la batería. El resultado es este Live in Europe que contiene siente canciones curiosamente elegidas. Porque tan solo dos habían aparecido en discos del artista: In your townLaundromat. El resto son canciones nuevas, ¡qué valor!, reconstrucciones de clásicos del blues. Así escuchamos Messin' with the kid de Junior Wells, una fantástica Pistol slapper blues de B.B. Fuller o el Bullfrog blues de William Harris, donde se lucen McAvoy y Campbell. Coge la mandolina para su particular versión de Going to my home town, donde al público se le oye aplaudir y patalear. Y una de mis favoritas, I could have had religion, donde demuestra su sensibilidad y la versatilidad de su capacidad como guitarrista. Su forma generosa, vibrante, aguerrida de cantar pocas veces se destaca, pero me parece una de sus armas mejores: pocos guitarristas tan excelentes cantan tan bien.


El disco entró (por fin) en el Top Ten británico y le valió el reconocimiento como guitarrista de la comunidad blues y rock. Como curiosidad, este disco le proporcionó el premio a mejor guitarrista del año por delante de Eric Clapton y Jimmy Page. Casi nada.

La edición que traigo hoy es una excelente re-edición hispana de 1982 impresa por RCA en Madrid. Portada gatefold y todo. Buen trabajo este también.

A disfrutar de lo que queda de agosto con música ruidosa y mucha cerveza, como Gallagher solía hacer.












viernes, 2 de agosto de 2019

Tako - A las puertas del deseo (1989/2019)


Lo dicen los propios Tako en la nota de esta edición 30 aniversario de A las puertas del deseo: "tienes en tus manos una de las copias de la edición liitada de un disco que lo cambió todo para nosotros". Y es que este álbum puso a la banda aragonesa en el mapa nacional, les dio un poco de luz a finales de los ochenta, cuando el heavy estaba de capa caída y las bandas de eso que se llamó rock urbano comenzaban a cobrar protagonismo. Este álbum fue también mi contacto con la banda, en casé, que escuché abundantemente en el 89. Así que, comprenderás, que este no es para mí un disco cualquiera, si no un mantra del que no puedo despojarme ni por un instante.

Siendo sincero, creo que Tako, como pasa a otros, ahora mismo recuerdo a Leize, nunca recibieron ni recibirán el crédito que merecen por su calidad sonora, por su poética, por la cantidad de buena música que nos han regalado casi sin descanso estos más de treinta años. Mientras adoramos a bandas que no han compuesto una buena canción desde entonces, estos tipos, con Mariano Gil (Rones) al frente, siguen grabando discos excelentes.

Después de este alegato, paso a presentar brevemente el contenido de A las puertas del deseo. Seguro que contiene dos himnos de la banda: El enterrador y A las puertas del deseo. En la primera nos presentan a un curioso personaje de oficio cementérico, uno de los muchos que adornarán sus canciones. En el segundo, una especie de medio tiempo, nos narra el drama del amor, la violencia y sus consecuencias. Junto a estas dos, genial El juego, con ese baile de teclado y guitarra excelente, el rollo Burning de Dime dónde puedo estar, el toque punkarra de ¡Qué bien!, la contraprotesta de Canción protesta, en la que se quejan de los límites de la música impuesta por los bien intencionados cantautores o el rollo antirepresión de Ciudadano militar. Como regalo en esta edición 30 aniversario han regrabado un corte que se quedó en el cajón: Los gigantes del tiempo, en homenaje "a todas las personas que luchan contra el maltrato infantil". De hecho, el tema se ha grabado para la Asociación Motorista P.I.C.A. (Protección a la Infancia Contra el Abuso) de Aragón.

En aquel disco participaron Mariano Gil a la guitarra y la voz, Nacho Jiménez al teclado, Félix Tolosa
a la guitarra solista, Nacho Miana al bajo y Pedro Segura a la batería. Hoy en día, han completado el tema extra junto a Mariano y NAcho el batería Teto Viejo, el bajista Fernando Mainer y el segundo guitarra Iñigo Zubizarreta.
Respecto a la edición 30 aniversario, poner por delante la calidad de la remasterización, a cargo de Dani Alcover, y la calidad del producto, tanto el vinilo como el cartón. Por poner un pero, ese rollo de imagen desgastada de la portada y el sello del aniversario tan visible no me gustan nada. Ahora, gracias a los premiados por el esfuerzo. Ojalá aparezca la discografía entera de la banda. Que son difíciles de encontrar.

Pasad un buen fin de semana caluroso.