El Mecánico del Swing - Lo que no te mata te hace fuerte (Sono records,1993)

"Una canción es un espíritu sin cuerpo, si le prestas el tuyo durante unos minutos, cobrará vida" (El Mecánico del Swing, de la contraportada)

En las dos últimas entradas quizás me he desviado un poco del itinerario que me marqué cuando me invitaron a escribir por aquí y que me han recordado en algún comentario previo. En teoría, este es el sitio ideal para compartir vinilos que por una u otra razón son o fueron importantes para el que escribe. Así que esta vez he rebuscado en mi pobre colección de vinilos para traeros uno muy especial por varias razones. Espero ser capaz de contarlo.

Soy padre de dos niñas maravillosas. Como muchos adivinaréis, me he comido dvd's de Cantajuegos a tutiplen y vídeos de Pocoyó a cascoporro. Por eso, cuando unos amigos nos comentaron de acompañarles a un espectáculo musical infantil, acudí bastante reacio. Sin embargo, fue una sorpresa porque no era típico. La música estaba orientada a los niños, lógicamente, así como la estética. Mejor decir que la letra estaba orientada porque la música era distinta a lo que estábamos acostumbrados. Se oía rock, blues, celta, rumbas. Alli habían guitarras, armónicas, violines. No sé, un cambio abismal con lo que habíamos sufrido hasta entonces. Nos gustó. Y me dio por investigar un poco quién estaba detrás de ese grupo infantil, Zascanduri. Y encontré que un tal Luis Farnox era el creador de aquello.Farnox, Farnox...de qué me suena, de qué me suena.Otra búsqueda más y, bingo. Luis Farnox era y es El Mecánico del Swing. Y al Mécanico sí que lo conocía. Me gustaba mucho a finales de los ochenta. A ver, ¿quién de aqui que sea un poco pureta no grababa cassettes con canciones directamente de la radio? Era complicado porque tenías que eludir a los locutores que solían hablar hasta que el artista que querías inmortalizar en tu cinta de hierro o de cromo empezaba a cantar. Pues bien, en aquellas cintas que grababa, junto con los inicios de Héroes del Silencio, La Dama se Esconde, Ronaldos, Rebeldes, Terence Trent D'arby, Fairground Atraction, Bobby McFerrin, Eddy Grant, aparecen varios temas de El Mecánico del Swing. Eso sí, nunca compré un LP suyo. Y le perdí la pista al principio de los noventa. Hablando esto con mi mujer, me dijo que recordaba que había pasado noches enteras escuchando una canción de ellos, "Lo que no te mata te hace fuerte", y que había sido muy importante para ella. Pues bien, nos hicimos asiduos a estos espectáculos infantiles (a mis enanas les encantaban y aún disfrutan) y llegamos a conocer a los artistas e incluso cultivar una relación bastante cercana. Imaginaos la sensación de conocer a alguien que compuso canciones que significaron algo importante para ti. Ya he comentado en otras ocasiones que la música no es sólo música, sino emociones.

Bien, ya tenemos una de esas razones para que este vinilo sea especial. Otra de ellas: ¿os podéis creer que mi mujer nunca había tenido un vinilo? Pues bien, decidí remediar eso y busqué en tiendas de segunda mano hasta encontrar el LP donde venía la canción que era tan especial para ella y regalárselo. Sí, el que titula esta entrada. Yo puedo recordar el primer vinilo que tuve. Es algo importante, ¿no? Más razones: un día que se terció, Luis Farnox firmó y dedicó el disco. Ilusión tremenda por ambas partes (más por la nuestra que por la suya que está más acostumbrado).

Farnox es uno de esos músicos que considero infravalorado en el ámbito musical. Si no fuera por su eclecticismo desaforado que le ha hecho picar de todos los estilos, podría haber sido un grande del rock en España. Cantante, guitarrista, armonicista y compositor (además de escritor y diseñador gráfico), ha trabajado con grandes como Joaquín Sabina (tengo el Esta boca es mia y aparece en los créditos) y Rafael Amargo. También ha colaborado con artistas como La Guardia, Tennessee, Alberto Cortés. Su primer grupo conocido fue V° Congreso, un grupo pop con escarceos rock-funk que fundó junto al malogrado guitarrista y productor José Antonio Romero, con el que era asiduo a programas como La Bola de Cristal (como curiosidad el batería de aquel grupo terminó siendo un humorista famoso, Bermúdez). Cuando se separaron, le dio por formar El Mecánico del Swing y fue precursor en el uso de violines y mandolinas en el pop rock español, incluso antes que los Celtas Cortos. Con su segundo disco, tuvo un éxito moderado con la canción "Tranquilos muchachos". Seguían apareciendo en programas como Rockopop o el Un,dos,tres. El vinilo que os traigo es el tercero de su carrera. Luego ha hecho bastantes más, mezclando estilos y llegando a dar forma a un sonido que denomina etno-pop. Si a Bunbury le dio por el cabaret, el Mecánico le dio al tema verbenero. Luego al flamenco (su padre era un famoso cantaor), al más puro estilo cantautor...parafraseando a Sabina en su canción con Rosendo: "menos un bakalao lo que quieras".


Y ahora, por fin, empiezo con el disco en cuestión. El diseño gráfico de la portada está realizado por el propio Farnox, con sus dibujos. Como arreglista y productor, Joaquín Montoya (Azul y Negro) y colabora en las guitarras Isidro Arenas, de Tennesse. El primer corte tiene intro de la maravillosa armónica de Farnox que parece que nos lleva a un blues...aunque como casi siempre con El Mecánico del Swing, lo que parece no es lo que es. "Tren fantasma" es un tema festivo que nos lleva a la canción estrella del vinilo, la que le da título: "Lo que no te mata te hace fuerte".

Este tema es una versión autorizada del éxito de los Dexy's Midnight Runners de Kevin Rowland "Come on Eileen". La letra no tiene nada que ver, por cierto, totalmente adaptada a las vivencias de Luis. En mi opinión una gran versión, con una letra de cómo superar una ruptura y un feeling especial. Difícil cansarse de escucharla. De los aires celtas y folk, pasamos ahora sí, a un blues, "Desnúdate (como quien canta un blues)". Y para cerrar la primera cara, una pequeña y desconocida joya "Enemiga mia" que suena a Waterboys. 

Para la segunda cara recuperan un tema de su primer LP, "La taberna del loco" que se llama igual que el grupo: "El Mecánico del Swing". Me gusta más la versión original (de hecho es una de esas canciones que señalaba antes que tenía registrada en esas cassettes grabadas de la radio). pero da igual: me da un buen rollo enorme. Será por esa relación emocional pero sigue siendo mi favorita del grupo de siempre. 

Seguimos con "Desde mi terraza" quizás la más Waterboys de todo el trabajo. Continúa una canción en tono irónico e influencias hindúes sobre una chica vegetariana, la "Chica occidental"

"Perro guardián" es mucho más Stray Cats. Y termina con "Cuánto + me repito +nervioso me pongo" un tema principalmente instrumental aunque Luis frasea el título. Por cierto, este es un tema que luego adapta en su espectáculo infantil. De hecho, usa alguna que otra canción suya adaptada. Por eso lo que decía antes de que hacía música para niños pero no es música de niños.

De todas formas, dando una opinión general del disc,a pesar de que no puedo ser muy objetivo por el tema emocional, reconozco que es posible que la producción del disco, excesivamente ochentera para estar ya en los noventa, lastre el resultado final.

Esta canción pertenece a su primer disco, pero como era la otra que figuraba en mis cintas, no puedo evitar ponerla (bueno y que no es fácil encontrar en Youtube material del vinilo que comento) "Armónica de blues".

En fin, ya se que me desvío un poco de la temática rockera de este blog, pero me apetecía hacer esta entrada. Y me apetece terminarla con una canción que no es de este LP pero es perfecta como tema reivindicativo...y para echar a la gente de los bares a la hora de cerrar: "A la calle"  Pues eso: A la puta calle.

Tangerine Flavour - No Hard Feelings (Larvin Music, 2019)

"When the moon began to tell their stories, we both knew they were not true"

Aunque la letra de una de las joyas del disco, Ballerina, contemple la falsedad de ciertas historias bajo la luz de la luna, la historia de los Tangerine Flavour rebosa autenticidad por todos los acordes. Alrededor de un lustro como banda a sus espaldas mediante, en este tiempo han grabado un EP homónimo y el No Hard Feelings: un LP responsable de estas líneas, muchas noches de Moloko y de que la discográfica Larvin Music les echara el ojo para reeditarlo hace unos pocos meses (el disco salió en abril del pasado año), en la quintaesencia de los formatos habidos y por haber de la historia de la música.

Sería un error intentar relacionar una única etiqueta con la música que hace esta banda, cuyo núcleo duro se compone de Fernando Lima al bajo y Pablo Martín y Miguel Polonio a las guitarras. Lo suyo es una paleta donde caben estilos desde el pop luminoso de South American Style (fa fa fa fa incluido, ¿posible guiño a los Kinks?) pasando por los medios tiempos intimistas como It Ain't Over Yet. La cosa no acaba ahí, porque Tom Petty sobrevuela en canciones como la que abre el discazo: Followin' The Path Of The Sun, con esas guitarras cuyos acordes navegan por el mismo río que los de temas como el All The Wrong Reasons. Hablando de ríos, Red River constituye otro ejemplo perfecto de eclecticismo musical donde los únicos límites son el primer y último surco que marcan los casi 180 segundos del tema.

Los riffs adictivos también caben en el disco, como bien reivindica Love Hurts Me Again, una de esas canciones concebidas para declarar la guerra a la afonía, idónea para reventar cualquier sala que pisen y pongan patas arriba, como hicieron el pasado viernes con la Sol. Pero si hay una canción para volar cabezas y romper esquemas de cualquier índole, esa es la encargada de cerrar el LP: Time Is Runnin' Over, que puede concebirse como un excelente punto de partida para el futuro cercano de los Tangerine en forma de novedades musicales. Hasta entonces, este disco supone un delicioso oasis donde quedarse a vivir un buen rato para cualquier persona sedienta de música sin etiquetas ni complejos.

Manowar "Into Glory Ride" Music For Nations 1983

Creo que este es uno de los mejores lanzamientos de la historia del heavy metal. Todo es perfecto. Aquí vemos a Manowar, potenciado por la recepción de su primer lanzamiento, yendo por el camino de crear los primeros grandes álbumes de metal épicos al estilo de las dos últimas canciones completas de Battle Hymns (su debut). Después de abandonar a Donnie Hamzik, fue reemplazado por Scott Columbus (RIP) en esta versión. 

El álbum comienza con un número de metal de velocidad duro y feliz llamado 'Warlord'. Esta es básicamente una canción sobre montar Harleys y follar con chicas adolescentes y comienza de una manera bastante divertida. Es rápido, pesado y entretenido: una canción simple, pero ejecutada perfectamente. Aquí en "Into Glory Ride" los vemos abrazar la naturaleza épica de varias canciones. Aparte de la comercial, pero divertida "Warlord", todas las canciones suelen ser de ritmo medio o lento, con énfasis en la atmósfera. Los temáticas van desde Valhalla (una influencia importante en la Bathory de la era media, aunque Quorthon lo minimice), la guerra, la venganza de los compañeros muertos y los artefactos y misiones familiares y místicos. Disfruto de todas las pistas, aunque como se señaló en revisiones anteriores, "Hatred" tiende a arrastrar durante la sección instrumental y considero que esta es la canción más débil del álbum. De las siete pistas todas son uno auténticos himnos del Heavy Metal. 

El tracklist es el siguiente: 

Lado A

A1 Warlord

A2 Secret Of Steel

A3 Gloves Of Metal

A4 Gates Of Valhalla

Lado B

B1 Hatred

B2 Revelation (Death's Angel)

B3 March For Revenge (By The Soldiers Of Death)

El resto del álbum, sin embargo, tiene una sensación muy diferente. Todas las otras pistas son absolutamente épicas. "Secret of Steel" es una canción increíble: es inquietante, la guitarra y el bajo personalizado de Joey hacen un trabajo inusual que aún no ha sido igualado, y casi suena progresivo sin la pretensión. 'Hatred' es una canción oscura, agresiva y sin embargo lenta; tiene algunos pasajes muy espeluznantes que crean una atmósfera que no suele encontrarse en el heavy metal tradicional en esta medida (con algunas excepciones obvias).

La guitarra en este álbum es brillante, ya que Ross the Boss no se molesta con la experimentación en el diapasón que estaba en ascenso en 1983. En cambio, es un guitarrista más tradicional que siente cada nota que toca. La forma de tocar de Ross atrae la escucha a la música y yo preferiría tener música en la que pueda perderse en lugar de los reemplazos que no eran capaces de tanta magia. 

La batería es brillante, ya que Scott era un baterista muy creativo y no solo se basaba en ritmos genéricos reciclados. 'Gates of Valhalla' muestra particularmente su habilidad para mejorar los otros instrumentos con su batería. Joey, la mente detrás de la mayor parte del material de Manowar, ofrece una interpretación sublime en el bajo y sin un solo bajo en un disco de Manowar pues es de mencionar que arruina la continuidad del álbum. El secreto del acero se destaca en gran parte por él.

Pero el verdadero punto culminante del álbum es la voz de Eric Adams. Esta es probablemente la mejor interpretación vocal en la historia de la música rock. Su voz es poder con un rango tremendo; Puede pasar de ser un motor de speed metal a un maestro de ópera con una facilidad increíble. Él emplea hermosos falsetes y gritos que desafían la muerte, cantando un alto G y A con su voz completa. Hay pocas palabras que hagan justicia a su actuación. Solo escucha y recuerda que es poco probable que un cantante vuelva a alcanzar estas alturas. 

Con todo, esto es innovador y, en última instancia, es muy influyente. Los aspectos más destacados incluyen 'Secret of Steel' y 'March for Revenge', ¡pero en realidad como ya mencioné, cada pista es excelente!

Una absoluta masterpiece que debes tener en tu colección y escucharlo a todo volumen. 

Nos leemos la próxima semana amigos. 

Aerosmith - Permanent vacation (Geffen, 1987/2016)

La semana pasada se despedían de estas pantallas dos clásicos: Paco de La Torre (@Paco_delaTorre), definitivamente, y King Piltrafilla (@KingPiltrafilla), para su descanso veraniego. Eso me convierte en el más veterano del lugar y, qué queréis, me ha dado el gusanillo de mirar para atrás y luego para delante. Llevamos más de 1200 vinilos comentados y creciendo gracias al aporte de muchas personas locos por el formato que han ido y venido y vuelto a ir y, a veces, vuelto a venir. Pero como no quiero pecar de mustio he decidido dedicar esta entrada roquera a los rookies del año, a aquellos/as que os habéis estrenado los últimos meses y que, en cierto modo, sois el futuro de este blog (si lo tiene). Va por Dani Matute (@dmatuteb), Alberto Iniesta (@radioRock70), Quim Carro (@QuimCarro), Marcos (@Piroko23), Tina Jara (@TinaJaraRnRS) y San Free Bird (@sanfreebird72). 

Tampoco podía ser de otro modo. Esta semana en Twitter hemos debatido cariñosamente sobre Aerosmith y he aprovechado para traer uno de los más completos discos de la segunda vida de la banda, el Permanent Vacation. Sin enrollarme demasiado, que el verano invita a la desidia y reduce la concentración, no puedo evitar hacer un poco de previa. La compañía Geffen, y en concreto John Kalodner, decidieron apostar por el regreso de Aerosmith a primera línea a mitad de los ochenta. Juntaron a los músicos de los discos más exitosos, limpiaron un poco las venas del personal y les metieron con Tedd Templeman (Van Halen) en el estudio a parir Done with mirrors. La historia resultó algo irregular, las ventas de discos no fueron malas, la gira resultó correcta, pero Geffen quería más. Así que pusieron todo el dinero necesario y rodearon a los chicos malos de lo mejor de lo mejor: la producción de Bruce Fairbairn junto a su inseparable Bob Rock, Mike Fraser a las mezclas, George Marino en la masterización y los compositores de moda Desmond Child, Jim Vallance y Holly Knight. 

Y esta vez funcionó mejor. Porque además de mantener el toque clásico, se añade un trabajo melódico y armónico distinto, más amable al oído, y las letras siguen sonando sinceras; en fin, si uno acepta el sexo, el amor y la pérdida como leitmotiv.

Editado en la primavera de 1987 se alzó rápidamente en las listas de ventas gracias a canciones como Rag doll, Dude (looks like a lady) o la balada Angel. Junto a ellas, 100% Aerosmith suenan Permantent vacation, Magic touch y Heart's done time. Incluyeron la versión de I'm down de The Beatles, muy roquera, y un tema instrumental para rellenar la cara B.

Por si hace falta. Steven Tyler a la voz, Joe Perry y Brad Whitford a las guitarras, Tom Hamilton, al bajo y Joey Kramer a la batería. Por si os interesa, el guardarropas del señor Tyler se lo confeccionó una tal Teresa Barrick. Ah, y la portada y el workart se lo curraron la propia banda con Kim Champagne con una ilustración de Andy Engel.

El vinilo que traigo corresponde a una reedición de 2016 muy bien acabada, con la funda interior llenita de letras y créditos. 

Pasad un buen fin de semana, roqueros y roqueras.

UFO - No heavy petting (Chrysalis-1976)

Una vez más regresan los UFO a este espacio. Os recuerdo que la banda se formó a finales de los 60 con Phil Mogg (voces), Pete Way (bajo), Andy Parker (batería) y Mick Bolton (guitarra) en sus filas aunque pasarían a la historia como el fabuloso grupo en el que tocó un jovencísimo Michael Schenker antes de iniciar su andadura en solitario. Y como ya os he hablado en este espacio del primer álbum que el alemán grabó con los británicos y del último en el que participó en los 70, hoy os traigo el que queda justo en el medio, No heavy petting, el quinto vinilo de estudio de la banda en el que –además– incluyeron a un teclista, el argentino Danny Peyronel –más tarde se establecería en Madrid y pasaría por grupos míticos como Banzai o Tarzen– en la que sería su única participación en un disco de UFO. Editado en 1976 –aunque yo poseo la reedición española de 1982–, No heavy petting fue producido por Leo Lyons en los londinenses Morgan studios y contó con una nueva impactante portada de Hipgnosis. 

El track list fue: 

A 

Natural thing 

I’m a loser 

Can you roll her 

Belladonna 

Reasons love 

B 

Highway lady 

On with the action 

A fool in love 

Martian landscape 

El primer tema del disco es Natural thing, cañero, hard rockero y un perfecto inicio de álbum que precede al más pausado I’m a loser, con ese sonido típico que Schenker materializó en Phenomenon, piano, guitarra acústica, solo magistral y la estupenda y distintiva voz de Mogg. Un temazo, vaya. Can you roll her es otro trallazo, que se inicia con los teclados de Danny Peyronel –uno de los autores del la canción–, con otro solo de Schenker de los que hacen época. Es uno de mis temas preferidos del álbum. Esa descarga de energía encuentra respiro en la fabulosa Belladonna, el desgarrador baladón del disco. Una vez más, la emoción que provoca la unión de la voz de Mogg y la guitarra de Schenker se hace insuperable. Y más sonidos marca de la casa, con ese riff tan schenkeriano que abre el último tema de la cara A, una Reasons love que el rubio guitarrista adorna con un solo estupendo. Y como siempre, aportando el pegamento que lo une todo, la dupla Way-Parker. 

La segunda cara se inicia con un tema de Peyronel titulado Highway lady al que la voz de Mogg y las guitarras de Schenker –con su solo resultón– saben llevar al terreno de la banda, aunque el resultado no es típicamente UFO. Le sigue On with the action, un medio tiempo en el que la base rítmica tiene gran protagonismo y Schenker nos regala otro gran solo. Le sigue A fool in love, uno de los temas más conocidos del disco, además de otro de mis preferidos, que no es de la banda sino de Frankie Miller –rockero escocés que tenía contrato con Chrysalis y había trabajado con Thin Lizzy– y Andy Fraser, exbajista de Free. Y por último, Martian landscape, un tema pausado que tanto en el título como en esos teclados de Peyronel –coautor también– nos remiten al space rock de la época pre-Schenker de la banda. Un digno final para un disco que quizás no esté entre los tres mejores del grupo pero que resulta igualmente imprescindible. 

¡Feliz viernes! 

@KingPiltrafilla

Y con esta entrada volante sin identificar pongo el punto final a las colaboraciones de este curso. Estos meses los dedicaré a escuchar mucha música y escoger nuevos vinilos de los que hablaros en el futuro. Un abrazo a todos los que leéis este blog y feliz verano.

Robert Palmer - Heavy Nova (1988 EMI)

Heavy Nova cumple este 2019 nada menos que 31 años. Aunque no es un mal disco, está por debajo del anterior de Palmer, Riptide, que lo petó en el 86 con el "Addicted to Love". Todo el mundo recuerda este Heavy Nova por su mayor hit, tanto musical como videomusical: "Simply Irresistible". Una canción muy rock que, al igual que el "Addicted to Love", le reportó un Grammy a Palmer y que no fue número uno en USA porque una tal "Sweet Child o'Mine" se lo impidió. Y un clip que marcó una época y que, sin lugar a dudas, es uno de los más icónicos de los 80. Muchos lo copiaron (Pepsi hizo comerciales con el propio Palmer o Britney Spears) y otros lo parodiaron ("Man I feel like a woman" de Shania Twain, "Girls chase boys" de Ingrid Michaelson, "Wild thing" de Tone Loc) Es una continuación del video del "Addicted to Love", también protagonizado por modelos. En definitiva, está claro que Robert buscaba continuidad para repetir su megahit ¿Qué no te acuerdas de él? Imposible pero, por si acaso, aquí lo tienes. 

Y este es el "Addicted to Love" para que veáis la continuidad.

La sensación al escuchar el LP es que quedó un trabajo muy ecléctico y un poco disperso porque mezcla muchos estilos distintos. Pero lo hace cambiando el estilo en cada canción, por lo que queda demasiado heterogéneo. Aún así, fue su segundo disco que más copias despachó.

El segundo corte, "More than ever", sigue un poco la estela del "Simply Irresistible", también con guitarras hardrock, pero más bailable, por decirlo de alguna manera.

Sigue "Change his ways", una divertida canción con  toques tiroleses y bailable. Pero como también tiene cierto deje africano, curiosamente se escogió como single en Reino Unido intentando seguir la estela que dejó el bombazo de Eddy Grant, "Gimme hope J'oanna". Cosas de las discográficas. El clip mezcla dibujos animados con imágenes reales y en este caso sustituyen a las modelos típicas por patas.

Volvemos más al estilo Palmer con "Disturbing behavior" quizás con un poso country con esa guitarra de pedal. El siguiente tema, "Early in the morning" fue escogido como single en USA, quizás porque para el mercado americano encajaba mejor con su funk y R&B. Es una versión del grupo The Gap Gang. 

Pero en UK el single elegido fue la delicada y orquesta "She Makes My Day". Y la decisión tuvo que ser correcta, pues fue el mayor éxito en listas de Robert Palmer en el Reino Unido. Seré un poco moñas pero es la canción que me hizo comprar el vinilo. Siempre he sentido predilección por las Big Band, con sus metales, coros y orquestación, y me recordaba un poco a ello. Y el video me enamoró desde la primera vez que lo vi.Y me sigue emocionando y podría verlo en bucle y me encanta la técnica de grabación en una sola toma. Por cierto, creo que también hay influcencias de este video en otros que hicieron más tarde, por ejemplo, Extreme con el "More than words", Billy Joel con "It's all about soul". Os recomiendo un vistazo.

Y entramos en las tres últimas canciones. El bossa nova de "Between us" es ideal para escuchar en una terracita viendo atardecer y tomando una copichuela."Casting a Spell" comienza con un coro africano para derivar en un tema muy funk. Un claro ejemplo de la intención de mezclar estilos y músicas. En mi opinión muy poco conseguido, pero bueno. Y termina el vinilo con "Tell Me I'm not dreaming" también escogido como single en USA. Un dueto con la cantante BJ Nelson que busca el éxito en pistas de baile, con un fuerte toque de R&B y muy "groove": parece más un tema de Whitney Houston o alguna diva del Rhythm and Blues ochentero y noventero.

En definitiva, un disco que hay que escuchar con oidos de los 80 para no terminar desencantado con él pero que entra en historia de la música gracias al "Simply Irresistible". 

Zeus – Zeus (1987 - Chupa)

He ido guardando el vinilo que hoy reivindico, recupero y os recomiendo (RRñR) para una entrada muy especial, la última.

Todo está en orden amig@s, los rocanroles siempre seguirán corriendo por mis venas, simplemente ésto ya no me motiva y paso página.

Las 200 copias de Zeus, el único LP de la banda barcelonesa homónima, son de las más  buscadas por los coleccionistas de rock de España y de media Europa. Pero también es un gran trabajo, uno de los mejores del heavy metal español que hoy llamamos clásico.

Hamlet - Hamlet (Locomotive, 2002)

Tenía, la verdad, preparado un disco totalmente distinto, por época y por estilo, pero la retranca con la que han martirizado esta semana a Molly a costa de la boda de su ex-pareja, Pilar Rubio, con el futbolista, me ha llevado a querer reivindicar desde este rinconcito bloguero la excelente trayectoria musical de su proyecto Hamlet, con este su sexto largo.

Cuando un grupo con carrera y cierto renombre edita una portada negra (o blanca) y llama a su nueva criatura como la banda, como un álbum primerizo, es que algo está cambiando (o va a cambiar). Y eso sucede con este. Para mí, cierra su trilogía mejor: Insomnio en 1998, El inferno en 2000 y este Hamlet en 2002, todos a las órdenes de Colin Richardson (Carcass, Slipknot, Kreator, Sepultura). Mantienen su apuesta por el trabajo rítmico y refuerzan el groove de los temas pero comienzan a elaborar algo más las melodías vocales, sin perder su rudeza, creando auténticas burradas como Limítate (que fue sencillo y se llevó vídeo), Acuérdate de mí ("no voy a echar atrás, no voy a permitir/ni una injustica más, ningún esclavo más"), Queda mucho por hacer, con excelentes guitarras, o Esperaré en el infierno ("somos los hijos del asesinato/de los fanatismos, de los maltratados"). 

Siempre reivindicando, Molly escribe las letras y canta, Luis Tárraga se encarga de las guitarras y de componer la música de todos los temas con la colaboración de Augusto Hernández, bajista. La batería corrió a cargo de Paco Sánchez y la segunda guitarra la puso Pedro Sánchez. Lo que viene a ser el line up clásico, vaya.

El vinilo es muy sencillo (con el cambio de siglo me reconcilié con el heavy y con los sonidos más brutos), el primero editado por Locomotive Music. Incluye el encarte con los créditos y las letras y unas fotillos. Una gozada siempre ver girar el círculo negro mientras te atruenan los oídos.

Pasad un buen fin de semana, apagad la tele y encontrad lo que buscáis.

Bon Jovi – Bon Jovi (Mercury-1984)

Así es, vinileros, hoy os traigo el disco de debut de Bon Jovi, el álbum con el que empezó todo y del que este año se ha cumplido el trigesimoquinto aniversario. Lo cierto es que he dudado entre hablaros de este o de su infravalorada continuación, otro estupendo disco, ya que ambos fueron la base sobre la que asentaron el pelotazo que llevó al grupo a la fama, ese aplastante y megaexitoso Slippery when wet que no poseo en vinilo y del que aquí encontraréis la correspondiente reseña. Pero finalmente me he decidido por el debut de la banda. Y tal como a estas alturas ya debe saber todo el mundo, resulta que un jovencito amante de la música con hambre de estrellato llamado John Bongiovi –gracias a las relaciones de su tío Tony, dueño de los míticos neoyorquinos estudios de grabación The Power Station– consigue grabar en 1982 el single Runaway con el que pretende sonar en las emisoras de radio de rock y conseguir así un contrato discográfico. 

Para ello se rodea de los músicos de sesión Hugh McDonald –bajista que también grabaría con Alice Cooper–, el guitarrista Tim Pierce –con una lista de colaboraciones larga como un día sin pan–, el batería Frankie LaRocka y el teclista y pianista Roy Bittan, otro experimentado músico de sesión que no necesita presentación y a quien se conoce principalmente por ser miembro de la E Street Band y sus colaboraciones con Jim Steinman. Total, que el single fue un éxito y Jon Bon Jovi –que a esas alturas ya había desitalianizado su apellido, al menos profesionalmente– consiguió el contrato que ansiaba. Para ello tuvo que formar su propia banda –a la que por supuesto llamó Bon Jovi–, para la que reclutó a su amigo teclista David Rashbaum, al guitarrista Richie Sambora, al batería Tico Torres y al bajista Alec John Such con los que dio forma al que estaba llamado a convertirse en el disco de debut de una de las bandas más importantes de la escena del rock de finales del siglo XX. 

Grabado en los Avatar studios con Lance Quinn a la producción –y la colaboración de músicos como Aldo Nova, Chuck Burgi o Doug Katsaros–, en enero de 1984 llega a las tiendas Bon Jovi, con portada de Geoffrey Thomas y el siguiente track list: 

A 

Runaway 

Roulette 

She don’t know me 

Shot through the heart 

Love lies 

B 

Breakout 

Burning for love 

Come back 

Get ready 

El álbum se inicia con las notas de teclado de Runaway, un temazo enorme muy ochentero y con un buen solo de guitarra. La verdad es que no me extraña que la canción supusiera para Bon Jovi la oportunidad de grabar su primer elepé porque es genial. Lo que me sigue pareciendo raro es que, una vez formada la banda definitiva, esta no regrabase el tema y dejase en el disco la original de 1982. En fin, un hit single de manual. Le sigue Roulette, algo más hard rockera aunque con unos coros matadores en su estribillo –uh uuuuh– que siguen indicando la vocación de Jon de convertirse en una radio star. Otro tema imprescindible con estupendo solo de Sambora. Otro temazo es She don’t know me, escrita por el compositor Mark Avsec de la banda de Donnie Iris. Llega entonces Shot through the heart, un temita agradable de escuchar pero que en mi opinión, tras los tres pelotazos anteriores, desmerece un poco. Y luego le toca a Love lies un medio tiempo que entra con los teclados de Rashbaum y la voz desnuda de Jon antes de golpearnos con un estribillo que me recuerda a los coros de Torture, de The Jacksons. Es otro temazo ochentero, simple quizás, pero inolvidable. 

Ya en la cara B, unas breves notas a lo synthwave dan inicio a Breakout, un tipico hard rock de la época, con la guitarra marcando el camino junto a la base ritmica, aunque con los imprescindibles teclados arropando un tema salpicado de coros. En esta, a Jon se le nota un poco forzado en las notas más altas –y es que vocalmente Jon Bon Jovi tiene algunas limitaciones que suplía con carisma, energía y determinación, al menos en aquellos años– y Sambora nos ofrece un solo enérgico y rockero. Es de los más cañeros del disco. Burning for love es otro de los singles que se editaron del álbum y es un tema alegre, rockero que podría estar perfectamente cantado por Pat Benatar. Aquí Sambora nos regala uno de los solos más cañeros del disco. Come back también es animada y pegadiza aunque no me parece nada especial y el disco finaliza con Get ready, quizás el tema más cañero y guitarrero del disco. 

En fin, lo dicho, que evidentemente Bon Jovi no salió tan redondo como Slippery when wet –la rampa al olimpo de la banda–, pero es el disco con el que iniciaron su andadura, lo que le hace especial además de su valía por si mismo. Lástima que –por mucho que sus acérrimos defensores me contradigan–, después de tocar el cielo, Bon Jovi se dedicasen a vivir de las rentas de la fama haciendo discos cada vez más mediocres y aburridos. 

Bonus: A mediados de los 70, Craig DeBock y Gino Milchalk –amigos desde la escuela– tenían una dance band con la que participaban en bailes de adolescentes bajo el nombre de Ragweed tocando soul y temas de la Motown. Lo cierto es que llegaron a tener cierto éxito en el noroeste de Ohio por lo que, gracias al dueño de un club de Akron, lograron contactar con un agente de Buffalo que les consiguió una gira tras cambiarles el nombre por Flavour. 

En 1980 grabaron bajo el nombre de LaFlavour su primer álbum, Mandolay, que había sido escrito y producido por Mark Avsec. El disco tuvo dos singles y llegó al #7 en las listas de disco y club dance. Entonces MCA decidió cambiar su nombre a Fair Warning para lanzar un nuevo trabajo en el que iba a constar un single compuesto de nuevo por Avsec. Su nombre, She don’t know me. Sin embargo, el sello –que por aquel entonces tenía acuerdos de distribución con PolyGram, que controlaba Mercury records– inexplicablemente decide dar el single a Bon Jovi y guardar en el cajón el elepé de Fair Warning. 

Y así es como llegó el tema al público. Sin embargo, os adjunto la versión inicial –bendita internet– para que podáis ver como hubiese sonado de mano de sus intérpretes originales. 

¡Feliz viernes! 

@KingPiltrafilla

Radio Futura - Escueladecalor (BMG Ariola - 1989)

Todo aquello que a principios de los ochenta se llamó de manera heterogénea La Movida nos regaló un montón de mierda y algunos grandes discos. De las bandas metidas en aquel saco Radio Futura emergió creando una discografía muy particular, pasando de las influencias más poprock anglosajonas a una especie de mestizaje latino que acabó creando uno de los mejores discos del género (La canción de Juan Perro) seguido de este directo poco después. 

Escueladecalor se grabó en Valencia, a finales de octubre de 1988, y se editó, tras un severo retoque en estudio y un corte en su duración por parte de los responsables de la compañía. Maquillaje por el estudio necesario, en parte, por que en aquellas fechas Santiago Auserón (cantante) no estaba muy a tono. Recorte porque los jefes del cotarro no quisieron pagar un disco doble "de verdad": la banda grabó dieciseis canciones y al final solo se editaron once y, además, según ellos, no las mejores.

En definitiva, Escueladecalor resulta un buen recopilatorio en directo con algunas de sus mejores canciones en buenas versiones (algunas excelentes). Además de Santiago Auserón a la voz escuchamos a Luis Auserón al bajo, Oscar Quesada a la batería, Pedro Navarrete a los teclados y Enrique Sierra y Javier Monforte a las guitarras.

Me quedo con los más de siete minutos de Paseo con la negra flor, El canto del gallo y A cara o cruz. Una pena que no metieran Anabel Lee, por ejemplo. 

La edición es la original, impresa en Madrid, con encarte sencillo y dos discos. El diseño la verdad que está currado.

Disfrutad el fin de semana, pandilla.

Donovan - Cosmic Wheels (1973 - Epic) 🇬🇧

Hoy traigo la edición española de este mítico y sideral Rodajes cósmicos de Donovan Leitch, en su edición española de 1982 de historia de la música rock, cuya portada he cambiado por una club edition personal que me he imprimido en a3. El vinilo en sí es el mismo que la edición española de Epic - 1973 censurada por el franquismo en "El laxante intergalactico" (dice pene y polla) y suena un pitido cuando salta la canción..  Al margen de eso hablar del album es hablar de la demostración de que Donovan a principios de los 70s sacó un elepé a la altura de sus primeras obras y años de oro a finales de los 60s; Cosmic Wheels es recordado como una pieza importante del folk rock psicodelico británico junto con los inicios de Marc Bolan con T. Rex por ejemplo, por poner un artista similar. Este album tiene también ciertos tintes de un rock n roll que se nota que es propio de principios de los 70s en la era pre-glam. Donovan se estaba recuperando de ese album de canciones infantiles del 71 que si bien podemos entenderlo conceptualmente como psicodelia por la cosa de lo que la infancia representa jaja fue una etapa muy baja de su carrera por motivos obvios. Tras Cosmic Wheels en 1974 seguiría el camino espiritual, hippie. psicodelico con sonidos nuevos que ya no llegaron a triunfar tanto no por su sonido como por que en 1974 la edad de la psicodelia se estaba acabando. Este disco me impacto mucho oirlo y me gusto cuando lo escuché en el stoned friday de hace un mes. Muy.. Cósmico.

Le pondría al album la etiqueta conjunta de soft rock pero no, la mayoría de los temas no voy a decir que sean heavy psych pero estan hechos de forma que los notas pesados, es como estos temas de Neil Young tan intensos y bien grabados que los notas muy intentos con fuertes riffs o movimientos de cuerdas sin ser un genero necesariamente pesado. Ostia! acaba de entrar un pedazo de pajaro a la habitación mientras escribía, se ve que la paz de Donovan es tal que ha entrado sin más jajaja

Respecto al franquismo es una putada y los curas unos cerdos, la censura una mierda pero creo que vivimos a día de hoy tiempos peores, la censura progre, el marxismo cultural, la hipergamia, los millenials, la censura de lo políticamente correcto, la globalización, los lobbys, las rrss.. ingeniería social. Este disco a las muy malas podías conseguirlo de importación en tiendas si lo pedías. A día de hoy hasta un hippie de la época sería visto como un fascista por alguna gilipollez de la gente de hoy.

Side one

"Cosmic Wheels" – 4:02

"Earth Sign Man" – 3:56

"Sleep" – 3:48

"Maria Magenta" – 2:12

"Wild Witch Lady" – 4:27

Side two

"The Music Makers" – 4:28

"The Intergalactic Laxative" – 2:49

"I Like You" – 5:18

"Only the Blues" – 3:13

"Appearances" – 3:44

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Respecto al elepé si es cualquier otra edición que no sea la española perfecto y no se cuanto puede valer pero no creo que más de 15€.. si es la española no lo compréis no vale ni para cagar yo porque compre sin saber y me costo 2€ en ofertas de rastrillos que es donde vienen los de historia de la música rock. Es muy feo que te venga un tea censurado, además es que es un pitido muy fuerte que jode, podrían al menos haber sustituido el tema por otro como hicieron con el Aqualung español de 1971. 

Sabéis lo que me acaba de pasar, me lo he dejad sin querer al sol y se ha doblado jajaja joder vaya cagada, bueno lo pondré de adorno en mi cuarto como ya digo es un disco que no tiene valor quizás por eso e lo deje sin querer al sol en la mesa.

El LP original obviamente viene con portada plegable y mucho arte dentro.

Salurocks!!