Whitesnake - Come and get it/Ven y cógelo

Buenas compañeros.
Soy nuevo en esto y por eso os pido de antemano perdón por no saber manejarme muy bien por este medio. Lo prometido es deuda y aquí va mi primer post referente al primer vinilo que llegó hasta mí cuando solo tenia 14 añitos.
Después de muchas fatiguitas conseguí convencer a mis hermanos y a mis padres para que esas Navidades el regalo para toda la familia fuera equipo de hi-fi marca Sony (una pasada para la época) y el vendedor decidió regalarnos a cada hijo un disco y a mí como me vio con esa cara de felicidad me regaló dos,este y el número de la bestia de Iron Maiden. Este lo elegí por casualidad porque mi intención era coger el Saints and Sinners (un amiguete me puso el Here I go again en su casa y quedé hipnotizado) pero como no lo tenían escogí este. Triunfé. Discazo, portadón y una de las joyas que tengo el placer de escuchar todavía. Ni decir que tengo su versión cd remasterizada.

Disfrutar lo mismo que yo.

The Night Flight Orchestra – Sometimes the world ain’t enough (Nuclear Blast – 2018)

Amigos del vinilo, de los de Helsinborg ya os hablé en una entrada que dediqué a su anterior lanzamiento por lo que no sorprenderá a nadie mi pasión por este batido de ELO, Survivor, Kiss, disco music, Jim Steinman... y tantos otros sonidos altamente reconocibles y recomendables. Así pues, no he podido dejar pasar la oportunidad de hablaros nuevamente de ellos y de este Sometimes the world ain’t enough que grabaron casi de inmediato a continuación de su fantástico Amber galactic de 2017. 

Producido por la banda principalmente entre los estudios del propio Richard Larsson y los Nordic sound lab, el line up es prácticamente el mismo que grabó su trabajo del año pasado y consiste en Björn Strid a las voces, David Andersson a la guitarra, Sharlee D’Angelo al bajo, Richard Larsson a los teclados, Jonas Källsbäck a la batería, Sebastian Forslund a la percusión y guitarras de apoyo, Hanna Carlsson al cello y Anna-Mia Bonde y Anna Brygard a los coros. 

Con portada de Sebastian Forslund y Carlos del Olmo, el track list de esta edición en vinilo picture disc es: 

A 

This time 

Turn to Miami 

Paralyzed 

B 

Sometimes the world ain’t enough 

Moments of thunder 

Speedwagon 

C 

Lovers in the rain 

Can’t be that bad 

Pretty things closing in 

D 

Barcelona 

Winged and serpentine 

The last of the independent romantics 

Marjorie 

Respecto al análisis de los temas, vaya por delante que quien destaca por encima de todos –al menos en estudio– es Strid con una voz versátil que encaja de maravilla en cada una de las canciones, tal y como ya quedaba sobradamente probado en sus anteriores obras. Y es que, en el fondo, este disco es más de lo mismo. This time tiene el sonido al que nos tienen acostumbrados estos tipos, un tema pegadizo y rapidito que engancha a la primera. Turn to Miami, con ese inicio a lo synthwave y melodía ochentera, nos muestra otro tema marca de la casa en el que hard rock y sonidos cercanos al disco pop setentero –coros femeninos incluidos– nos trasladan a épocas pretéritas bañadas por la nostalgia. Tiene un alegre solo de Andersson. Con Paralyzed llegamos al primer momento funky disco, siendo un tema en el que destacan las líneas de bajo del gran D’Angelo y con el que es imposible no mover los pies. 

Sometimes the world ain’t enough es el tema título del disco y todo un exponente de canción de hard rock con coros, estribillos pegadizos y un bajo funky que invita al baile, otro de esos en los que incluyen solo de teclados seguido del de guitarra. Como inciso, lo cierto que es que a muchos también nos gusta la oscuridad –el día antes de escribir esta reseña estuve disfrutando el Ordo an Chaos de Mayhem–, pero no se puede negar que la música de los TNFO contagia alegría, lo que es de agradecer en muchos momentos de nuestra vida. La cara prosigue con Moments of thunder, un medio tiempo con un inicio que me recuerda a Chicago, con una melodía preciosa, estupendos coros y un bonito solo de Andersson. Es, en definitiva, un tema sencillo y agradable, como todo en este disco. Y tras el momento de respiro, Speedwagon trae ritmo y energía, siendo otra de esas canciones en la que solo nos falta hacer palmas. 

Lovers in the rain es un temazo de estribillo pegadizo acompañado por unos teclados que me recuerdan vagamente a los de Never ending story de Limahl. No se puede negar que a las nuevas generaciones quizás les guste esta banda, pero el verdadero nicho de seguidores lo tienen en los cincuentones como yo, fans a los que el gusto por sus riffs, coros y melodías se mezcla con la nostalgia de sensaciones pasadas ¿no creéis? Can’t be bad es otro temazo que se inicia con la guitarra de Andersson y que de inmediato obliga a mover la cabeza arriba y abajo con una sonrisa en la cara. En el estribillo le he encontrado cierto regusto a Meat Loaf, salvando las distancias. Pretty things closing in se inicia con sintetizador y bajo –lo primero que se me viene a la cabeza es Heart of glass de Blondie– al que se une una guitarra funky junto a las voces y es claramente otro de esos temas que trasladan a finales de los setenta, a esa fusión de hard rock y ambiente de pista de baile con la que Vini Poncia –por citar alguien que creo que conocemos todos– ya experimentó en su época. 

Y como podéis imaginar, Barcelona por su simple título ya merece mi atención –a estas alturas supongo que ya todos sabéis que esa ciudad es mi hogar desde que nací–, pero es que además es otro tema marca de la casa que sigue los esquemas de la banda, con un sonido entre Survivor y pinceladas del Heading for a hero de Bonnie Tyler. En ese sentido, la parte buena es también la nota negativa, ya que el camino por el que transita la canción hace que resulte poco original y aporte poco. Pese a todo, es pegadiza, alegre y no desentona para nada en el conjunto del disco. Winger and serpentine es puro hard melódico ochentero, simple y directo y sigue este gran orgasmo musical con The last of the independent romantics, TEMAZO con mayúsculas en el que delicadeza y energía se mezclan para fructificar en uno de mis preferidos del álbum, con un estupendo trabajo de guitarras. Finaliza el espectáculo con Marjorie, un bonus track que aparece en las versiones en vinilo y digipack, que no sobra en absoluto y es más de lo mismo, The Night Flight Orchestra en estado puro. 

Resumiendo, un álbum muy completo, con muchas canciones, altamente disfrutable y súper recomendable. Dudo que aún no conozcáis a esta banda pero, de ser así, resolvedlo rápido amigos. 

¡Feliz viernes! 

@KingPiltrafilla

Speed – Speed (1985 - Discos Victoria)

Un poco de punk siempre viene bien. Su sonido es como un huracán de aire fresco ante tanta moñería reinante.

Formados en Guipúzcoa, SPEED eran, allá por 1985, el cantante Ramón Munita, los guitarras Fernando Santacana “Nando” e Iñaki Huarte “Fisuras”, Rafa Balmaseda al bajo, que recordemos había militado en el mítico grupo Parálisis Permanente, estando Javier López a cargo de la percusión.

Baltimoore - There's no danger on the roof (Grammofon - 1988)

De vez en cuando me gusta rescatar alguna banda de serie B del hard rock ochentero, y esta semana le toca a los suecos Baltimoore con su disco debut There's no danger on the roof. La banda se formó alrededor del cantante Björn Lodin, el rubito de la portada, quien había conseguido un contrato con Elektra Records para un disco en solitario. Lodin, que tenía cierta reputación en Escandinavia y formó brevemente parte de Krokus y tuvo su propia banda, Six Feet Under, decidió conformar un grupo al que denominó Baltimoore. Reclutó a su excompañero Thomas Larsson para que se hiciera cargo de las guitarras y contrató a varios músicos amigos, como al teclista Mats Olausson o al batería Rolf Alex. Todos muy conocidos en su país, supongo. Juntaron diez canciones, se metieron al estudio con la producción del propio Rolf Alex y dejaron para la posteridad There's no danger on the roof. 

La obra, metida en el hard rock melódico de finales de década, tiene algunos momentos brillantes. La cara A contiene tres composiciones de Larsson, lo mejorcito del disco, con buenos estribillos y guitarras, sobre todo Can't get you out of my mind y Dance, dance (con un rollo Ratt). Hay una versión del Hey bulldog de los Beattles pasable y una final, Rain, acústica, olvidable. La cara B está compuesta por Lodin, a excepción de The blues is just the same, a cargo del teclista invitado Ulf Wahlberg, un blues en toda regla muy apañado pero que pega poco con el resto. Salvo la inicial Ballerina (quizá la mejor del disco), el resto cumple sin más. La verdad, una pena que en la producción buscaran el lucimiento de Lodin, porque las guitarras suenan bastante bien.

Consiguió cierto éxito en Suecia y países aledaños, lo que les permitió firmar un contrato más largo y editar una continuación de título Freak. Tras él Thomas Larsson se marchó de la banda para convertirse un tipo de referencia en la escena, principal responsable del resurgimiento de Glenn Hughes a mitad de los noventa colaborando con él en el fantástico Fom now on... (1994) y en la gira posterior; Glenn siempre habla de este momento como el pistoletazo definitivo a su confianza tras la larga travesía del desierto que fue su desintoxicación y caída a finales de los ochenta. Si os interesa, Larsson realizó un estupendo disco titulado Freeride con Goran Edman a la voz; aquí lo podéis escuchar. Por su parte, Lodin se mudó a Finlandia y reclutó al guitarrista búlgaro (también emigrado) Nikolo Kotzev, otro tipo curioso; tras dos discos con Baltimoore formó su propio supergrupo, Brazen Abbot, donde compartió estudio con gente como Joe Lynn Turner, Tony Harnell, Jorn Lande, Ian Haughland o Jon Leven. En mi blog le dediqué una entrada, que os enlazo aquí.

La edición que traigo es la original española de época, con una separata carente de letras y unos créditos escuetos. Curioso que en ningún sitio aparezca el nombre de Lodin, ni siquiera acreditado como cantante.

Pasad un buen fin de semana, gente.

Sodom "Persecution Mania" Spv Steamhammer" 1987

En 1987 fue uno de los años más importantes en la carrera de Sodom. Su reputación antes dudosa se evaporó en el aire tan pronto como el EP "Expurse of Sodomy" llegó al mercado y "Persecution Mania" confirmó la nueva madurez del trío. El sonido del álbum fue menos agudo que el del glorioso EP, pero esto no jugó un gran papel. Debido a una mezcla más que sólida, basta y pesada, los técnicos del estudio habían demostrado sus habilidades. De acuerdo, las guitarras no lograron un alto grado de precisión o transparencia, pero el resultado general tuvo suficiente presión para recordarnos que el metal extremo era simplemente la mejor música que uno puede disfrutar. (Incluso 20 años después de comprarlo, todavía estoy convencido de éste hallazgo).

La impredecible locura que había sido un rasgo importante de su primer EP "Obsessed by Cruelty" ya se había perdido en el momento de la publicación de "Expurse of Sodomy". Sin embargo, la banda ahora más experimentada y los patrones de canciones más convencionales también tuvieron sus lados buenos. Un enfoque mejor estructurado no fue equiparado con composiciones formuladas. Y el funcionamiento ligeramente modificado no fue crucial por el hecho de que Sodom no ofreció un nuevo mega asesino como "Sodomy and Lust". Sin embargo, a quién le importó esto en vista de un álbum coherente con una gran cantidad de emocionantes canciones de thrash metal. Sin duda, casi todas y cada una de las pistas ha superado la prueba del tiempo y todavía es un placer escuchar este clásico, sí, esta palabra se puede usar sin dudarlo, de vez en cuando.

Sin aburrir al público con una introducción superflua, el álbum viene directo al grano. "Invierno nuclear" patea al oyente en los dientes de una manera poderosa. Sodom presentan su lado combativo. El abridor de ritmo rápido combina la franqueza, la agresión y una pequeña cantidad de pegajosidad. Además, su atmósfera ligeramente pesimista se convierte en una especie de tema primordial de "Persecution Mania". Muchas canciones adicionales difunden vibraciones similares, por ejemplo, "Onward to Golgatha", "Enchanted Land" y la pista del título. Este último brilla con un coro explosivo y su alta velocidad marca otra característica de la canción. Es una pieza ultra brutal la canción llamada "Onward to Golgotha", el preludio de "Christ Passion", enriquece el álbum con una secuencia mórbida y lenta. 

Parece ser la banda sonora de un funeral solemne pero sombrío. Sin embargo, este intermezzo de la canción con partes doom metal sigue siendo una excepción. Desde la perspectiva de hoy, el álbum no es demasiado duro, pero su velocidad promedio no deja ningún deseo sin cumplir. Cuando suman solo 35 minutos, todo debe tener su lugar en el álbum y no hay mucho que desperdicie el tiempo aquí. La mayoría de las canciones se activan a toda velocidad desde el principio y solo disminuyen la velocidad para los monstruosos riffs de ritmo medio o ese momento de extraña desolación en 'Nuclear Winter' que personifica su título. Los únicos indicios de exceso pueden ser la introducción de 'Procession to Golgotha' (fantásticamente de mal humor) y la 'Christ Passion' más larga pero más rápida, mientras que el final de 'Bombenhagel' puede considerarse tonto o genio, dependiendo de cuánto te guste ese envío melódico Eso es en realidad un himno del alemán de esos años.

Los miembros de la banda parecían ser grandes fans de Motörhead con la alineación de Tom Angelripper en el bajo y voz (así como las letras), Frank Blackfire guitarras insanas, Chris Witchhunter (RIP 2008) en los tambores y percusión . Por lo tanto, es lógico que no vieron ninguna razón para ofrecer una versión significativamente modificada del cover de "Iron Fist". Por lo tanto, la canción ofrece una sensación menos oscura que las otras pistas. Aparte de esto, parece como si la ocupación con este himno genérico enseñó a Sodom a crear una canción pegadiza. ¿O alguien sabe una mejor razón para el suave riff de "Bombenhagel"? La pieza cerradora no solo se refiere al himno nacional alemán. La canción, fácilmente estructurada, se caracteriza principalmente por su diseño perfecto para festivales al aire libre. Hablando francamente, no creo que pertenezca a las mejores canciones de la banda, sin embargo, fue el número el que promovió su carrera de manera sostenible. Sin embargo, creo que ya he mencionado que 1987 fue un año muy importante en la carrera de Sodom. 

Persecution Mania sigue siendo una gran escucha para los fanáticos de cierto tipo de thrash metal, un tipo más oscuro y menos predecible que el que proviene del Área de la Bahía. Aquí hay muchas ideas geniales y un sentido de creatividad que se destaca en un género estrecho. Solo las buenas canciones hacen que sea una escucha necesaria para todos los metalheads de un clásico del metal.

𝕾𝖆𝖝𝖔𝖓 - 𝕾𝖆𝖝𝖔𝖓 (1979 𝕰𝕸𝕴) 🇬🇧 [+bonus material]

Hoy traigo a FFvinilo el debut de la banda británica de hard rock y heavy metal Saxon formada en 1976, es una banda clave de la NWOBHM. En el album mp3 de abajo tenéis también el primer demo de 1978 conocido. Lo que más caracteriza a Saxon es su pureza en cuanto a metal respecta, es un metal muy puro y muy medieval donde no solo destacan los temas pesados sino los sinfónicos que marcaran época, este primer album al igual que otros muchos de Saxon es semi-conceptual o casi conceptual sobre la temática medieval fantástica y Conan, no todos los temas pero casi todos, el segundo album y el tercero por ejemplo son más orientados a la ciudad, las motos y la delincuencia pero este album así como el crusader de 1984 son prácticamente medievales y épicos inspirados en los cómics y las películas derivadas de la atmósfera heavy metal magazine. Irónicamente este album lanzado en mayo de 1979 fué un fracaso (en un principio) e incluso muchas revistas de mierda de la época lo catalogaron de un ejemplo de banda mala y tal que cual..

Este album para mi es como un ocaso de los 70's, una triste a la par que dulce despedida de la década que viene muy bien plasmada en los temas más sinfónicos como como "frozen rainbow", la lucha musical, el esfuerzo y los problemas socio-culturables de un panorama underground musicalmente reflejados en un disco tan rocambolesco para el jebi de entonces. Quizás este exagerando pero yo creo que Saxon aunque sea desde las sombras influyó muchísimo, es de lo más representativo que puede haber de metal castrense jajaja; además intenta llevar el resurgimiento rock n roll clásico de la forma menos monotonía posible, típico en la new wave.

-Biff Byford:  voz
-Graham Oliver:  guitarra eléctrica
-Paul Quinn:  guitarra eléctrica
-Steve Dawson:  bajo
-Pete Gill:  batería

↯↯↯↯↯

Respecto al elepé es difícil de encontrar sino es en reedición por EMP, no es como el segundo que es muy fácil de encontrar de segunda mano barato en tiendas españolas pese a lo destacado que es, este album no es 180 gram pero tiene coloreado.

«Rainbow Theme» 3:07
«Frozen Rainbow» 2:29
«Big Teaser» 3:55
«Judgement Day» 5:31
«Stallions of the Highway» 2:52
«Backs to the Wall» 3:02
«Still Fit to Boogie» 2:53
«Militia Guard» 4:50

Me estoy acordando de nuestro amigo King porque una de las ultimas veces que pinche este disco fue la noche de antes de irme a ver a señoritas de bien este verano jajajaja todo muy jebi.

includes 𝖘𝖔𝖓 𝖔𝖋 𝖆 𝖇𝖎𝖙𝖈𝖍 𝖉𝖊𝖒𝖔

Pantera - Far beyond driven (1994-Rhino Records 2014)

Supongo que todos y todas por aquí habéis pasado por lo mismo una y varias veces. Aparece un disco al que te enganchas. Quizá irremediablemente. Quizá sin sentido. Me ocurrió con este Far beyond driven de Pantera. Año 1994. Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains había sustituido en mis escuchas habituales a la apreciable camada de hard rock melódico de principios de los 90 (tiempos de cambio en mi vida). Las grandes bandas de metal de mis adorados 80 languidecían con discos olvidables, habían perdido alguna de sus estrellas o simplemente habían desaparecido. Y en esto llegó la brutalidad, la sinceridad, la rabia, el odio, la desesperación de Pantera: 5 minutes alone (basado en una pelea con un fan y la respuesta de su padre amenazante), I'm broken, Shedding skin  (compararse con una serpiente mudando la piel, sentirse desnudo y no poder evitarlo), 25 years (la venganza o el desahogo frente a un padre alcohólico y maltratador), Becoming, Strengh beyond strengh (qué barbaridad de canción) o Slaughtered. Las afinaciones graves y los riffs oscuros y rápidos de Dimebag Darrell, la batería brutal de Vinnie Paul por su contundencia, el groove y, en ocasiones, por su velocidad, las voces guturales, rabiosas, perdidas muchas veces de Phil Anselmo, el magnífico bajo de Rex Brown, con ese delicado equilibrio entre los ritmos de Paul y las cortantes melodías de Darrell. Este trabajo me devolvió a mitad de los noventa el gusto por el metal y ayudó a que mi discoteca volviera a abrirse a sonidos más extremos. Ya os digo que eran tiempos de cambio.

Supongo que a estas alturas no os extraña que me haya hecho con la re-edición de Rhino Records, que recupera la portada original (censurada en su momento) en doble vinilo, con sus completos encartes y un excelente acabado. La masterización no cambia sustancialmente el sonido aunque es cierto que he tenido que subir el volumen de más. Aunque quizá sea porque este cedé lo machaqué a todo volumen una y otra vez.

Brutal fin de semana, gente.

Triumph - Thunder Seven (MCA-1984)

Y si de Helix soy el único que ha publicado entradas en este blog –dos concretamente– ya es casualidad que de los también canadienses Triumph sea de nuevo este que os escribe el que haya dedicado –con esta– un par de reseñas a la banda. En esta ocasión os hablaré de Thunder Seven, que como indica el título, es el séptimo lanzamiento de estudio del grupo. Lo cierto es que, pese a tener una calidad sin discusión, supuso una decepción comercial para MCA. 

Producido por la banda y Eddie Kramer en los estudios Metalworks de Toronto, contó con el line up acostumbrado de Rik Emmett a las guitarras, sintetizadores, bajo, voces y coros, Gil Moore a la percusión, voces y coros y Mike Levine al bajo, teclados y sintetizadores, con el aporte de Lou Pomanti –quien repetiría en su siguiente grabación de estudio– a los sintetizadores y teclados. 

Y con una inconfundible portada de Dean Motter basada en el Uomo vitruviano de Leonardo Da Vinci –una idea de Rik Emmett–, el track list del álbum fue: 

A 

Spellbound 

Rock out, roll on 

Cool down 

Follow your heart 

B 

Time goes by 

Midsummer’s daydream 

Time canon 

Killing time 

Stranger in a strange land 

Little boy blues 

Inicia este pedazo de disco la pegadiza Spellbound, cantada por Moore, hard rock melódico de alto nivel con un buen trabajo de guitarra. Es uno de los singles del disco al que le sigue Rock out, roll on, más guitarrera pero siempre con los coros marca de la casa y el aporte de teclados que le dan ese toque cercano al AOR. Cool down comienza con una acústica con regusto a blues rock que rapidamente se torna en un hard rock con reminiscencias claramente zeppelinianas. Y Follow your heart es otro de los singles, también vocalmente a cargo de Moore casi en su totalidad, que es el tema más radiado del álbum y de los más conocidos de la banda en general. 

Menos accesible comercialmente es la cara B, conceptual y dedicada al paso del tiempo y la actuación del hombre en ese momento de finales del siglo XX. Inaugura la cara la melódica Time goes by en la que destacan las guitarras de Emmett, al igual que en la corta instrumental Midsummer’s daydream que le sigue. Llega entonces Time canon, un bonito interludio de armonías vocales que sirve de preámbulo a la estupenda Killing time, una mezcla de hard rock melódico y balada con acústicas en la que Moore y Emmett se turnan a las voces. La lista de temas prosigue con Stranger in a strange land, otro hard melódico –esta vez más hard que melódico– de gran nivel que atrapa más y más a cada escucha. Y el disco finaliza con Little boy blues, una instrumental bluesera a lo Gary Moore. 

Lo dicho, amigos vinileros, una obra de alto nivel instrumental y de composición que sin embargo no gozó de hit singles que propiciasen un gran éxito a nivel de ventas y emisiones radiofónicas. Esto significó el inicio del fin para la banda, dividida en cuanto a los objetivos del grupo, que propició la marcha de Emmett –más interesado en el giro comercial que sus compañeros– dos discos de estudio más tarde. 

¡Feliz viernes! 

@KingPiltrafilla

Joan Jett & The Blackhearts "Unvarnished" (2013)

Tras siete años de silencio discográfico Joan Jett volvió a escena en 2013 ,sorprendiendo gratamente a propios y extraños, con Unvarnished. Un disco que, tal y como indica su título (sin barnizar), es fresco, directo y sin adornos innecesarios.  

Guns n´ Roses "Spaguetti Incident ?" Geffen 1993

"Spaguetti Incident" es para Guns n´ Roses lo que "Garage Inc" fue para Metallica o el "Undisputed Attitude" de Slayer, más que un álbum de covers es un álbum de homenajes a las raíces de la banda. Es decir, es un álbum de versiones de canciones de Guns N 'Roses grabadas desde la línea de principios de los años 90. Las canciones consisten en versiones de canciones de punk y rock de finales de los años setenta y principios de los años ochenta. 

El título del álbum es el más Probablemente una referencia a la tira cómica Calvin y Hobbes, en la que el llamado "Incidente de fideos" se menciona en varias tiras, pero nunca se explica completamente. El "Incidente de fideos" es probablemente una de las travesuras del personaje de Calvin en el aula, pero el evento real nunca se muestra ni se describe. Esta falta de detalle o explicación explicaría el signo de interrogación en el título del álbum. Otra posible inspiración para el título bien podría ser la película "The Linguini Incident", protagonizada por David Bowie y Rosanna Arquette,que fue lanzado en 1991. Aunque hay una tercera versión donde se dice que el título es una broma interna. Se refiere a una pelea de spaguettis entre Axl Rose y Steven Adler. Mucho tuvo que ver esta guerra de comida durante la resolución de demanda de Adler con la banda en 1993, en el que el abogado de Adler se refiere a ella como "The Spaghetti Incident". El significado fue explicado por el baterista Matt Sorum en una entrevista de 1994 con Much Music y confirmado por Slash en su autobiografía, "Slash".

El track list del disco fue el siguiente 

Lado A 

1. Since I Don't Have You (The Skyliners)

2. New Rose (The Damned)

3. Down on the Farm (U.K. Subs)

4. Human Being (New York Dolls)

5. Raw Power (The Stooges)

6. Ain't It Fun (The Dead Boys)

Lado B

7. Buick Makane (T. Rex)

8. Hair of the Dog (Nazareth)

9. Attitude (The Misfits)

10. Black Leather (The Professionals)

11. You Can't Put Your Arms Around a Memory (Johnny Thunders)

12. I Don't Care About You (Fear)/ Look at Your Game, Girl (Charles Manson)

Muchas de las pistas se grabaron con el guitarrista original de Guns N 'Roses, Izzy Stradlin, durante las sesiones Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. Anteriormente, esas pistas estaban destinadas a ser incluidas en un álbum combinado "Use Your Illusion", que consta de tres (o posiblemente incluso cuatro) discos, en lugar de los dos discos separados que terminaron siendo. 

Debido a la tensa relación entre los integrantes del grupo, el lanzamiento del disco consistió en versiones de canciones de otras bandas y artistas, que de alguna manera fueron de gran influencia para la banda, como el caso de Nazareth, Johnny Thunders, The Damned, The Stooges, UK Subs, T. Rex y The Sex Pistols entre otros. También fue el último trabajo de estudio con parte de la alineación "clásica" de la banda, debido que a la postre el grupo se separaría. También es el último trabajo de Axl Rose junto a Slash, que no lograrían recomponer su relación hasta agosto de 2015, 19 años después.

La alineación que grabó éste disco entre 1992 y 1993 fueron: 

Axl Rose : Voces principales, teclados 

Slash : Guitarra rítmica y principal 

Duff McKagan : Voces principales y bajas 

Gilby Clarke : Guitarra rítmica 

Dizzy Reed : Piano, teclados 

Matt Sorum : Batería 

La canción "Since I Don't Have You" es muy consistente con algunas voces excelentes y las guitarras son muy fuertes aquí. Creo que esta cubierta no podría haber sido construida mejor que esto y realmente me gusta esta canción con su cuerpo relajado hasta su potencia. 

"New Rose" nos coloca en el lado de rock duro del álbum con algunos tambores de conducción liderados por los toms al inicio y algunas líneas de bajos fuzzy fuertes. Este tipo de canción me recuerda a la época de "Appetite For Destruction" pero no la han escrito, esto fue escrito por en 1977. 

"Down On The Farm" tiene una línea de bajo muy pegadiza y oscura en el satélite y luego algunos riffs de guitarra poderosos para acompañarla. La voz es muy relajada pero realmente se adapta bien al estilo. La canción es muy consistente en mantener tu atención con sus letras pegadizas y algunas guitarras excelentes.

"Human Being" Las voces son muy poderosas y típicas de la voz de Axl y las voces de acompañamiento también son excelentes. La música nuevamente tiene ese impacto de nitidez del puro Hard Rock. El solo de guitarra es el estilo típico de Slash y tiene un gran impacto en esta canción. 

"Raw Power" ésta es una canción frenética y es cantada principalmente por Duff. La guitarra está basada en un acorde muy potente y muestra el primer signo de Punk en el álbum. La canción tiene sus ganchos pegajosos con sus voces rápidas y algunos riffs geniales. El solo va principalmente con la guitarra rítmica. 

"A´int It Fun"  el riff inicial es muy interesante cuando lo escuchas, ya que se hace muy bien y mantiene tu atención. Las voces aquí son muy diferentes ya que hay 3 personas cantando aquí y todas tienen estilos diferentes.

"Buik Makane" Esta es una canción muy breve y tiene un riff muy básico, pero los efectos utilizados son realmente geniales y tienen Un buen impacto en la canción. 

 "I Don't Care About You (Fear)/ Look at Your Game, Girl (Charles Manson)"es otra canción corta a las 2:03 con una pista oculta detrás de ella. Esto fue escrito en 1982. Esta canción es solo una especie de canción aleatoria, pero es realmente pegadiza al repetir las poderosas líneas en el coro y los versos son muy exigentes. Es una canción tan pegadiza pero no es una canción amigable para escuchar, pero aun así, es agradable. Detrás viene lo que es la pista oculta en la pista 12 después de una pausa de 16 segundos. Esto fue escrito por Charles Manson. Esta es una canción acústica con un poco de guitarra acústica y una agradable percusión relajante. Las voces de Axl son en realidad una de sus mejores actuaciones en esta canción. Tiene mucha emoción y canta correctamente aquí. Es un buen descanso relajante del hard rock anterior y es una canción estelar.

Memorable disco. Muy recomendado para éste fin de semana yo aquí festejo mis 39 años con éste álbum sonando a todo volumen. Por cierto la Geffen Records tiene la culpa de casi todo el soundtrack favorito de mi vida al lanzar éstas ediciones. Saludos a todos. 

Count Five - Psychotic Reaction (1966) 🇺🇸 [2018 Craft Records]

Hoy traigo otra reliquia de la edad de oro, esta vez no es heavy psych, puro garage psicodelico con considerables influencias de blues rock, pop y algo de surf de la época pero muy muy bien elaborado para su tiempo donde los medios y equipos sonoros eran muy limitados, precisamente fue en la época dorada a raíz de los macro festivales y tal cuando se produjo una revolución sin precedentes en el mundo sonoro y profesionalizandolo cada vez más. Este album es de estos que me ha sorprendido pillarlo en elepé porque la diferencia sonora es abismal, han usado los masters originales y se nota mucho más la presencia de graves contundentes que le dan cuerpo al disco así como considerable dinámica y mayor profundidad sonora que te hace apreciar cosas que en digital no oyes como el flanger del mítico tema "reacción psicótica" que prácticamente no lo había oído nunca antes pese a haber escuchado el tema cientos o miles de veces desde que era pequeño. Y hablando de pequeños esta gente estaban hechos apenas unos críos cuando grabaron esta delicia.

Entrada de mi blog del año pasado:

Dolor y fantasía de mano del blog amigo Rockasteria (muchas gracias) una edición especial del mítico (y realmente único) album debut de los Count Five el cual fué pulicado en Octubre de 1966 pero grabado a lo largo de 1965-66 con un montón de bonus tracks y extras inéditos (algunos son singles) que vienen en esta edición especial. Count Five fué una de esas bandas americanas californianas que ya venía dando guerra desde 1964-65 e impulsando el movimiento psicodelico antes siquiera de que tuviera ese nombre, mientras que en UK todavía no se sintetizaba el LSD ese tipo de músicos ya hacían una música basada en la experiencia psicodelica, pioneros del rock ácido y el psych que más tarde daría paso a otras muchas fusiones y estilos entre ellos el heavy. Hay que entender que aunque el movimiento psicodélico surgió en USA si no fuera por el apoyo y el impulso que recibió luego en Europa no habría llegado a tanto. Un disco completamente underground, hay quien los considera también pioneros del punk, pero realmente es simplemente garage el proto-punk de verdad empezó en Detroit con MC5 & Stooges.

La temática del album es variada pero el nombre del disco nos deja claro que basan su música en la experiencia psicodelica y bastantes temas si que hablan de eso, no tuvieron por que ser precisamente todo buenas experiencias pero decidieron relatárnoslo de una forma amena cercana al Beat y sin la oscuridad de otros grupos del momento.

La historia del "choca esos cinco" comienza en 1964 en San José, California, con dos amigos Roy Chaney (nacido en 1948) y John "Mouse" Michalski (nacido en 1949). Ellos formaron una banda de surf conocida como The Citations. Un miembro adicional era Skip Cordell que tocaba tambores. En 1965 Roy y Mouse querían añadir un vocalista y cambiar la dirección de la banda, así que después de audiciones se agregó como vocalista un amigo de mucho tiempo Kenn Ellner (nacido en 1948) y un pianista Phil Evans. Todos los miembros fueron a la Escuela Pioneer en San José, CA excepto por John Michalski que asistió a la Escuela Secundaria Blackford, pero más tarde también asistió a Pioneer por un tiempo corto.

La banda cambió y se nutrió de estilos como el garage y el rock and roll con influencias de The Yardbirds, The Beatles, The Who y The Rolling Stones. Los Standells no fueron una influencia. La formación de la banda fue la voz y la armónica de Kenn Ellner, la voz de John "Sean" Byrne y la guitarra rítmica, Roy Chaney, Bajo, Mouse, Lead Guitar y Butch. Los miembros de la banda fueron rechazados por varias discográficas antes de firmar con Double Shot Records, con sede en Los Ángeles. La banda decidió seguir sus esfuerzos colegiales y se disolvió en 1968, más tarde ya en los 90s decidieron volver a rejuntarse y sacar ese "último" album en vivo tributo a lo que fueron.

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Tracks (lleno de covers) Double-Decker Bus Pretty Big Mouth (Atkinson, Byrne, Michalski, Ellner, Chaney) The World My Generation (Townshend) She's Fine Psychotic Reaction (Atkinson, Byrne, Michalski, Ellner, Chaney) Peace Of Mind (Byrne, Michalski, Chaney) They're Gonna Get You The Morning After Can't Get Your Loving Out In The Streets (Townshend)


-(vol ii) not included on lp: You Must Believe Me (Mayfield) Teeny Bopper Teeny Bopper (Atkinson, Byrne, Michalski, Ellner, Chaney) Merry-Go-Round Contrast Declaration Of Independence (Atkinson, Byrne, Michalski, Ellner, Chaney) Revelation In Slow Motion (Briley) Mailman (Winn, Rodgers) Move It Up So Much Enchanted Flowers People Hear What I Say (Michalski, Ellner, Chaney) Contrast Psychotic Reaction (Atkinson, Byrne, Michalski, Ellner, Chaney) They're Gonna Get You Teeny Bopper, Teeny Bopper (Atkinson, Byrne, Michalski, Ellner, Chaney) Contrast Mailman (Winn, Rodgers) All songs by Sean Byrne except where indicated. Tracks 1-25 recorded in Mono, tracks 26-28 recorded in Stereo.

peace of mind me suena que te cagas a que hay otro tema de otro grupo posterior que se inspiraron en secreto.

line-up 
*Sean Byrne - Vocals, Rhythm Guitar 
 *Roy Chaney - Bass 
*Craig "Butch" Atkinson - Drums 
 *John "Mouse" Michalski - Lead Guitar 
*Kenn Ellner - Vocals, Tambourine, Harmonica

Referencias audiovisuales, wherethebu....blog...battlefield vietnam, mafia 3 y left 4 dead 2 death napalm que todavía no lo he subido. Far Cry 5.

saludos desde el sumergible neuronal

Respecto al elepé es una re-edición de 2018 nunca antes de había reeditado, pese a ser un discos de culto es muy poco conocido y hasta ahora era casi imposible de conseguir y seguramente ahora también, yo tuve suerte de que una tienda de confianza lo trajo por 22€ en 180 gram y funda acolchada pero por lo demás reedición simple, esperaba que tuviera portada plegable, un doble lp con demos o algún póster. El label original era double shot records, una pequeña discografica de la floral california de aquellos años.


--> five!!

Salurocks!!!

estrenando nuevo bosque de bombillas