En el verano de 2002 el cuarteto que conformaba Opeth se embarcó en una aventura que casi acaba con la banda: grabar un mastodóntico doble trabajo que recogiera los influjos de años de música y abriera la puerta a una nueva sonoridad. Mikael Akerfeldt, cantante y líder, se propuso crear de la nada un nuevo mundo bajo el paraguas de Opeth junto a Steven Wilson en la producción y sus por entonces compañeros Peter Lindgren a las guitarras, Martin Mendez al bajo y Martin Lopez (sin tilde) a la percusión. Pero había un problema: ninguna canción compuesta, nada de música antes de entrar al estudio. Mikael componía por las noches y la banda lo interpretaba por el día, dando forma constante a su flujo creativo. Este tour de force acabó en septiembre de 2002 con una obra doble:
Deliverance con una colección de canciones similares a las de discos anteriores, con gran enfoque en las voces guturales, las afinaciones graves y los arreglos oscuros; Damnation, lleno de composiciones atmosféricas, acústicas y un claro influjo prog de los años setenta.
La compañía de discos (Koch junto a Music for Nations) pasó de editar esa doble obra y puso a la venta Deliverance a finales del 2002 y Damnation en la primavera de 2003. Años después, Akerfeldt, metido en la multinacional Sony, recluta de nuevo a Steven Wilson para realizar unas nuevas mezclas y editar esta odisea musical tal como estaba concebida.
La edición en vinilo es triple, con dos discos dedicados a Deliverance y uno a Damnation. Viene en una caja simple (pena ese triple encartado), con las fundas copiando el arte original de ambos discos y una tercera funda con créditos y letras.
En lo musical, va en gustos, pero adoro los largos desarrollos de Wreath, Deliverance o Master's Apprentices (en honor a la banda del mismo nombre) en Deliverance y Windowpane, In my time of need o Weakness en Damnation.
Dándole caña estoy. Pasad buen fin de semana y dadle fuerte a la música que os de la gana.
Pues sí, amigos del vinilo, después de todos estos años nadie ha hablado hasta hoy –alguien podría decir que por algo será– de Stormbringer, el noveno disco en estudio de la banda de Ritchie Blackmore y compañía, aunque en esta ocasión quizás deberíamos decirlo al revés. Y es que si en Burn, tras la marcha de Ian Gillan y la llegada a Deep Purple de Glenn Hughes y David Coverdale, la unión de diferentes visiones de sentir la música dio como resultado un álbum variado, riquísimo y genial, en esta ocasión los chicos nuevos del grupo se hicieron con el timón y condujeron la nave hacia mares en los que blues, soul y funk soplaban con más fuerza que los vientos de hard rock clásico. Hugues siempre ha alabado el trabajo de Blackmore en este disco pero, no nos engañemos, el peso de Ritchie en la composición y arreglos de los temas de Stormbringer –quizás porque estaba inmerso en un proceso de divorcio con Margit Volkmar, porque echaba de menos a Glover o porque veía como algunas de sus composiciones eran rechazadas por el nuevo núcleo duro de la banda y eso le hinchaba las pelotas– fue mucho menos determinante que en los álbumes iniciales. Como ya sabemos, todos esos factores acabaron provocando su primera espantada de la banda que ayudó a fundar, su traslado a los Estados Unidos y la puesta en marcha de Rainbow. Pero antes grabó un más que digno disco que, de todas formas y salvo temas puntuales, casi nadie considera de sus favoritos de Deep Purple, acaso injustamente.
Producido por Martin Birch y la banda en los Musicland studios muniqueses –con retoques adicionales en The Record Plant–, el line up fue el mismo Mark III que grabó su anterior obra, con David Coverdale a las voces, Glenn Hughes al bajo y voces, Ritchie Blackmore a las guitarras, Ian Paice a la batería y Jon Lord a los teclados y el Hammond. La portada fue un diseño de Ed Thrasher y Joe Garnett Design sobre una fotografía original de Lucille Handberg, a la que colorearon e incluyeron un pegaso en la tormenta entre rayos de colores.
El track list fue:
A
Stormbringer
Love don’t mean a thing
Holy man
Hold on
B
Lady double dealer
You can’t do it right (with the one you love)
High ball shooter
The gypsy
Soldier of fortune
La primera canción que escuchamos es Stormbringer, la que da título al álbum y la que siempre me ha parecido que guarda más relación con el sonido del Burn con unos solos de Blackmore magistrales. Más funky resulta Love don’t mean a thing, en la que Coverdale y Hugues se reparten de nuevo las voces. Instrumentalmente, destacan más las líneas de bajo que la guitarra de Blackmore y hay momentos de la canción que, más que a él, me parece estar escuchando a Jimmy Page. Un temazo cargado de sentimiento es Holy man –con Hughes a las voces–, otro de los que brillan en un estilo diferente al habitual. Aún así, Ritchie aporta un simple pero delicado solo. La cara finaliza con la estupenda Hold on, un tema con mucho groove, coros matadores y un bajo soberbio. Es otra de las que Coverdale y Hughes alternan labores vocales y en las que el sonido de guitarra no es el habitual de Blackmore, aunque está que se sale.
Lady double dealer es otra de las que tiene un sonido más parecido a su anterior trabajo, un tema rápido con un Blackmore desatado en el solo, un Paice machacón y un Lord que –como casi en todo el disco– se escucha sepultado bajo el resto de instrumentos. You can’t do it right es otro tema funky en el que a uno le dan ganas de bailar y hacer palmas en lugar de air guitar. High ball shooter es más rockera y nos permite escuchar un solo de Lord, pero no destaca demasiado en el conjunto. Todo lo contrario que The gypsy, un temazo en el que Blackmore vuelve a lucirse mientras Paice marca el tempo junto al bajo de Hughes, que vocalmente también está fantástico. Y la guinda –vaya guinda, amigos– la pone Coverdale con la emotiva Soldier of fortune en la que siempre he encontrado mucha semejanza con Catch the rainbow.
Total, que pese a no ser uno de los top album de la banda –Ritchie, más por despecho que por otra cosa, siempre ha declarado que le parecía una mierda–, es otro de los imprescindibles de la historia del hard rock del siglo pasado y podéis encontrarlo en vinilo fácilmente, al menos en la edición española de EMI ODEON que hoy os muestro y que adquirí no hace mucho tiempo.
Hoy os traigo un disco poco original, pero para mi muy especial por quien me lo regaló y lo que supuso en su día para la Historia del heavy-rock. Lo cambió todo y seguramente fue porque su batería se quedó manco y sus compañeros y seguramente amigos de verdad decidieron esperar a esa persona e inventarse todo un universo musical totalmente nuevo,con guitarras sintetizadas y por supuesto una batería eléctrica,algo impensable hasta este disco en la Historia del rock más duro de la época. Luego vendieron tropecientos millones de discos en el mundo y todo los heavys empezaron a cardarse el pelo y a sacar discos mas blandos que la plastilina....
Este disco es especial porque cayó en mis manos por pura casualidad. Pude comprar gracias a una carta al director de un fan de Def Leppard el Pyromania y francamente quedé enganchadísimo pero no consiguía encontrar sus discos anteriores, estaba realmente frustrado porque me gustaban una barbaridad y encima no sacaban disco nuevo por el fatídico accidente de Rick Allen. Pero el verano del 87 mis padres se fueron a hacer un viaje por el Caribe y me enteré que hacían escala en Miami (USA)y se me encendió la luz. Le preparé una lista al viejo con los discos que quería que me trajera y entre ellos estaba el High'n'Dry de los Leppard. Cuando aparecieron por casa después de dos semanas fui como un poseso en busca de la mercancía y me llevé una decepción como un tren. Mira hijo de lo que me apuntaste en la lista solo tenían esto...era el High'n'Dry pero en puto casette. Después de asimilarlo...joer,menos da una piedra, me dice....el de la tienda me dijo que si te gustan los Leppard seguro que te gustará este que había salido a la venta ese mismo día y aunque no lo tenías en la lista te lo he traído....y me da el Hysteria nuevecito y que en Europa todavía no había salido a la venta (en aquellos tiempos algunos discos salían a la venta en distintas fechas según que país). En España tardó todavía un par de meses en salir de modo que estuve un par de mese de gira con el disco por casa de mis colegas y grabando más casettes que un tonto....pero feliz como una perdiz y un recuerdo imborrable de mi padre que descanse en paz y que sin saberlo me hizo el mejor regalo que nunca me hizo.
Hoy traigo un album de la serie Black Sabbath que llevó trayendo desde que empecé en FFvinilo, uno más 6º album de estudio de la banda, grabado a lo largo de 1975 y publicado en Septiembre de ese mismo año un poco de sorpresa se pensaba que 1975 sería el año en el que Black Sabbath no sacaría nuevo album debido a la lesión de Ozzy en la moto pero no solo fué uno de sus mejores albunes sino un año en el que se dieron bastantes conciertos durante la gira Sabotage que casi se engancha a finales de 1975 con la gira del technical ecstasy (o como se escriba) de 1976, fué un año muy activo y para muchos marcaría el fin de la era Ozzy con Black Sabbath porque pese al buen album de 1978 "never say die" Ozzy desde 1976 estaba con fuertes problemas con las drogas, empezaban ya hacer más mella de la cuenta. "La portada de Sabotage en nada hace presagiar la elegancia del contenido. Junto a una especie de gran espejo Luis XIV, los cuatro miembros del grupo posan con sus mostachos, sus melenas recortadas en plan seto de arizónicas, sus túnicas, plataformas, mallas de licra y demás elementos propios de una década (los 70) cuyo sentido de la estética ha envejecido bien sólo si se entiende como una especie de película de terror en la que todos participaban. Si uno da la vuelta al disco, se encuentra con la misma foto tomada de espaldas, de tal manera que las miradas erráticas y paquetes se tornan nalgas fondonas embuchadas. No sabe uno ya si atreverse a mirarlo de canto" ElPortalDelMetal
Este album sigue conservando muchisima psicodelia a pesar de que profundiza en el metal aún más que sus anteriores debido a la cercanía con la NWOBHM, eran tiempos de cambio la cosa se estaba desmadrando mucho Black Sabbath y Judas Priest en estos años llevaban la vanguardia del metal más técnico y elaborado, muy cercano al rock progresivo.
Por cierto estoy aquí escuchando el album con auriculares me he puesto el tocadiscos al lado de la mesa del escritorio de mi cuarto, es interesante oírlo con cascos directamente, o hacer movidas en plan a ver que pasa si paso el elepé por un ampli de guitarra y esas cosas, imaginar la corriente eléctrica de la ciudad llegando a tu casa y a tu cerebro a través de tendidos eléctricos, cables, tocadiscos y cascos, evocando un viaje psicológico=psicodelico en entornos urbanos a través de grandes ciudades macro-industriales del siglo XX todo muy ac/dc pero con más elaboración y monumentalidad, acdc irónicamente no era metal era puro hard rock lo que pasa es que por el contexto y por la movida del '76 acabó siendo un referente.
En el album oiréis bastantes teclados, esta vez no usaron musicos de sesión sino que el propio iommi hizo la función de teclista de sesión excepto en directo cuando ya la banda tuvo que contratar un teclista de sesión definitivo que los acompañaría hasta 1979. Obviamente en este album no tenemos tanta presencia de teclados como en el anterior dado que en sabbath bloody sabbath participó nada menos que Rick Wakeman. La última pista incluye un hidden track*
Respecto al LP re-edición de 2015 180 gram pero nada más muy pelado 20€ no viene ningún poster ni portada interna ni nada, se puede adquirir fácilmente pero en Re-edición.
Este verano rompí una lampara que usaba metiendo un led dentro de una botella amarilla sin querer a oscuras con la tontería, fue brutal se lleno todo de cristales, esto es una música mágica que envuelve cualquier caos.
¿Os imagináis que pasaría si cogiésemos a Nietzsche en su época y le pusieran una pieza de este LP? The Writ por ejemplo en algún auditorio de Venecia, se volvería loco antes de tiempo.
Uno de los mejores lives de la banda, el Asbury Park.
Amigos del vinilo, la calidad de Graham Bonnet como vocalista y su importancia en la historia de la música de la segunda mitad del siglo pasado está fuera de toda duda me parece a mi. Por ello, no entiendo cómo –tras mi entrada dedicada al primer álbum de Alcatrazz– a nadie se le ha ocurrido reseñar su segundo trabajo. Y es que, si el primero tenía en sus filas a Yngwie Malmsteen, este contaba nada más y nada menos que con Steve Vai. Así pues, dejadme que hoy os hable del estupendo Disturbing the peace. Producido por Eddie Kramer –como el de Frehley que os comenté aquí hace quince días– entre los Cherokee y los Skyline studios, la formación que grabó el disco fue la misma que en su predecesor –Graham Bonnet a las voces, Jimmy Waldo a los teclados, Jan Uvena a la batería y Gary Shea al bajo– con la mencionada substitución del sueco Malmsteen por el norteamericano Steven Siro Vai, quien en esa época era un jovencísmo virtuoso de la guitarra que había tocado con Frank Zappa y acababa de editar su primera obra en solitario, un experimental Flex-Able del que también os hablé aquí. Sorprendentemente, un Bonnet acostumbrado a trabajar con genios de las seis cuerdas con fuerte carácter –o precisamente por ello– no estuvo demasiado contento de emplear a Vai como reemplazo de Malmsteen, pero con gran acierto hizo caso de la recomendación de su teclista.
Con una sobria portada totalmente en negro aunque con unas franjas satinadas sobre fondo mate que recuerdan los barrotes de una prisión, el disco tenía el siguiente track list:
A
God blessed video
Mercy
Will you be home tonight
Wire and wood
Desert diamond
B
Stripper
Painted lover
Lighter shade of green
Sons and lovers
Breaking the heart of the city
God blessed video es de lo más cañero para comenzar por todo lo alto, un tema en el que destacan la voz de Bonnet, los teclados de Waldo y las florituras a la guitarra de Vai. Mercy baja un poco el ritmo y nos muestra a un Bonnet cómodo entre melodías arábigas en plenitud de facultades vocales y a un Vai tocado por la mano de Dios –o del diablo, los que hayáis visto Crossroads me entenderéis– capaz de sacar de su Ibanez sonidos excelsos. Will you be home tonight es un precioso tema que transmite emoción de principio a fin y en el que la banda suena mejor que nunca, de lo mejorcito del álbum. La caña vuelve con Wire and wood, con un inicio a cargo de Vai utilizando un fraseo del que se volvería a servir años después en su Answers del Passion and warfare –de hecho, a lo largo del disco, Steve utiliza varias ideas que se pueden escuchar en sus diferentes álbumes en solitario– y un Bonnet hardrockero al servicio de un temazo en el que quien se luce de verdad es el guitarrista en un tema claramente compuesto por él. Desert diamond es el baladón Vai style en el que volvemos a escuchar a Bonnet entregado a un tema envuelto en melodías arábigas. El solo central es de los que hacen historia.
Cambiamos de cara y salimos del estado de ensoñación al que nos ha transportado la anterior canción con Stripper, otro trallazo, un tema sexy con rápidas guitarras y batería galopante en el que encontramos al Bonnet más hardrockero y a un Vai inspiradísimo como siempre. Painted lover es en mi opinión un tema menor, sin perder de vista que eso –con intérpretes como Vai, Bonnet, Waldo y compañía– no significa necesariamente una pérdida de calidad. Le sigue Lighter shade of green, un pequeño interludio instrumental, y Sons and lovers que es otro temazo aunque esa mezcla de melodía poppy con los desvaríos de Vai a lo Zappa no ayuda a que destaque entre otros temas como el inicial God blessed video –que tuvo una notable difusión por MTV– o Stripper. Se podría decir que es la pequeña joyita escondida del disco. Skyfire es otro hard rock estupendo en el que la banda suena conjuntada y en el que pese a la innegable posición adelantada de la voz de Bonnet y la guitarra de Vai, Uvena, Waldo y Shea conforman un background inmmejorable para sus compañeros. La peculiar Breaking the heart of the city –peculiar por ese coverdeliano título, la entonación de Bonnet, el inicio con una batería programada y esa melodía y coros claramente stevevaianos– pone el punto final exótico a un disco que hizo olvidar rápidamente a Malmsteen y puso un peldaño más en la escalera al olimpo de Steve Vai, quien tras la gira de presentación del álbum fue tentado por los cantos de sirena –y sus dólares frescos, claro– de David Lee Roth. Pero esa es otra historia.
En definitiva, un disco verdaderamente imprescindible como –casi– todos los de la carrera de un Graham Bonnet que a sus 70 años, en gran parte gracias a Michael Schenker, atraviesa una segunda juventud y ha sacado nuevo disco este 2018.
A imagen y semejanza de las grandes bandas heavys de la época, Ángeles del Infierno se lanzaron a promocionar el LP Joven para morir con un mini LP de adelanto bajo el título de Instinto animal con cuatro de los diez temas que iban a formaban el vinilo.
Entrada de última hora, uno de esos discos de la costa oeste impulsados por Bill Graham en aquellos maravillosos 60s, blues ácido y psicodelicowestern con ciertos tintes de heavy psych y oscuridad en algunos momentos hacen de esta rockliquia un disco inolvidable para la que fué una banda de mucha tirada tras el festival de Pop de Monterey pero que en los 70s pasó a olvidada por completo. Una parte del disco esta grabada en 1968 en directo durante el fillmore East y otra en usa sala de la costa oeste también durante 1968, 4 músicos con ausencia de teclados pero con unas guitarras dobles muy presenciales y considerables con mucha tralla de efectos detrás y en ocasiones guitarra acústica que roza el folk clásico western americano. Es el segundo disco de la banda siendo el primero "quicksilver messenger service" a secas también de 1968 pero grabado en 1967, sigue una misma línea musical que no se si continua o se pierde en 1969 porque aún no he escuchado sus otros discos, excepto el quicksilver de 1971 que si la sigue pero no de forma tan conceptual, es un album más dinámico y con teclados.
Entrada de mi blog sobre este disco el año pasado y crítica de Guajo
Me gustaría subir algun album completo de este grupo a youtube y poner de fondo un gameplay de 40 minutos del red dead redemption con el efecto psicodelico de los trucos, únicamente pasearme por el desierto de 1903 en California con todo derritiéndose a tu alrededor tiene que ser la ostia. Ya lo haremos (si hay suerte con el copyright) con algun album pero tiene que ser este porque no creo que los demás sean tan conceptuales e instrumentales, se me olvidó decir eso e la crítica casi todo el album es instrumental.
Pistas
A
Who Do You Love Suite (25:22)
Who Do You Love - Part 1 3:32
When You Love 5:30
Where You Love 6:00
How You Love 2:40
Which Do You Love 3:26
Who Do You Love - Part 2 3:21
B
Mona 6:53
Maiden Of The Cancer Moon 3:07
Calvary 13:25
Happy Trails 0:47
Mucho "cover" pero hecho de forma interesante y radicalmente distinta a las versiones originales. El tema calvario significa realmente eso y no caballería jajajaja mi dislexia bélica vió cosas que no eran la primera vez que lo escuche hace años.
¿Soy al único al que el inicio del primer tema le recuerda a steamhammer? jaja
Compañías, etc.
Recorded At – Fillmore West
Recorded At – Fillmore East
Recorded At – Golden State Recorders
Manufactured By – Capitol Records, Inc.
Créditos
Artwork [Logos] – Alan Rose
Design – Globe Propaganda
Design [Album Design] – George Hunter (5)
Layout [Lettering] – Kent Hollister
Performer – David Freiberg, Gary Duncan, Greg Elmore, John Cipollina
Notas
Live portions recorded at Fillmore East and West.
"Calvary" recorded live at Golden State Recorders, San Francisco; Nov. 19, 1968.
First press rainbow, Capitol logo on top.
First cat.nr. on cover and label, second on spine.
Different pressing-plants had different typography: some titles justified left, some centered
Respecto al elepé 30pico euros en reedición dificil de encontrar, yo lo he pillado porque de casualidad mi tienda de confianza lo compró, reedición de 2018. 180 gram, Pure Pleasure Records.
Por cierto una cosa que se me ha ocurrido hacer últimamente, poner un tocadiscos en mi cuarto al lado del pc sin un gran equipo de música detrás peor con unos buenos cascos y escucharlo directamente desde cascos... brutal casi que me gusta mas es mas introspectivo. Normalmente no se vosotros pero dejo los vinilos para momentos especiales, con los cascos sin embargo puedo escucharlos en mi cuarto de una forma mucho mas rutinaria digamos y obviamente es mejor que el mp3 del movil o el pc.
Genio o loco, Tom Scholz grabó dos bestiales discos bajo el nombre de Boston en la segunda mitad de los setenta, el debut de nombre homónico y este Don't look back. Genio o loco porque se dedicaba obsesivamente a pulir una y otra vez sus composiciones, a tocar una y otra vez cada instrumento, a mezclar cada sonido, a regrabar infinidad de tomas. Tom compone las canciones, toca las guitarras, los bajos, los teclados, los efectos, lo que haga falta. Para este álbum, además, se había fabricado un pequeño estudio en su casa, llamado Hideaway, donde se metió con Brad Delp, cantante, y Sib Hashian, batería. Entre los tres conformaron la mayoría de canciones y tomas, contando en una fase más avanzada con los otros dos miembros, Barry Goudreau, guitarra solista y slide, y Fran Sheehan, bajo y percusión.
El resultado fue estupendo. En la cara A encontramos dos bestiales canciones, una al inicio y otra al final. A man I'll never be contiene todo el arte de estos tipos: armonía, arreglos, interpretación instrumental, solos, cambios y una letra y una melodía vocal geniales: la canción sobre querer ser el hombre que ves en mí, sobre sentir que uno se esfuerza tanto por estar al nivel de lo que otro ve o cree ver. Don't look back anima a tirar para delante con un estribillo fantástico y unas guitarras casi perfectas. Junto a ellas, la pequeña instrumental The journey y una estupenda It's easy.
En la cara B escuchamos la gloriosa Feelin' satisfied, con el mejor riff y las mejores guitarras junto a otro estribillo lleno de energía, quizá la canción más parecida a su debut. Sigue Party, acerca del rock and roll way of life, you know what I mean, con un gancho sorprendente en el puente y el estribillo. La única canción que no compone Scholz, Used to bad news (lo hace Delp), aunque más corta, resulta impactante; las guitarras ceden el protagonismo al piano y el teclado y la línea vocal se impone, una adorable composición pop-rock-arena. El cierre con Don't be afraid, de buenrollismo, energizante, guitarrera, rock que solo supo imitar Meat Loaf con Jim Steinman.
La edición que traigo, original española de la época (No mires atrás, se llama el disco), con los créditos traducidos y todo. Carpeta doble gatefold y encarte interior con las letras.
Sed felices este fin de semana y no dejéis de poner la música a todo volumen.
Pues sí amigos, la segunda entrada dedicada al señor Paul Daniel Frehley desde hace casi cinco años y también es mía. Total, que con Kiss anunciando su inapelable gira de despedida y Frehley con un nuevo elepé aún calentito en el mercado, encuentro que es un buen momento para hablaros de esta joya del neoyorquino. Así pues, saltándome el Second sighting –más que nada por que no lo tengo en vinilo– y con Tod Howarth fuera de la banda, Ace Frehley edita en 1989 este Trouble walkin’ al que tardó 20 años en darle continuidad.
Las razones pueden ser diversas, pero seguramente una de ellas fue el alto nivel alcanzado en este lanzamiento, a mi entender la obra cumbre de Frehley en solitario. Bueno, lo de “en solitario” es un decir porque, si bien en el pasado sus temas los componía casi todos él –excepto los que aportaba el mencionado Howarth– con la ayuda de Regan o con alguna colaboración puntual como la de su viejo amigo Russ Ballard –autor de uno de los temas más icónicos de Frehley aparecidos en su álbum en solitario del 78, ni más ni menos que New York groove–, esta vez se rodeó de diversos compositores que aparecen junto a su nombre en la mayoría de canciones e incluso como compositores en solitario de algunos temas en los que Ace tuvo poco que ver en su concepción, como es el –sorprendente– caso del téma título o del que se editó como single del trabajo.
Producido por Eddie Kramer junto a Frehley y John Regan entre los Dreamland recording studios y Northlake sound, el line up tuvo junto a Ace a Richie Scarlet a la guitarra, John Regan al bajo y sintetizadores y Anton Fig a la batería, formación que se completó con numerosas colaboraciones como la de Sandy Slavin a la percusión y Dave Sabo, Sebastian Bach o el mismo Peter Criss a los coros.
Con portada de Brad Hitz diseñada por el habitual equipo artístico de Atlantic records de la época –Bob Defrin y Larry Freemantle–, el track list fue:
A
Shot full of rock
Do Ya
Five card stud
Hide your heart
Lost in limbo
B
Trouble walkin’
2 young 2 die
Back to school
Remember me
Fractured III
La primera cara del disco se inaugura on Shot full of rock, un trallazo hard rockero que da una idea de lo que vamos a encontrar en este álbum. Le sigue Do Ya, el que se convertiría en el single del lanzamiento, compuesto totalmente por Jeff Lynne de la ELO, garantía de éxito que por supuesto dio como resultado un temazo radiable a la vez que rockero. Five card stud es otro pelotazo, uno de mis temas preferidos del álbum compuesto junto a Marc Ferrari, antiguo guitarrista de Keel. El siguiente tema es una composición de Paul Stanley y Desmond Child que yo conocí antes en la versión de Bonnie Tyler –mi madre era fan de ella– y que Ace llevó a su terreno. Se da el caso de que ese mismo año Kiss la grabaron también para su Hot in the shade, siendo esa la versión que más me gusta únicamente por tener a Stanley a las voces. Pese a todo, no deja de ser algo empalagosa. Y otra de mis preferidas es Lost in limbo, compuesta junto a su segundo guitarrista, que cierra la cara de manera inmejorable.
El siguiente tema es el que da título al álbum, otro de los aportados en su totalidad por compositores ajenos a la banda que no desmerece en absoluto pero –para mi gusto– queda eclipsado por la siguiente 2 young 2 die, otra de mis favoritas y también compuesta en tándem junto a Scarlet, que aquí incluso se atreve con las voces principales. Back to school es un aceptable hard rock, quizás el tema del disco que tiene un sonido más típicamente Frehley en lo que se refiere a las voces y solo de guitarra. Eso sí, me sobran los grititos de Sebastian Bach en los coros. Remember me es un fake live –con ese sonido de gente tan falso como las risas enlatadas de algunas sitcom televisivas– que rompe un poco con la tónica del disco, aunque es un blues rock clásico tocado con maestría y sentimiento. Y la cara B finaliza con la estupenda instrumental Fractured III, recuperando una tradición que Ace se saltó en el anterior elepé y que comenzó en el 78 con Fractured mirror y continuó en el primer disco de los Frehley’s comet con Fractured too.
En resumen, un imprescindible album de sonido típicamente tardoochentero, muy superior al anterior e incluso diría yo que al primero de los Frehley’s comet. Si no lo conocéis, buscadlo inmediatamente.
¿Hay algo más ochentero que una banda sonora de los ochenta? Adoro escuchar aquellos engendros que formaron adorables discos: Rocky IV con Burning heart de Survivor o No easy way out de Robert Tepper (¿quién?); Karate Kid con The moment of truth (otra vez Survivor), Tough love de Shandi o la final You're the best con Joe Exposito (todos muy famosos); Regreso al futuro con The power of love de Huey Lewis & the News o la versión (casi mítica) de Johnny B. Good a cargo del mismísimo Marty McFly; Footloose con Sammy Hagar cantando The girl gets around o Bonnie Tyler metiendo Holding out for a hero, amén del tema título; Águilas de acero con King Kobra haciendo Iron eagle (never say die), Helix con It's too late o Eric Martin cantando These are the good time. ¿Alguna más?
Y de todas ellas hoy traigo en vinilo la banda sonora de Top Gun, película y música con todo lo bueno del mainstream ochentero. En comparación con otras películas aguanta bien el tipo. Si hablamos de música, igual se ha quedado algo de magia en el camino. De todos modos, aquí escuchamos el archifamoso tema de amor Take my breath away a cargo de Berlin, Loverboy metiendo Heaven in your eyes, Cheap Trick ponen su granito con Mighty wings y los reyes de la pista Miami Sound Machine un mueve culos Hot summer nights.
Un poco de revival para que recordéis la época en que ibais al cine a meter mano y no a comer palomitas. Pasad buen fin de semana.
Hay que ponerle humor a la vida y si es a ritmo de rock, mucho mejor.
Vía Crucis eran, son (se acaban de juntar de nuevo hace un par de años y grabar un cd), un grupo de heavy rock formado, allá por el año 88 del siglo pasado, en Badalona.
Hay 100000 de críticas de este disco en internet así que haré una lo más subjetiva posible y hablando sobre lo sentimental del album aunque eso no quita que aporte también diversa documentación más técnica así como curiosidades. Edición española año 1980, comprado en la extinta discos callejas Granada en 1981. La verdad si yo fuera un crítico musical de 1969 no lo catalogaría como rock progresivo porque aún no existía como tal pero si de un rock psicodélico muy sinfónico y en ocasiones pesado como el mítico tema que abre el disco o la oscuridad presente en otros; lo que por supuesto no me imaginaria es que sería un album que poéticamente adivinaría el futuro presente, es un album cuya conceptualidad es muy distópica nunca pasa de moda porque vale para 1969 pero para hoy también porque es la esquizofrenia del siglo XXI es lo que a mi siempre me ha transmitido este album, una melancólica tristeza tan bonita que no hay palabras para describirla en general toda la música del grupo es así de hecho incluso el arte de sus caratulas muchas ilustradas por PJ Crook son puro "1984" es una música que tiene ese rollo como otros muchos grupos de la época pero ninguno suele calar tan políticamente profundo. Respecto a experiencias personales, a parte de haberlos visto en directo en Barcelona 2016 (concierto del cual ya os traje elepé el año pasado) también tuve hace poco una experiencia psicodelica escuchándolos en mi casa que me dejo flipado, no porque se apreciara mejor la música ya he dicho muchas veces que simplemente es distinto de hecho a veces me gusta quitar la música cerrar los ojos y no oír una mierda porque voy tan acelerado que mi mente vuela pero si que casualmente era un día nublado y lluvioso al igual que cuando estuve en Barcelona, la conceptualidad de esta música llego a mi de una forma en la que me vi casi metido en una de las pinturas de PJ Crook viviendo en una mega ciudad contaminada y militarizada por la autoridad de futuro jajaja pd: no voy a especificar la sustancia porque esto es FFvinilo no club yonki de caballeros pero decir que fue algo leve tampoco una cosa gorda pero también es como uno lo viva.
Se hace raro ver la carátula con un matiz de color tan cálido y rojizo cuando el album original es todo lo contrario, la foto de la derecha con el trippy ese de la caballería es una edición personal que me he permitido puesto que bueno es una referencia tanto a la época como a la letra de schizoid man cuando habla del napalm y tal.
Datos técnicos e históricos por cortesía de Progstureo:
Existe una cerveza American IPA elaborada por Toccalmato, procedente de Fidenza, Italia, llamada Skizoid.
Steven Wilson pidió prestado a Robert Fripp el Mellotrón MK II con el que se grabó In The Court of the Crimsom King para grabar su álbum The Raven that Refused to Sing (and other stories), publicado en 2013.
Peter Sinfield fue quien bautizó a King Crimson. Durante años ha habido dudas sobre el significado. Se habló sobre su relación con Belcebú, rey de los demonios, aunque también se denomina Rey Carmesí a aquellos que durante su reinado se habían producido derramamientos de sangre.
Al contrario de lo que muchos creen, la portada no representa al Rey Carmesí, si no al Hombre Esquizoide del Siglo XXI. Robert Fripp veía reflejada su música en la expresión del rostro.
La portada del disco es obra de Barry Godber, un joven programador informático. Godber no hizo ninguna obra más y falleció en febrero de 1970. El cuadro original es actualmente propiedad de Robert Fripp.
El Rey Carmesí es la figura que aparece en el diseño interior (a la izquierda del cuadro).
Greg Lake se negó a participar en "The Illusion", la improvisación de 10 minutos que constituye el segundo movimiento de Moonchild, ya que afirmó no sentirse cómodo con la idea. Es por eso que no hay bajo durante dicha sección.
Al contrario de lo que se suele creer, la mente maestra detrás de la composición y los arreglos del álbum fue Ian McDonald, quien grabó todos los teclados, todos los vientos, el vibráfono en Moonchild y aportó algunos coros.
I Talk to the Wind, por su parte, fue escrita en 1968 por "Giles, Giles and Fripp" la banda que compartían los hermanos Michael y Peter Giles junto con Robert Fripp y que más tarde terminaría transformándose en King Crimson.
Spain 1970
pongo covers interesantes porque en youtube no esta el album original
South África 1970
Prácticamente todas las canciones del álbum habían sido presentadas al público antes de su lanzamiento: 21st Century Schizoid Man, The Court of the Crimson King y Epitaph habían sido interpretadas en Julio de 1969 en Hyde Park, concierto en que telonearon a los Rolling Stones.
