Otro de los vinilos que compré en Shibuya –y ya van ocho– fue este Crimson Glory, larga duración de debut de la banda homónima de Florida. De mi gusto por este grupo da fe la entrada que hace varios años dediqué a la que creo su mejor obra. Sin embargo, sólo un poquito por debajo está la que hoy os traigo.
Con el mismo line up que grabó su segundo álbum –compuesto por el malogrado Midnight a las voces, Jon Drenning y Ben Jackson a las guitarras, Jeff Lords al bajo y Dana Burnell a la batería– y con producción de Dan Johnson en los Morrisound studios de Tampa, con Jim Morris de ingeniero, el estupendo track list de Crimson Glory fue:
A
Valhalla
Dragon lady
Heart of steel
Azrael
B
Mayday
Queen of the masquerade
Angels of war
Lost reflection
La cara A se inicia con las afiladas guitarras de Drenning y Jackson que presentan un Valhalla en el que destacan ambos intérpretes junto al vocalista y se atisban notas de unos teclados sin acreditar a cargo de John Zahner. Un pedazo de tema que sirve de inmejorable carta de presentación antes de que Dragon lady suene en los altavoces, otro estupendo power metal con un fantástico trabajo de guitarras. Entonces llega la mélódica Heart of steel, con la voz de Midnight como protagonista transmitiendo emotividad, unos guitarrazos de aúpa y más teclados en algunos pasajes del tema. Sin embargo, el nivel está por debajo de la siguiente Azrael, mucho más redonda en interpretación y arreglos, con la que se cierra la cara y de mis preferidas junto a la primera canción.
La cara B comienza con Mayday, un tema rápido con afiladas guitarras y la voz aguda de Midnight, que en esta ocasión no me gusta demasiado y me recuerda al cargante Jim Gillette de Nitro. Además, el sonido de batería es de puta pena. Vamos, que no es una de mis favoritas. Todo lo contrario que Queen of the masquerade, con unos arreglos de guitarra que recuerdan a Vinnie Vincent en algún momento. Una estupenda canción sin duda. Angels of war es otro buen ejemplo de buen power metal con unas guitarras estupendas y la alucinante voz de Midnight llegando a niveles estratosféricos. El disco termina con Lost reflection, una extraña balada acústica cantada con una voz desgarrada y emotiva que habla sobre una persona encerrada durante años en un desván.
Y eso es todo por hoy amigos, os acompaño la grabación completa para que disfrutéis de la primera obra de estos músicos de Florida, un trabajo que quizás no es del todo perfecto pero que les sirvió para sentar las bases de lo que dos años después sería uno de los álbumes imprescindibles del metal norteamericano de los 80. El clip incluye el bonus Dream Dancer, que no aparece en el álbum de vinilo original y que apareció en single en 1988, poco antes de editarse el estupendo Trascendence.
Es curioso cómo o porqué compramos a veces los vinilos. Este, sin más, lo compré por ser doble y estar a buen precio. Ya conocía el DVD "The Sting" publicado hace diecisiete años. Me parecía un elemento prescindible en la discografía de W.A.S.P. aunque... ¿quién se resiste a un vinilo doble ¡de color verde! con carpeta gatefold y tirado de precio... Yo no puedo.
The Sting se grabó en vivo el 22 de abril del año 2000 como parte de la gira de presentación del álbum Helldorado en un garito de Los Ángeles llamado The Key Club. La banda la conformaban el eterno Blackie Lawless a la garganta y la guitarra, Chris Holmes (el hijo pródigo) como guitarrista loco, Mike Duda al bajo y Stet Howland a la batería. El contenido del álbum (poco más de 70 minutos) mezcla canciones de varias épocas. El álbum comienza con un medley "nuevo-viejo": Helldorado-Inside the electric circus-Chainsaw Charlie que funciona bien. El setlist incluye L.O.V.E. machine,Wild child, Blind in Texas o A.N.I.M.A.L. (fuck like a beast) entre otras.
El sonido deja mucho que desear, pues más parece un buen bootleg que un disco oficial (más aún con el fantástico Double Live Assassins tan reciente): la mezcla es pobre y plana y en ocasiones los instrumentos se pierden. La banda tampoco estuvo al cien por cine, en especial Holmes, que se marca algunas partes de guitarra un poco chapuceras. Pero la entrega, la rabia y la oscuridad de Lawless en esa época la escuchas en cada surco. Suena diferente a su época de gloria, desde luego, pero no es un mal disco en directo.
De todos modos, lo mejor es la edición vinilo con sus dos discazos verdes, la carpeta doble y el encarte. Re-edición de la germana Madfish, por cierto. Una pasada.
Cualquier momento es bueno para un concierto de W.A.S.P.
Hola amigos, heme aquí un nuevo viernes repasando mis adquisiciones vinílicas en Tokyo. A ver, ya han pasado por aquí los cuatro de Vow Wow, el de Steeler y el de Show-Ya. Pues bien, hoy llega el primer disco de los estadounidenses Montrose –mi copia es una reedición norteamericana de 1978– que se tituló con el nombre de la banda, a su vez el apellido de su fundador. Muy original.
Producido por la banda y Ted Templeman entre los Warner Bros recording studios, los Sunset sound studios y los Wally Heider studios, Montrose es otro de esos discos míticos que llevaba años buscando por las ferias de vinilos y que no encontraba nunca o estaba a un precio bastante elevado. Pero ya es mío.
Con Sammy Hagar a las voces, Ronnie Montrose a la guitarra, Bill Church al bajo –todos conocidos de Templeman por haber participado en diversas grabaciones de Van Morrison– y Denny Carmassi a la batería, Montrose sacaron al mercado este excepcional disco con portada de Norman Seeff diseñada por Dave Bhang y el siguiente track list:
A
Rock the nation
Bad motor scooter
Space station #5
I don’t want it
B
Good rockin’ tonight
Rock candy
One thing on my mind
Make it last
Rock the nation es hard rock crudo y clásico, con un riff machacón que electriza y le hace a uno querer coger una guitarra y emular a Ronnie. La parte central ofrece un poco de descanso y despues del sencillo solo, retoma el riff para dejárnoslo impreso en el cerebro. Apenas tres minutos pero historia del hard rock USA style, un puñetazo en la cara a lo burro, simple pero efectivo. Más elaborada es la siguiente Bad motor scooter –firmada por Hagar– aunque igualmente imprescindible, con un solo más complejo. Entonces comienza EL TEMAZO que me hizo descubrir hace años este disco en un programa nocturno que el ya fallecido Jordi Tardá tenía en la radio, Space Station #5. Si uno no queda poseído al escuchar esta canción es que no ama el rock –qué digo el rock, la música– y merece ser encerrado desnudo en una celda de Guantánamo con reggaeton sonando sin descanso por los altavoces. ¡Pero si hasta los Maiden grabaron una versión! (algo irreverente, eso sí). Amigos, esto provoca más headbanging que algunos grupos de metaleros con chándal que se las dan de auténticos. Y entonces... ¡caramba!, ¿Redline de Saxon?, ¡no! una estupenda I don’t want it de la que los británicos plagiaron el riff. La verdad es que no he investigado sobre el asunto e ignoro si tuvieron que afrontar algún tipo de denuncia, pero si no lo habéis hecho, comparadlas y veréis que no se trata de un parecido razonable sino de un robo en toda regla. En fin, un temita que no llega ni a los tres minutos pero que resulta muy efectivo.
La cara B comienza con Good rockin’ tonight, un rock clásico de Roy Brown de esos que no te dejan permanecer quieto y te hacen chasquear los dedos y mover las caderas como un poseso, con un pedazo de solo que echa para atrás. Le sigue Rock Candy, otro temazo, el único del álbum en el que participaron en la composición todos los miembros de la banda. Cadencioso, magnético e imprescindible. One thing in my mind es otro hard rock de sonido clásico con riff machacón y un solo central estupendo. Una guitarra limpia que precede la entrada de la voz de Hagar es el inicio del último tema del disco, una estupenda –¿alguna canción de este álbum no lo es?– Make it last compuesta por Hagar, con un riff repetitivo simple pero muy pegadizo.
En fin amigos, apenas media horita de música que no debería faltar en la discoteca de ningún rockero y que por fin he traído a casa... y os adjunto aquí.
El movimiento grunge, como suele pasar con todo aquello que marca tendencias en el mundo de la música, fue cocinado desde alguna oficina de la otrora todopoderosa industria discográfica. Con el Nevermind de Nirvana, cómo demoledor ariete, pusieron etiqueta a un movimiento musical nacido en Seattle que iba mucho más allá del citado disco multi ventas. Y es que poco tenían que ver la vitalidad y fiereza de Louder Than Love de Soundgarden o la oscuridad del Dirt de Alice In Chains con Nevermind, sin duda un disco mucho más accesible y agradable para el oyente medio que los discos de Green River o Mudhoney.
Badmotorfinger, el tercer disco de Soundgarden, es uno de los mejores discos del mal llamado género grunge y que poco tiene que ver con el movimiento que Kobain puso de moda.
Hacía tiempo que quería dedicarle unas líneas, ya que es mi disco preferido de los de Seattle, pero nunca encontraba el momento. La inesperada muerte de Chris Cornell me ha empujado a hacerlo. Sirvan estas líneas de sentido homenaje a la que fuese una de las voces más portentosas de los 90s y que me acompañó durante toda mi adolescencia.
Esta entrada hubiera quedado perfecta el año pasado ya que era cuando Un paso más en el camino cumplía 25 años y coincidía con el retorno de CAÍN a los escenarios, pero, tras unos días pinchándolo, ha tocado hoy. Qué le vamos a hacer.
La banda creada en Motril allá por 1985, estaba formada por Yolanda a la voz, Oscar y Danny Aragón a la guitarra y batería, respectivamente, y Paco Escudero al bajo. Hacían un buen heavy rock con toques melódicos. En 1991 firman con Avispa su primer trabajo lo que venía a suponer, tal como indicaba su título, Un paso más en el camino. Un camino, por cierto, lleno de dificultades, zancadillas y obstáculos puestos por la propia compañía que no les hizo ni puto caso.
No obstante el disco gusta y les permitió girar ese mismo verano y tocar por la piel de toro con lo más granado del rock nacional.
Aunque todos los temas trasmiten buenas sensaciones, es en “El guardián de los sueños”, “No hay dinero para el Rock n’ Roll”, “Alta sociedad”, “La amazona” del que se hizo un vídeo clip, o “Sangre”, que con el tiempo ha pasado a ser su tema más reconocido, cuando Óscar brilla con su guitarra contagiando a toda la banda y encajando sonido y voz a la perfección.
Tras cambios en la formación, en 1995 es editado, por parte del sello granadino Big-Band, su segundo trabajo de título … Y lo negro será blanco…. Tras un par de años de promoción la banda cuelga los trastos hasta el año pasado.
Un disco y banda recomendad para un caluroso fin de semana. Sed felices es una orden.
Si quieres conocer algo más de la banda y seguirla por redes sociales:
Buenas a todos compañeros del metal, como ya sabeis hace dos años traje a FFvinilo la crítica de Paranoid, no voy a volver a repetirla si quereis verla ahí teneis el enlace de la entrada original lo que pasa es que he adquirido hace poco la club edition francesa ¿Qué son las club editión? Son ediciones de discos famosos con caratulas alternativas ya sean de discos oficiales o no que le dan cierto sabor de boca, cierto toque de aire fresco, morbo de tener tus discos favoritos con caratulas y portadas diferetes, en este caso todos los discos de Black Sabbath tienen o han tenido sus club editions por ejemplo el debut famoso en Alemania salió con una caratula alternativa que se veían los 4 músicos y un fondo celeste muy bonito también, o el volumen 4 en portugal salió con una caratula naranja con franjas moradas y un dibujillo de Tommy iommi.. en fin en este caso en 1970 en Francia salió así el disco, lo mismo que hay porai otra edición de paranoid que se ve un dios griego con una espada y otra de un bosque encantado, es una reedición que ha salido hace poco copias limitadas, a mi me salió por 20 pavos en tienda. Vertigo records, sin nada especial más que el label original de vertigo, no es 180 gram y por detrás como podéis contemplar viene una pequeña crítica de la época en frances del album y anuncios de otros discos de la época del estilo. Y respecto al sonido se escucha de puta madre igual que la reedición de Paranoid que tengo normal.
Falta una vela ahí abajo. Pero me gusta más la caratula original.
PLANET CARAVAN
Con la influencia del Jazz fusión llega este clip oficial de Black Sabbath que hicieron para la promo del album esta genial, pero mi fantasía favorita de este tema es imaginarme unos buzos con trajes pesados caminando por el fondo del océano en busca de algun submarino sovietico hundido.
durante los años 60s.
HAND OF DOOM
De este tema me gustaría hacer un video con algun clip original de Vietnam disparando
trazadoras y balas incendiarias por la noche, pero es que sabbath tiene mucho copyright y te los borran, sin embargo teneis el video original de Electric funeral que se ven pruebas nucleares reales de los años 50s a color, es que la temática ddl album realmente es semi-conceptual casi todo habla de la guerra fría pero le pusieron Paranoid para que no fuera un disco tan bélico. Aunque no es conceptual porque también trata otras temáticas como la psicodelia, el satanismo o la ciencia ficcón jajaja estaba prohibido este disco en España.
ELECTRIC FUNERAL
Si os interesa la temática post-apocaliptica y nuclear también teneis porai discos como el de Armageddon o el Salisbury de Uriah Heep para echarles un ojo.
FAIRIES WEAR BOOTS
IRON MAN
Bueno no voy a volver a hacer la crítica entera otra vez solo añadir cosas que no dije en su momento como que me encanta el bombazo que le mete en esta canción y que bueno lo peta en todo el album, respecto a la historia y la letra de esta canción ya hable en la entrada original y lo que no se es de que relato de ciencia ficción estará sacado pero no tiene nada que ver con Marvel pese a que en 1968 salió el primer cómic del hombre de acero.
No se si ya lo dije en la critica original pero Paranoid es la mejor canción que se ha escrito
para definir un transtorno paranoico, nada que ver con la versión original de Grand Funk Railroad de 1969 que habla de paranoia en un sentido más político y global.
WAR PIGS
Versión de la película de 300 II jajajajaja
Pistas
A1War Pigs
A2Paranoid
A3Planet Caravan
A4Iron Man
B1Electric Funeral
B2Hand Of Doom
B3Rat Salad
B4Fairies Wear Boots
(van en el mismo orden que el original).
Personal:
-Tony Iommi – guitar, flute.
-Geezer Butler – bass guitar .
-Ozzy Osbourne – vocals .
-Bill Ward – drums, congas.
(tienen músicos de sesión para el sintex)
--> Paranoia (el enlace de los albunes mp3 esta en el link de la entrada original
"Los acordes de aquel quinto álbum de los británicos nacieron en un castillo de Gales, que fue el búnker que ‘protegió’ a la banda de aquellas drogas que ya los tenían consumidos, hasta tal punto que necesitaron aquel nuevo ambiente para que su inspiración volviera a florecer, en un enclave no exento de misterio, pues en ese castillo, y durante la grabación del álbum, se avistaron presencias fantasmales, incluso una estancia fue escenario de un inexplicable incendio. De esos ancestrales muros y sus secretos brotó otra piedra filosofal de un naciente género, otro pilar fundamental y legítimo de aquello que llamarían Heavy Metal"ElPortalDelMetal
Hoy traigo el quinto album de estudio a Black Sabbath grabado a lo largo de 1973 en aquel castillo de Gales como cito ahí arriba con ese fragmento de El portal del Metal, y publicado el 3 de Diciembre de 1973, a diferencia de los 4 primeros discos de Black Sabbath este album va adentrándose aún más en el Heavy Metal con un sonido más rockanrollesco, menos oscuro y tétrico aunque la temática del album sigue tratando considerablemente el satanismo y presenta mucho más uso de sintetizadores y efectos de este tipo además de un amplio elenco de instrumentos como arpas, piano de cola, clavecín y musicos de sesión, es un album que se nota que es ya más cercano a mediados de los 70s pero sin perder en ningún momento la esencia de la banda sigue siendo psicodélico y más progresivo aún (Rick Wackeman teclista de Yes participa como músico de sesión). Los temas más sinfónicos e instrumentales como Fluff o Arquitecto de espiral son de lo mejor muy emotivos, astrales.. y los más duros pues vienen arrasado como siempre, en verdad es casi rock espacial con los sintex. Joder me ha gustado tanto la crítica de El portal del metal y esta tan completa que la voy a traer entera, añadiré lo que crea conveniente además hoy no me siento muy inspirado asi sí, la voy a traer: "El álbum es presentado por su homónimo, con un riff que hace historia por su carácter y corpulencia, poco usual en aquella era, erigiendo la escuela donde se forjasen los siguientes nombres ilustres del movimiento, aún todos por escribir en el códice sonoro de ese género por nacer. Esa simpleza y magia en el riff seguía siendo la eficaz fórmula del cuarteto inglés, creando ese denso oleaje clásico sobre el que siempre nadó la voz de la banda, aquel Ozzy Osbourne de tesituras tan propias, el Yin de un Yang de guitarras gruesas y ruda percusión. Sublime mixtura entre esa sentida melodía vocal y ese arrollador riff, que como los polos opuestos, se unen en especial magnetismo y eficaz resultado.
La portada diseñada por Drew Struzan nos muestra la cruda imagen de un hombre acostado sobre una cama teniendo una pesadilla o una visión de ser atacado por demonios en forma de humanos. La muerte le rodea en su lecho de sufrimiento con el número 666 (el número de la bestia) grabado de fondo.
Esos calmos pasajes entre riff y riff son tan inesperados como exquisitos, hasta que Osbourne da paso al solo con ese rabioso ”You bastards!”, donde Iommi descarga la munición de ese arma de seis cuerdas que empuña, demostrando este zurdo que hasta con menos falanges que el resto de guitar heroes podía y puede regalarnos magia en tales laberintos pentatónicos, que se hacen más delirantes en cada vuelta de esa melodía del solo, que se va metamorfoseando a más histriónica y desgarrada. Tras ello, entramos en terrenos vírgenes donde décadas después el difunto Dimebag Darrell sembraría sus propios frutos para aquel llamado Groove Metal que con Pantera creó para ‘reinventar el acero’ en la aurora de los ’90, con su gran repercusión posterior. Esa parte mencionada, con su colosal marcha de tanque, es uno de los momentos más visionarios y por ello heavies de todo el álbum.
En la crítica que hice de More de Pink Floyd mencione este album y es que al igual que more es más nihilista sobretodo en el aspecto romántico que todo porque temas como Sabbra Cababra hablan de eso, me recuerda mucho al filme más allá del bien y del mal, además de una especie de mezcla con la escena final de 2001 odisea en el espacio jajaja.
(Es el album completo que estaba en youtube y también en Vimeo pero lo borraron por copyright y ya solo esta en nuestra página de musica de alto riesgo, es un video especial porque lleva un efecto psicodélico sobre la carátula).
Con su propia personalidad y carisma aparece el segundo corte. El riff/melodía base de A National Acrobat se desenvuelve fluido, con una seductora soltura, como vacilándonos en sus sinuosos andares con una ceja mas alta que la otra, con el mismo talante travieso y entrañable que aquella melodía base del Better By You, Better Than Me de Spooky Tooth (versionado por Judas Priest en su Stained Class del ‘78), pero siendo ésta de Sabbath rematada con unos ágiles ligados de notas muy expresivos que la hacen mágica, sobretodo cuando pasa a ser doblada por una segunda guitarra que entra en escena en otro tono más alto. La estructuración de este tema en su principio es sencilla, siendo el verso intercalado entre la melodía de marras sin ningún puente o estribillo que interrumpa ese bello diálogo texto/melodía del que esta última siempre tiene la misma respuesta, pero no cansa en absoluto. Y ese verso cuenta con una letra que vino a mostrar una vez más la grandiosa poesía de la banda y su pasión casi épica por lo cósmico, con ese revelador comienzo de ”Yo soy el mundo que esconde el secreto universal de todo tiempo”. Habla de la reencarnación.
Esa melodía base, como ya dije, no se hace pesada para nada, porque embelesa, se deja uno llevar por ella hasta donde sea, hasta que muere bajo el mazazo de ese crudo contraste, bordado con wah-wah, que marca un nuevo territorio en la canción, más oscuro y pesado, donde un colérico Ozzy exprime sus tonos más altos, condenando al oyente a entender y encarar su propia muerte por aquella inmortal voz que les habla, desde esa ventajosa altura existencial que tantos siglos conoció. Sin embargo, esta voz que ostenta el secreto universal, al final reconoce que aún sigue aprendiendo y que no sabe qué le deparará su próxima vida. Excelente letra, excelente música: Excelente canción.
Castillo de Clearwell, Deep purple también se pasaron una temporadita allí, se ve que es un castillo que lo alquilaban. "¿Te imaginas ver un atardecer en ese sitio, y luego te pegas un tiro porque ya no vas a ver nada más brutal que eso en tu vida" Luis del Oso xDDD
Tras ella llega la paz que exhala Fluff, un instrumental en acústico rociado por un delicado goteo de notas de teclado, como una calma que precede a la tempestad de Sabbra Cadabra, que es el tema que lo sigue con ese ritmo frenético y festivo, adornado por esas inspiradas melodías pentatónicas que sirven a modo de riffs, para luego atacar Ozzy Osbourne como él sabe hacer, empujando el tema con un desgarrado registro, la energía precisa que pide tan acelerado corte. La canción fluye ágil, hasta que su vigor toma asiento y sentimiento una vez cumplido su segundo minuto de vida, naciendo de él un arpegio eléctrico que da paso a la espectral psicodelia de los teclados, tocados por Rick Wakeman de Yes. Desde ese momento empieza un cálido y calmo pasaje animado por una base de bajo y piano que juguetea con el ritmo sincopado que marca Bill Ward, en una representación musical típica del Rock ‘N’ Roll de los ’50, donde aún sigue presente ese arpegio eléctrico inicial. Todo ello sirve de acompañamiento para un Ozzy que nos traslada desde la distancia su sentir con un añejo deje puramente rockero, arrancando su siguiente estrofa en un marcado mid tempo donde el bajo de Geezer Butler nos remueve el alma con sus maneras. El ejercicio se repite una vez más, hasta que todos se despiden de una forma más desenfadada, como en una amistosa jam que acaba trazando en su final ciertos tintes progresivos.
Esta es la carátula interior del album de 1973.
Killing Yourself To Live se adentra señorial en su riff hasta marcar el territorio de la voz con un trémulo y grave arpegio. Su humilde estructura verso/estribillo no oculta su magnificencia, hasta que ésta se muestra en todo su esplendor tras el segundo estribillo, donde el Madman prolonga y proyecta al cielo su último “Killing yourself to live” para con él abrirse un sendero de otro sabor y sentir, del que emerge al instante un majestuoso solo que se funde en nuestra alma para mecerla a su voluntad, acabando de comprender así lo que los tan católicos difundían de que esta música domina la almas… prefiero que me domine a no haberla conocido nunca.
Tras ese solo, que doblado muestra tras de sí una sombra distinta, encarnada por otra guitarra, y tras otra estrofa más, que aislada se presenta, entra un pasaje más movido pero que mantiene la elegancia y mesura dignas para presentar el otro gran detalle de Killing Yourself To Live, que no es otro que ese punteo que encuentra texto en un sincronizado dueto entre Ozzy y la guitarra de Iommi, ubicado tal momento en el lapso 3:16/26, que refiero aquí cual versículo bíblico por ser uno de los momentos más mágicos de este vibrante Sabbath Bloody Sabbath. Ya el desenlace del tema lo marca un pisotón de acelerador, más presto que en Sabbra Cadabra, descargando otra tanda de cantos coléricos de nuestro Ozzy al salvaje son de las guitarras, despidiendo así un tema muy completo, plagado de diferentes sentimientos que encuentran su parcela cada uno y sin desentonar. Magistral.
En Who Are You?, cantante y banda se plantan ante Dios y le preguntan: “En el nombre del Infierno, ¿quién eres tú?”. El autor de la letra aquí es Ozzy, siendo aquello una excepción hasta entonces en la banda, pues siempre fue Geezer Butler el letrista ‘oficial’. Nos encontramos ante una canción que deja en el banquillo a las guitarras para dar sumo protagonismo a los sintetizadores y teclados, en un tema que por su galáctica y a la vez funeraria parsimonia nos hace sumergir en ese viaje astral que hace a Ozzy visitar a Dios para el interrogatorio. Muy bellos pasajes de teclado en su ecuador, donde acaba empujando desde atrás un redoble de caja que hace más ceremonioso el momento, haciéndonos recordar a los brillantes Genesis de esa misma época. Rock Espacial sin duda, incluso con tintes medievales una belleza con Wakeman además al teclado sintex.
Looking For Today nos brinda un frondoso ritmo de caja y charles perpetrado por el genio Bill Ward, sobre el que se apoya cómodo un vivaz riff que acompañará al verso de Ozzy. Ese puente al estribillo, ornamentado por sutiles flautas, nos trae aromas progresivos, como fugados de la Corte del Rey Carmesí. E igual de progresivo es aquel episodio de múltiple personalidad que sufre la batería al final del tema, con esos redobles de timbales que viajan de altavoz en altavoz. Es un tema muy vitalicio, muy no se muy juvenil muy como si fuera compuesto para infastes de la época muy emotivo no se es genial demonios.
Un cristalino y cálido arpegio abre Spiral Architect, para después estallar el tema en acordes eléctricos al aire empujados por el siseante traqueteo del charles, viniendo a mi mente de nuevo esos Genesis con aquel despertar tan heavy que marcó el cenit de su The Musical Box cerca del cuarto minuto. El influjo progresivo parece definir la segunda mitad del álbum en detalles como éste, notándose el sendero que poco a poco tomó la banda, cada vez dejando más atrás la oscuridad que los concibió. Seguramente inspirado en las escaleras del castillo es en mi opinión el mejor tema del disco realmente bonito, fusiona lo sinfónico y lo progresivo de forma eficiente, con violines incluidos. La letra "habla de la época, del paso del tiempo y la tecnología" pero según Geezer Butler que compuso casi todos los temas en realidad es una analogía sobre drogas.
Este último tema camina entre algodones con un Ozzy que a veces parece cantar sonámbulo entre el mundo de sueños que teje la orquestal cuerda que emite el teclado, adentrándonos en esa fantasía hasta la pirueta final de esos teclados del de Yes, para despedirse el corte con un murmullo de olas y una calmada sesión de batería y bajo que se va desvaneciendo poco a poco como tragados ambos instrumentos por esa marea que se oye, dando fin a este ‘sangriento Sabbath’ que no fue tan fiero como fue pintado, pero sí tan ilustre y carismático como sus anteriores trabajos, y de una calidad indudable.
Aquel castillo galés contagió parte de su oscuro encanto y misterio a esta obra de los británicos, con una notable y ecléctica efervescencia en talante y espíritu que incluso parece delatar a la banda, pues da a entender que no pasaron el control antidoping pese a confinarse en aquel castillo, poblado éste por fantasmas y fenómenos que no se sabe si fueron más fruto de la alucinación lisérgica que de su mera naturaleza parapsicológica. Bien si se drogara la banda o no, o si invitara también a los fantasmas, el misterio que impregna el disco no se lo quita nadie, sumando a ello la calidad estrictamente musical que aportó este quinto trabajo de los de Birmingham, que tan genios fueron sobrios como ebrios, y tan grandes fueron desde las tinieblas como desde la luz.
Electric Guitar, Acoustic Guitar, Bagpipes – Tony*
Strings – The Phantom Fiddlers
Vocals – Ozzy*
Compañías, etc.
Produced For – Excellency Productions
Published By – Essex Music International Ltd.
Pressed By – Phonodisc Ltd.
Lacquer Cut At – Phonodisc Ltd.
Esto es un videoclip oficial de la banda para la promo del disco, es genial.
Créditos
Arranged By – Black Sabbath
Coordinator [Coordination] – Mark Forster (2)
Design – Pacific Eye & Ear
Directed By [Direction] – Patrick Meehan
Engineer – Mike Butcher
Illustration – Drew Struzan
Photography By – Shepard Sherbell
Producer – Black Sabbath
Tape Op – Frank Silvagni, George Nicholson, Les Martin
Written-By – Black Sabbath
Formación / Line up
Ozzy Osbourne - Voz
Tony Iommi - Guitarra
Geezer Butler - Bajo
Bill Ward - Batería
(+ músicos de sesión)
Respecto al elepé es una reedición de 2016 vinilo coloreado 180 gram por 20€, se escucha bien aunque le falta quizás un poco de dinámica y algo más de agudos, lo malo que tienen algunos discos de vinilo es que si te pasas con la dinámica de las ondas y los surcos son de tamaños demasiado dispares puede salir volando la aguja jajajaja es una de las pocas ventajas que tiene lo digital, pero no deja de ser el sonido más real que hay de formato. Lo malo de estas reediciones es que no viene la caratula interior plegable ni la funda con las letras de los temas. Por cierto hay una parte que ya no recuerdo que me ha recordado a la bso del cazador, una de las partes instrumentales por unos segundos no se. Pillarlo original en España muy muy dificil puesto que aquí en España estaba prohibido Black Sabbath hasta diciembre del '75 por culpa de la puta iglesia católica y del régimen me cago en todos sus muertos. Las anécdotas personales con el album esta vez las omitimos xDD y eso es todo por hoy señores.
Cuidado con los enlaces que me parece que este album por lo que sea tiene fuerte copyright asi que Sangiento sábado si quereis conseguirl asi como otros albunes de la pagina.
Salurocks!!
Esta se la dedico a los más salidos de la comunidad del vinilo jajajaja
Amigos, me permitiréis que hoy abra un paréntesis en la serie de entradas que estoy dedicando a mis vinilos recientemente adquiridos en Tokyo y os hable de este álbum que acabo de recibir hace unos días. Como podéis ver, me estoy refiriendo al último y calentito lanzamiento de los suecos The Night Flight Orchestra, el flamante Amber galactic. Hay tíos aún que cuando les preguntas si no les parece que Paul Newman era guapísimo, responden ofendidos y heridos en su hombría aquello tan manido de “yo, de eso no entiendo”. Pues bien, en este caso ocurre algo parecido. Cuando a algunos jebis les cuentas que estos tipos crean una especie de mezcla de hard rock melódico, pop y guitarras agitada en una coctelera y servida en una copa de cóctel en la barra del neoyorquino Studio54, te miran de una manera que parece que teman que se les caigan los huevos al suelo o que se les aparezca Chuck Schuldiner y les meta una hostia con la mano abierta. Lo cierto es que, no sé si será cosa de la edad, pero yo disfruto igual con el riff matador de Objection overruled que con esta maravilla.
A The Night Flight Orchestra los descubrí a principios del año pasado –ver artículo aquí– y quedé prendado por su música, a la que definí como dance hard rock con influencias de la E.L.O. Ya entonces eché en falta una edición en vinilo de sus dos álbumes, pero he tenido que esperar poco más de un año para tener en mis manos –en la edición doble en vinilo violeta estrellado– su tercer trabajo de estudio, otro estupendo disco de los suecos: Sí amigos, Amber galactic ya está aquí.
Grabado en los Handsome Hard studios de Dösjebro para Nuclear Blast, la formación que ha participado en el disco cuenta con Björn Strid a las voces, David Andersson a la guitarra –ambos en Soilwork–, Sharlee D’Angelo al bajo –de Arch Enemy y Spiritual Beggars–, el batería Jonas Källsbäck, el teclista Richard Larsson y Sebastian Forslund a la segunda guitarra y percusión, autor también de la portada y de la mezcla final del álbum. Como colaboradores de sesión figuran Johanna Beijbom a las voces y Hanna Carlsson y Martin Lindqvist al cello y el saxo, respectivamente.
Producido por la propia banda, el track list que podemos encontrar es el siguiente:
A
Midnight flyer
Star of Rio
Gemini
Sad state of affairs
Jennie
B
Domino
Josephine
Space whisperer
C
Something mysterous
Saturn in velvet
Just another night
Inicia el álbum Midnight flyer, que también fue la primera canción que sacaron de adelanto en YouTube, un temazo en el que dejan claro que se afianzan en los sonidos de su predecesor Skyline whispers pero con mayor predominio de la guitarra. Se trata de un hard rock melódico de alto octanaje. Le sigue Star of Rio, que tiene un riff de guitarra sobre el que se van añadiendo sonidos –primero la batería, luego el bajo– y que tiene un ritmo salvajemente setentero, entre hard rock clásico y disco sound, con un estribillo pegadizo. Gemini es otro de los temas que adelantaron antes del lanzamiento completo y es de esos que se le meten a uno en el cerebro, lleno de ritmo, con una melodía y arreglos que lo convierten en bailable pero a su vez muy hard, con un estupendo solo de guitarra. Sad state of affairs fue el último adelanto del disco y comienza con un riff de guitarra, al que rápidamente se suman una batería y piano machacones. Estamos ante otro hard rock melódico de gran nivel en el que Andersson y Strid se salen. Por último, Jennie es uno de esos temas con regusto a E.LO. que Björn y compañía tanto veneran, pasado por un filtro AOR, con un resultado espectacular.
En la cara B tenemos a Domino –otro de los temas que nos regalaron mientras esperábamos la publicacion del álbum– es un hard melódico con aire funky, sobre todo por las líneas de bajo de D’Angelo. Josephine nos lleva al pasado más rápido que el DeLorean de Doc, con ese piano que al principio de la canción me recuerda al de Far from over de Frank Stallone. El solo de guitarra me encanta.
Y Space whisperer es un estupendo hard rock potente, aunque con unos coros marca de la casa, mezclando teclados setenteros con una guitarra afilada, todo acompañado de la base D’Angelo/Källsbäck.
En la cara C –última del álbum, la otra no tiene surco– está Something mysterious, un AOR de altos vuelos, con ese ritmo seco de bajo, batería y piano primo hermano del de Burning heart de Survivor, a la que sigue Saturn in velvet, otro temazo que tiene unos teclados y un ritmo que te hacen mover los pies sin remedio, es The Night Flight Orchestra en estado puro, una mescolanza de purpurina sónica, bola de espejos y guitarras rockeras que en algunos pasajes del tema incluso me recuerda a Pete Townsend. Y como bonus, una respetable versión del Just another night de Jagger, más discotequera que la original. En resumen amigos, un pedazo de álbum que no me ha defraudado en absoluto.
A modo ilustrativo os acompaño unos cuantos temas que espero que disfrutéis como toca. Y tranquilos, no seréis menos jebis por ello.
Este álbum tiene una historia curiosa en su creación y en su publicación. En cuanto a su creación porque nunca debió ser grabado ni editado. Cuando en 1985 Sammy Hagar sustituyó a David Lee Roth en Van Halen tenía pendiente aún la grabación de un álbum con Geffen Records. El bueno de Hagar pensó que no hacía falta cumplir el contrato en ese momento (los discos de Van Halen los editaba Warner), pero el mismísimo señor David Geffen obligó, como parte del acuerdo que permitió a Sammy acabar en la competencia, un último álbum en estudio. Y así, en apenas unos días de curro, tirando de maquetas y sumando algunas composiciones nuevas, Sammy se metió en el estudio con Eddie Van Halen y se hicieron diez temitas que, la verdad, sin ser nada del otro mundo, están bastante bien. Sammy toca las guitarras, Eddie los bajos, David Lauser la batería y Jesse Harms los teclados. No estoy seguro pero me imagino que varios solos y algunas intros las tocó el mismo Eddie, o Hagar le copió el estilo mucho, mucho.
La historia curiosa en cuanto a su publicación es la siguiente. La primera impresión no tenía título, ni aparecía el nombre del artista por ningún lado, tan solo la foto del cantante y guitarrista en la playa, justo a mitad de un salto. Pero la MTV lo metió en su red y por arte de magia acabó con título y nombre rotulado en la portada. Así que, en realidad, hay dos versiones, la "self titled" y "I never said goodbye". Y, de rebote, Hagar tiene dos álbumes en su carrera con su nombre en el título (este y el primero de 1977).
El tema Give to live es el más popular, muy en la línea rock/AOR que la banda grande adquirió por la época, una balada bien acabada sobre la entrega personal. Este tema lo rescató en varios directos de Van Halen en formato acústico, junto a Eagles fly, un medio tiempo que se acelera a partir del estribillo y acaba a pleno pulmón (no en vano, la letra intenta recrear el sentimiento de un recién nacido). A destacar la inicial When the hammer falls, muy roquera, con buen riff y estribillo, Privacy, también muy Van Halen de finales de los ochenta, con excelente solo, y Back into you, puro 80s, con estupendo teclado y un rollo fiestero divertido. La canción Returning home tiene una letra curiosa: el regreso de los humanos a la Tierra tras siglos de abandono. A Hagar le gustaba la temática del espacio y dedicó varias canciones de su carrera a la temática siempre como escusa para tratar algún tema (el abandono, los cambios de la vida, etc.).
El álbum vendió más de un millón de copias, imagino que por ser el cantante de una banda grande en los Estados Unidos.
La edición que traigo es la inglesa de la época, de acabado sencillo, encarte con las letras y una foto a todo cartón de Mr. Hagar. Hacía tiempo que no lo pinchaba y sigue sonando estupendamente.
